12 Great Coming-of-Age Movie final-Scene Songs

et af de skriveprojekter, jeg har arbejdet på denne vinter, er Last Nine, et coming-of-age manuskript, jeg har skåret væk i mere end et årti nu. Bygget op omkring en enkelt hændelse, Jeg husker fra min gymnasium spansk klasse, da jeg var 17 år gammel, sidste ni fortæller historien om en teenager, hvis verden begynder at skifte, når han opretter en ny gruppe venner i ugerne lige før han dimitterer fra gymnasiet.

selvom jeg ved, at manuskriptforfattere har ringe kontrol over lydsporet, når filmen er produceret, har jeg skrevet de sidste ni med den forstand, at Carter-familiens cover “vil du savne mig, når jeg er væk”, vil spille som tegnene samles for sidste gang i den sidste scene. Denne dystre, sentimentale folkesang vil sætte den rigtige tone — eller mere præcist den rigtige følelse af ironisk sammenstilling-som tegnene forlader hjemmet (på deres egen måde med lav indsats) for første gang.

musik spiller en vigtig rolle i alle film, men individuelle sange har altid haft en spids tilstedeværelse — og psykisk resonans — i coming-of-age-film. Nogle af mine stærkeste minder som filmgæster er kommet i de ineffektive øjeblikke, hvor en strategisk valgt sang intensiverer den følelsesmæssige virkning af en hel film.

jeg har listet mine 12 foretrukne end-of-movie sang øjeblikke her, sammen med mine tanker om, hvorfor disse musikvalg var så effektive. Jeg har fokuseret på stand-alone sange snarere end film-score musik, som efterlader en håndfuld resonant coming-of-age film, der slutter med variationer på historiens temamusik (som Maurice Jarre ‘ s omrøring tema til Dead Poets Society og Nicholas Britells hjerteskærende leitmotiv fra Moonlight). Jeg har specificeret dem her mindre ved” rang ” end ved, hvordan jeg er kommet til at huske dem.

Simple Minds’ “don’ t You (Forget About Me),” fra The Breakfast Club

dette er en indbegrebet end-of-movie sang, fra en indbegrebet teen-film slutter-scene, skrevet og instrueret af indbegrebet teen-movie auteur John Hughes. Jeg kan huske, at jeg så The Breakfast Club på VHS i en alder af 15, i 1986, og tænkte, at Hughes havde opnået noget enestående og sandt for teenagelivet.

år senere føles det som de konfessionelle monologer (og pludselig romantisk parring) blandt de forskellige karakterer i Morgenmadsklubben var mere idealiserede end realistiske. Alligevel er der ingen tvivl om, at det var en banebrydende film med hensyn til, hvordan amerikanske teenagere — og deres frygt, håb og bekymringer — blev portrætteret på skærmen. “Gør du ikke (Glem Mig)” understreger indsatsen (hvem er disse børn, og hvad vil de betyde for hinanden efter i dag?) under filmens klimaks øjeblik af symbolsk oprør: Brian læser sit” du ser os som du vil se os ” essay i en voice-over, da Bender pumper sin knytnæve i luften og kreditterne ruller.

interessant nok var det skotske rockband Simple Minds oprindeligt modstandsdygtigt over for at optage sangen, som blev komponeret af producenten Keith Forsey og guitaristen Steve Schiff (Bryan Ferry og Billy Idol havde allerede afvist muligheden). De gav til sidst op under pres fra deres pladeselskab, og bandet huskes nu for denne sang — og den måde, det fremkalder det triumferende endelige billede af The Breakfast Club.

Ben E. Kings ” Stand By Me “fra Stand By Me

mens” don ‘t You (Forget About Me)” spillede både i begyndelsen og slutningen af The Breakfast Club, forskellige variationer af Ben E. Kings eponymous soul tune spiller i hele Stand By Me. Jeg var 15 på 16, da jeg først så denne film, og på en eller anden måde fandt jeg disse fire tegn (som var 12 på 13) at være dybt, bevægeligt relatable.

