Význam Klasického Školení v Moderním Světě,

Kristen Stevens

Když si lidé myslí o klasicky školená zpěvačka, pár stereo-typů může přijít na mysl: možná squawky, náměstí, hudebník s ego velikosti Texasu? Jako hudební pedagog, který prošel klasickým vzdělávání prostřednictvím univerzitní program, studoval různé styly a žánry, stejně jako s provádí většina z nich; Jsem přesvědčen, že klasická technika je způsob, jak uspět v jakémkoli žánru. Podobně jako klasicky školený tanečník může převést své řízení těla, pohybovat se způsobem, který je v moderním tanci, jsme zjistili, že to je moderní tanečnice, kteří nemohou popruh na pár pointe boty a provést pohyby nutné baletka. Stejně jako klasický tanečník, klasický zpěvák má schopnost přenést svou vokální techniku do jakéhokoli žánru nebo stylu. Klasická zpěvačka Kathleen Battle zpívá jazzovou skladbu Summertime od Gershwina.

moje zkušenost má kořeny v současné i klasické tradici. Když žádal, aby provádět pro různé akce, můj hlas musí být tvárné dost, aby se zpívat správné stylistické skloňování a originální zvuk, všechny hudby, která je požádal mě, můžu to udělat s lehkostí vzhledem k mé klasické školení. Bohužel, pro současného zpěváka je vzácné přenést svou techniku tak, aby vyhovovala klasickému stylu, a někdy je jejich technika tak omezená, že je může dokonce omezit na jedinečný styl hudby. Dokonce i nejtalentovanější současní umělci se snaží udržet stylistickou korektnost při pokusu o zpěv v klasickém stylu.

ucho je může snadno rozlišit, že existují velké rozdíly mezi žánry, nicméně většina lidí, kteří nejsou formálně vyškoleni v hudbě mají potíže uvedení do slov rozdíly, které ucho identifikuje. Níže se budeme ochutnat různé rozdíly, a také jít do trochu, proč se věci dělají tak, jak jsou.

Elektronické Zesílení a Vylepšení

Jeden z nejnápadnějších rozdílů mezi klasickým zpěvák a současný zpěvák je používání elektronických zařízení, zesílit a zlepšit zvuk hlasu. Klasický zpěvák zřídka používá mikrofon nebo jiné elektronické zesilovače kvůli tréninku, umístění, a technika, ke které se spojují. Většinu času, pokud je mikrofon / mikrofony vidět při představení, je to obvykle spíše pro účely záznamu než pro zesílení. Vzhledem k rostoucí velikosti míst výkonu je však pomalu přijatelnější používat mikrofon pro velmi velké arény a venkovní akce. To je také velmi náročné pro audio inženýrů/ zvuk posádek chcete-li získat dobrý zvuk pro zpěváka, protože hudba, opera nebo umění píseň, často vyžadují extrémní a někdy terasovité dynamiky (rychlé přesuny mezi extrémně měkké a velmi hlasitý zvuk), je také obtížné dosáhnout dobrý tón bez zpěvák znějící příliš vulgární nebo špičaté. Tento typ hlasu je obvykle nejlépe oceněn, když je alespoň 20 nohy od zpěváka.

současní zpěváci často spoléhají na elektronické zesílení. Důvodem je především umístění a intonace zvuku, také použití zesílených nástrojů přispívá k potřebě rovnováhy mezi zpěváky a instrumentalisty. (Než učiním následující prohlášení, Pochopte prosím, že si uvědomuji, že na světě jsou velmi talentovaní současní zpěváci, bohužel jsou zřídka slyšet v rádiu.) Současní umělci často používají vokální vylepšení a automatické tunery napravit své vokální chyby, čímž vytváří nahrávací studio, které je pak vyčištěn a zpracovány tak, aby vytvořit produkt, který jste slyšeli v rádiu nebo jiné přenosné hudební zařízení. To je důvod, proč lidé mohou někdy zklamáni, když slyší své oblíbené kapely/ interpreta živé vystoupení nebo akustické sety.