Essayist Louis Menand har skrevet (i sammenhæng med Salingers Catcher in the Rye), at nostalgi er på sit højeste, når vi stadig er unge, og stå ved mig forlod den 15-årige mig længsel efter den person, jeg var i en alder af 12. Dette er ikke en særlig glad film — det handler trods alt om en gruppe drenge, der tager af sted for at finde en død krop — men noget ved den måde, karaktererne konfronterer deres egen præpubescente ungdoms bortgang, fik mig til at savne min egen.

jeg anede ikke, at Stand By Me var baseret på en Stephen King — novelle, da jeg første gang så den, men set i bakspejlet føles dens kerneplot — unge figurer, der begiver sig ud på egen hånd uden voksne for at komme i eventyr og kæmpe mod deres dæmoner-meget tro mod hans større krop af arbejde. En slags nostalgi gennemsyrer filmens fortælling, ikke kun i det faktum, at dens seværdigheder og sange fremkalder Amerika i den lille by i slutningen af 1950 ‘ erne-men også i det faktum, at historien fortælles af den voksne Gordie (Richard Dreyfuss), der ser tilbage på sin ungdom efter at have læst om hans barndomsvennes død.

ligesom ” Don ‘t You (Forget About Me)” understreger hårdnakket venskab i Morgenmadsklubben, tjener sangen “Stand By Me” i sidste ende til at sørge over evanescensen af båndet mellem de fire drenge i filmen og hjælpe med at formulere følelsen af tab, som King forsøger at beskrive i åbningslinjerne i sin novelle:

“de vigtigste ting er de sværeste at sige. De er de ting, du skammer dig over, fordi ord mindsker dem… de vigtigste ting ligger for tæt på, hvor dit hemmelige hjerte er begravet, som vartegn til en skat, som dine fjender ville elske at stjæle væk. Og du kan komme med afsløringer, der koster dig dyrt kun for at få folk til at se på dig på en sjov måde, ikke forstå, hvad du overhovedet har sagt, eller hvorfor du troede, det var så vigtigt, at du næsten græd, mens du sagde det. Det er det værste, tror jeg. Når hemmeligheden forbliver låst inde ikke for mangel på en teller, men for mangel på et forståelsesør.”

Foghats “langsomme tur”, fra fortumlet og forvirret

tidens gang har altid været en tematisk besættelse for instruktør Richard Linklater, fra hans breakout-film Slacker (se nedenfor), til hans før solopgang/solnedgang/midnat trilogi, til hans innovative flerårige kommende aldersprojekt Boyhood. Den stort set plotfri blændede og forvirrede finder sted i løbet af en enkelt 24-timers periode, da den følger flere indbyrdes forbundne grupper af teenagere på den sidste dag i skoleåret 1976. Musikken her er periodespecifik og pitch-perfekt, fra Aerosmiths “søde følelser” i åbningsscenen, lige op gennem den berusende Foghat-hymne, der sprænger i Mitchs hovedtelefoner, som vi ser Skovmænd, lyserød, Slater, og Simone cruise på en åben motorvej, før kreditterne ruller.

jeg så fortumlet og forvirret den uge, det kom ud, i efteråret 1993, da jeg boede i Seattle — og jeg gik ud af teatret i en tåge, som om jeg var blevet transporteret tilbage til min ungdom i Kansas fem år tidligere. På en eller anden måde fremkaldte Linklater ‘ s fiktive 1976 perfekt, hvad 1988 følte mig, da jeg var i 1993. Nu — 25 år senere-fortumlet og forvirret fremkalder 1993 for mig så meget som noget, selvom det fortsætter med at fremkalde minder fra 1988 (og 1976). Mærkeligt nok var 1993 et utroligt karakteristisk år for mig — jeg var 22, Jeg var lige uddannet college, og jeg arbejdede som landscaper i Seattle på toppen af grunge-men en del af den måde, jeg oplevede det på, var ved at længes efter en anden, mere provinsiel (og mange måder mindre interessant) tid i mit eget liv.

den mest ikoniske linje i fortumlet og forvirret kommer fra den længe siden graduerede bøjle (spillet af en daværende ukendt Matthæus McConaughey), der siger: “Det er det, jeg elsker ved disse gymnasiepiger, mand. Jeg bliver ældre, de forbliver i samme alder.”Et kvart århundrede senere kunne det samme siges om filmens figurer, inkluderet: de børn, jeg ser på skærmen, ældes ikke, hvilket kun understreger den måde, hvorpå den fortumlede måde fortsætter med at minde mig om flere gange i mit eget liv — flere, vidtstrakte øjeblikke af at være i LIVE-når jeg bliver ældre.

som en fodnote her var Foghats “langsom tur” ikke beregnet til at være det afsluttende spor for fortumlet og forvirret, men Linklater kunne ikke sikre rettighederne til at lede Seppelin ‘ s “Rock and Roll” (som historien går, guitarist Jimmy Page var fint med det, men sanger Robert Plant ville ikke underskrive). Man kan forstå, hvorfor Linklater vil have denne sang til filmen (som i sig selv blev opkaldt efter en Led-sang), men i eftertid er “langsom tur” en ret perfekt måde at afslutte filmen på.

Eddie Vedder ‘ s “Hard Sun” fra ud i naturen

jeg kom sent til Sean Penns filmtilpasning af i naturen — i vid udstrækning fordi jeg ikke troede, det ville have meget nyt at tilbyde, efter at jeg allerede havde læst og nydt Jon Krakauer ‘ s bog. Da jeg endelig så det, påvirkede filmens skildring af Aleksandr Supertramps dødsdømte amerikanske pilgrimsrejse mig på en måde, der var langt mere intuitiv og personlig end bogen. Det er kraften i film, tror jeg, i det mindste når de fungerer godt: de fanger følelsen på en måde, der går ud over faktuelt eller intellektuelt indhold.

hvilket vil sige, at mens Krakauers bog var spændende, var filmversionen af i naturen relatabel på en måde, jeg ikke havde forventet, at den skulle være. På den skrevne side kunne jeg se, hvordan Christopher MacCandless liv kunne ligne mit eget (jeg var 21 Den måned, han døde, og var gået på solo-vandreture i den olympiske halvø samme sommer), men på skærmen føltes det som om hans livsrejse var uadskillelig fra de samme berusende idealer, der sendte mig ud på min egen vagabonding sti på omkring samme tid i livet. Ligesom Chris, Jeg sprang tog og vandrede det amerikanske vest, da jeg var i mine tidlige tyverne, henter min inspiration fra Hundørede mængder af Thoreau og Hvidmand og Edvard Abbey. Ligesom Chris, Jeg var afhængig af nyhed og mulighed; jeg satte mig igennem utallige små selvinitiativer i ørkenen, og jeg fandt noget helligt i min gradvise ophobning af eventyr.

jeg har ofte sagt, at Vagabonding, den bog, der var resultatet af mine ungdommelige vandringer, var ment som et slags brev til mit 17-årige selv-og efter at have set ud i naturen blev jeg mindet om, hvordan, når du er ung, der er to iboende farer for den ungdommelige trang til frihed og renhed. Den ene er, at du vil være for sky til faktisk at bryde fri og vandre — men den anden er, at du vil over-romantisere rejsen, når den er i gang, hvilket kan være mindre end ideelt for både dig selv og de mennesker, du efterlader. Ud i naturen, både bogen og filmen, tjener som en slags advarselshistorie mod denne impetuøse, cocksure, selvmytologiserende romantik-selvom Chris historie fortsætter med at inspirere en række pilgrimme og efterlignere.

i betragtning af hvad der skete med MacCandless/Supertramp, ind i naturen er en bestemt mørk coming-of-age fortælling, men på en eller anden måde Eddie Vedders folky score — og især hans sjælfulde dækning af Gordon Petersons “Hard Sun” i den sidste scene — understøtter historien med en håbefuld følelse af eksistentiel længsel.

Freedy Johnstons “dårlige omdømme” fra Kicking and Screaming

omkring begyndelsen af midten af 1990 ‘ erne blev der lavet en række selvbevidste hip-film med ungdomsmarkedet i tankerne-tænk Reality Bites, singler, Empire Records osv. – men få var ret så sjove og gripende som Kicking and Screaming, indie auteur Noah Baumbachs debut i 1995. Plotmæssigt udgør filmen ikke meget-det handler om en gruppe på fire venner, der ikke helt kan forlade college efter at have eksamen — men det er lokkende deprimerede (og affably clueless) tegn indbegrebet af den eksistentielle stasis, der kan gribe unge mænd i det øjeblik, de skal gøre noget af sig selv i livet.

en sentimental del af mig er overbevist om, at jeg så denne meget relatable film på nøjagtig samme fase af livet som Grover, maks, Otis og Skippy, dens kvartet af nyligt graduerede tegn. I sandhed så jeg det næsten tre år efter college eksamen, mens jeg sad fast i et personligt/professionelt dødpunkt mellem den vellykkede afslutning af min første vagabonding rejse og min eventuelle flytning til Korea for at undervise i engelsk (og forlænge mine vagabonding eventyr).