dikce

obrovský rozdíl, který si všimnete mezi klasickým a současným, je použití dikce každé entity. V současné hudbě, jazyk je více často konverzační, na rozdíl od klasické, která často zaměstnává dlouho, legato úseky slova běží do další, oddělené někdy tvrdé souhlásky. Moderní zpěváka samohlásky jsou také někdy upraven tak, aby vytvořit nějaký nepředvídatelný účinek nebo idiom, který se používá líčit nějaké emoce( tj, slovo “vlasy”, vyslovuje se “hayyyer”), také pohybující se na druhý zvuk dipthong (dvě samohlásky, které se vyskytují v jedné slabice, neoddělené od souhláska) dřív, než by být používán v běžné konverzaci (tj.; slovo “život ” vyslovovalo”lež”.)

v klasickém zpěvu, jak již bylo zmíněno, existují typicky ostré znějící souhlásky, což je způsobeno nedostatkem elektronického zesílení. Zpěvák používá souhlásky k proříznutí zvuku orchestru nebo doprovodných nástrojů, aby mohl být jazyk identifikován a srozumitelný. Klasická zpěvačka se snaží zpívat samohlásky než souhlásky, a často procrastinates phonation druhé zvuk dipthong; to je standardní, pokud není uvedeno jinak, v hudební skóre. Klasický zpěvák také čte hudbu i mezinárodní fénickou abecedu (IPA), aby zajistil správnou výslovnost různých jazyků, ve kterých mohou být povinni zpívat.

Jazyky

je nutné, aby klasické zpěvák provádět v několika jazycích s cílem poskytnout autentické, období replikace skladatele je originální design. Zpěvák často absolvuje kurzy, které vysvětlují různé symboly, které se používají k vyjádření fonémů (nejmenší jednotky zvuku řeči), ke kterým jsou spojeny (tj.; klasický zpěvák bude číst v přepisu IPA, a pro ně to znamená vyslovit samohlásku ” e “jako v” já ” nebo možná přečtou symbol a vysloví jej “uh” jako v ” karamelu.”) Kromě správné výslovnosti musí zpěvák také zkoumat překlad slova pro slovo a poetický překlad, aby umožnil správné skloňování textu. To je pravděpodobně stejně důležité, jako je správná výslovnost, protože často publikum nebude rozumět jazyku, a proto se spoléhají na umělce vyjádřit emotivní díla prostřednictvím výrazu obličeje a tělesných gest.

V současné tradice, písně, obvykle zpívané v mateřštině, pokud píseň je určen pro multi-kulturní publikum, v tomto případě, někteří zpěváci vystoupí část koncertu, album, atd. v určitém jazyce, pak přesunout do jiného jazyka pro jinou část sady. Zpěv v lidovém jazyce umožňuje umělci soustředit se více na skloňování a méně na jazyk. V obou stylech je běžné, že hudba a slova by se měla zapamatovat před sledováním veřejného vystoupení.

Vibrato

Vibrato je oscilace nebo vibrace překrývající se s trvalým roztečí. Často se popisuje jako lesknoucí se, chvějící se nebo vlající kvalita konkrétního hlasu a přirozeně se vyskytuje do určité míry v jakémkoli zdravém hlasu. V klasickém zpěvu, vibrato je nástup bezprostředně po souhlásky, a zůstává konzistentní po celou dobu. Výjimkou je, pokud zpěvák provádí renesanční nebo barokní dobové Dílo, v takovém případě může být čistý tón stylisticky správnější. Vibrato je pro klasického zpěváka klíčovou složkou intonace a celkového výkonu.

moderní zpěvák také využívá použití vibrato, i když, protože hudba je více konverzační, vibrato je obvykle vyhrazena pro si konec trvalé poznámky. Nicméně, tam jsou případy, že současný zpěvák používá vibrato více často, to je obvykle velmi jemné a mohou být použity dramaticky během měkčí části skladby k zajištění základní zvuk, spíše než vzdušný zvuk, při zachování požadované dynamické.

v tomto videu instruktor Kerri Ho popisuje techniky, které se často používají k vývoji konzistentního vibrato.

Registry

v klasickém zpěvu musí hlas znít jako singulární entita s plynulými přechody mezi registry. S bezpočet hodin praxe a metodika popichování nás, tahání nás to, tlačí nás, Julia childová-ing nás prostřednictvím passagio (bod přechodu mezi rejstříky) vytvořit plynulý přechod, klasického zpěváka usiluje o jedinečnost zvuk, který přichází, když se rezonanční prostory jsou vyvážené a tam je přístup k oběma horní a dolní registrů. V podstatě to znamená, že se snaží udržet hlas znějící, jako by patřil stejné osobě v jakémkoli registru, který zpívá (tj.; neznělo to jako Idina Minzel, zatímco v hrudním hlasu, pak zněl jako Paris Hilton v hlase hlavy.)

V moderní, tam je mnohem menší důraz na bezproblémové passagio, často hrudi hlas se nesl do extrému vytváří zvuk odkazoval se na jako “řemeny.”Není neobvyklé, že zpěvák má silný hlas na hrudi, ale pak udělá znatelný skok až k lehkému, méně soustředěnému zvuku hlasu hlavy. Když však současný zpěvák čistě prochází passagiem, lidé si všimnou, jak talentovaní tito jedinci mají tak “silný a široký” rozsah. “Přestávka” (nesnáším tento termín, protože nic ve vašem hlase není ve skutečnosti rozbité, ale spíše odkazuje na konec určitého registru) v registrech je někdy používán současnými umělci k vytvoření dramatického efektu.

Rezonanční Prostory

lidské tělo obsahuje vlastní rezonanční prostory, které umožňují vibrace z hlasivek se projeví, a zesílit zvuk produkoval. Tělo obsahuje čtyři hlavní rezonanční komory, o kterých by měl každý zpěvák vědět: hlava, ústa, nosní a hrudník. Ty by neměly být zaměňovány s registry. Jedná se o prostory, které pomáhají vytvářet určitou hlasitost bez namáhání hlasu.

v klasické hudbě je cílem vytvořit co nejvíce prostoru ve všech dostupných rezonančních prostorech. Jediným prostorem, který se v klasickém zpěvu nepoužívá, je rezonance úst, především díky měkké tkáni (čelisti a jazyk), která působí jako zvukově absorbující entita. Akt vytváření prostoru je dosažen snížením hrtanu a zvýšením měkkého patra, aby měl plný přístup k dalším třem rezonátorům. Správné použití těchto rezonančních prostorů vede k nezávislosti klasického zpěváka na zesilovacích zařízeních.

současné žánry používají rezonanční prostory odlišně. V populární hudbě, umělec často zpívá s rezonancí úst, nebo mluvící rezonance, protože hudba má tendenci být konverzační. V Hudebním divadle má umístění tendenci ležet v rezonanci nosu/masky a má velmi dopředu zvuk. Rock, alternativní, rhythm and blues, a jazz všichni spoléhají na mikrofon, stejně jako populární hudba a podobně, rezonance není tak zdůrazněna, i když je žádoucí dobrá rovnováha.

Hudba Čtení

Hudba čtení je nutné klasického zpěváka, nejen hudba, čtení (s vědomím, že druhé místo z výšek, nebo G personál je), ale očekává se, že klasický zpěvák být schopen se pohled číst noty (zpívat to, co strana, řídí bez propustnou sluchu). Důvod, proč jsem najít hudbu, čtení tak důležitou součástí každého hudebníka je trénink, je proto, že jste umělec, spoléhat na sebe, vytvářet a interpretovat hudbu, a nemusíte se spoléhat na někoho jiného výkladu.

někteří současní zpěváci čtou hudbu, což je obvykle výsledek hudebního programu veřejné školy nebo hudebního studia, které tlačí čtení hudby jako součást svého učebního plánu. Současní zpěváci obvykle chápou základní prvky čtení hudby, nicméně, pokud neskládají vlastní hudbu, není zdůrazněna a zřídka je oceněna. Přestože je čtení hudby zásadní, musí se také naučit vývoj a praxe audiace (nebo vnitřního sluchu), jinak by čtení hudby zpěvákovi neprospělo. Někdy, s cílem kompenzovat nedostatek dovedností ve čtení hudby, současní zpěváci se mohou při učení hudby více spoléhat na sluch, ale obecně mohou často snadno improvizovat a ad lib.

přenos techniky

může být překvapením, že jsem často povinen zpívat soudobou hudbu. Musím také přiznat, že před kolegiálním zpěvem jsem neměl žádné klasické vzdělání, takže Hudební škola byla o tolik náročnější. Před moje vysokoškolská zkušenost, měl jsem často vedl bohoslužby pro svou církev a udělat pár koncertů s přáteli zpívat některé alternativní/rocková hudba, a ano, udělal jsem VŠECHNO ŠPATNĚ: ani jsem nevěděl, měl jsem horní registrovat – to bylo vše, hrudní hlas. Netřeba říkat, můj první semestr soukromého hlasu byl docela boj. Nicméně poté, co byla moje technika solidní, jsem byl schopen přenést koncepty klasického vokálního zpěvu do mého současného stylu hudby, a k mému překvapení, zněl jsem mnohem lépe. Pro mě se výhody klasického tréninku projevily kromě klasického repertoáru i v jiných žánrech. Moderní zpěv výhody balení: rozšířila rozsah, což znamenalo, že jsem mohl zpívat širší škálu hudby, jaká zpívat po různých registrů na delší dobu bez únavy nebo napětí v krku v důsledku vadné techniku.

taky jsem myslel, že bude zahrnovat několik pravd, že každý zpěvák, klasické nebo moderní, se musí smířit s, pokud jsou, aby se stal úspěšný, nezávislý hudebník.

• nebudete (a neměli byste) znít jako umělec, který proslavil váš repertoár. Musíte být dostatečně pohodlné s vlastním jedinečným zvukem, a je třeba, aby se tento zvuk stalo podle svých nejlepších schopností pokaždé, když zpíváte. Vždy je dobré zaznamenat své lekce a porovnat se se sebou v dřívější fázi a posoudit svůj výkon na základě vlastního zlepšení.
• čtení noty je důležité. To je neocenitelná dovednost, protože z vás dělá nezávislého hudebníka. Už jste někdy viděli kus papíru, který byl zkopírován a znovu zkopírován? To dostane více a více rozmazaný, s každou kopii – v tom smyslu, že je to, co se stane, hudby, když nebudeme získat hudební data pro sebe – jsme poslouchat výklad někoho jiného – nebo kopie, a proto vše, co můžeme doufat, že dosáhnout tím, že to je poněkud zkreslený obraz koncept byl skladatel původně snaží zprostředkovat. V současné hudbě lib. je přijatelné, ale před vytvořením variace musíte znát téma a tyto znalosti se získají na stránce.
• musíte znát stylistické rysy žánru, který zpíváte. Vím, že se to může zdát jako nasnadě, ale poslouchejte špičkové umělce žánru a sledujte stylové rysy, které zobrazují. V jakém časovém období to bylo napsáno? Dělají časté “běhy” nebo nepsané ornamenty? Dělají lib., pokud ano, kdy je to stylisticky vhodné? Mění svou dikci? Používají slabiky bez slov? Zpívají, nebo mluví rytmicky na hřišti? Je důležité kriticky poslouchat hudbu, abyste zjistili, co odlišuje žánr od jiného.

Přechod z non-klasické pozadí do klasického tréninku, jsem zjistil, že to je nejvíce prospěšné se naučit klasickou metodou. Pokud se rozhodnete, že hudba je vaše požadované povolání, nejčastější hudební program, na které narazíte na vysokoškolské úrovni vyžaduje určitý stupeň klasický trénink, většina z vašich spolužáků bude mít tento zážitek do jisté míry a to buď prostřednictvím UIL, all-state solo soutěžích, a některé mohou dokonce soutěžit na Národní Sdružení Učitelů Pěvců (NAT) soutěží. Doporučuji klasický trénink, protože to vybaví zpěvačka s essentials být úspěšný na jejich hudební cestu tím, že poskytuje: hudba, čtení dovednosti, ucho školení, univerzální technika, a co je nejdůležitější, nezávislost zpívat cokoli, aby byly šťastné.