Kicking and Screaming handler delvis om det pludselige tab i social status, der følger med eksamen, når man kastes ud af den lille dam på college og ind i livets bølgende hav — og på en eller anden måde fik karakterernes selvpålagte lammelse og lidelse i lyset af resten af deres liv min egen situation til at føle sig lidt mere tolerabel. De fire hovedpersoner bærer alle sportsjakker — som om Baumbach har bemærket, at de er børn, der leger ved at være voksne — og jeg blev så taget af denne påvirkning, at jeg købte en sportsjakke til at bære på arbejde, da jeg slog af for Korea i slutningen af 1996.

langt de mest modne figurer i Spark og skrig er hovedpersonernes langmodige veninder, og filmens klimaks øjeblik kommer, når Grover (spillet af Josh Hamilton) endelig træffer beslutningen om at gå og slutte sig til sin tidligere paramour Jane (Olivia D’ Abo) i Prag. “Det vil gøre en god historie om mit unge voksne liv,” siger Grover, da han psyches sig op ved flyselskabets tæller. “Du ved, den tid, jeg valgte at tage til Prag.”

denne næstsidste (og i sidste ende for Grover, ikke helt aktualiseret) lufthavnsafgangsscene efterfølges af en af mine all-time favoritfilmslutninger-en diskret flashback, der beskriver øjeblikke før Grover og Janes første kys mange måneder tidligere. Det lyder corny selv bare at skrive det her, men på en eller anden måde — i øjeblikket lige før Johnstons “dårlige omdømme” sparker ind — Grovers ensomhed til Jane om at ønske, at de var et gammelt par (efterfulgt af Janes selvbevidsthed om, hvorvidt hun skal tage sin holder ud) rammer den ideelle tone af romantisk akavet.

Led ‘ s “Tangerine” fra Næsten berømt

Cameron Krages stort set autografiske fortælling om at rejse Amerika via rock-n-roll tour-bus som en 15-årig Rolling Stone journalist er ikke så direkte relatabel som de andre coming-of-age film jeg har nævnt, men det er lige så sjovt. Mange af filmens bedste øjeblikke hænger sammen med musik – måske ingen helt så ekstatisk som når hele rollebesætningen skriger sammen til Elton Johns “Tiny Dancer” efter et band fallout (og reunion) i Topeka — og førte Seppelin ‘ s “Tangerine” giver en dejlig coda til øjeblikket vil Miller (Patrick Fugit) og Russell Hammond (Billy Crudup) endelig — efter så mange miles på vejen sammen — sætte sig ned hos Vil ‘ S hjem for at diskutere musik på en åbenhjertig måde.

ansigterne’ “Ooh La La” fra Rushmore

der er blevet sagt meget om instruktør vi Andersons visuelle stil, men hans musikalske valg er lige så særprægede — og i Rushmore, Andersons ikoniske sophomore-indsats fra 1998, er filmens soundtrack lige så meget af en karakter som Jason Schvartsmans overpræsterende Teenager maks Fischer eller Bill Murrays middelaldrende mogul Herman Blume. Vores introduktion til maks overdrevne somme ambitioner ville ikke være den samme uden årbog montage sat til Creation “s” Making Time”, og maks-versus-Herman hævn sekvens opnår sin bitre kulmination til melodien af hvem er ” en Hurtig en, mens han er væk.”Rushmores sidste scene finder sin fuldendte tone takket være ansigternes bittersøde 1973-melodi “Ooh La La.”

magnetfelterne'” tristeste historie nogensinde fortalt ” fra myten om den amerikanske Sleepover

David Robert Mitchells breakout-film var en uhyggelig 2014 teen — køn horror film kaldet Det følger-men hans filmdebut kom tre år tidligere med udgivelsen af myten om den amerikanske Sleepover, som blev skudt i Michigan på et shoestring budget og aldrig gik ind i bred teatralsk udgivelse. Jeg så det ved en dum chance på Angelika Film Center, mens jeg besøgte Ny York i sommeren 2011, og jeg var forelsket i den måde, denne undervurderede film (fuld af ukendte skuespillere) fangede noget håndgribeligt og resonant om teenagelivet.

ironien her er, at der er en bevidst vaghed til myten om den amerikanske Sleepover, da det ikke synes at finde sted i en bestemt tidsperiode. Det føles noget moderne, for eksempel, men ingen af tegnene bruger mobiltelefoner eller internettet — og sensommeren “sleepovers” underforstået af titlen føles malerisk og anakronistisk, selvom de oplevelser, karaktererne har der, føles følelsesmæssigt specifikke og relevante. Sleepover har ikke en epiphanic slutning som The Breakfast Club (eller en ebullient en som forvirret og forvirret), men magnetfelterne “tristeste historie nogensinde fortalt” kombineret med Balthrop, Alabama’ s “Love To Love You”, slår den rigtige følelsesmæssige note til denne overraskende påvirkende film, når kreditterne ruller. (Begge sange findes også i filmens trailer.)

Horst vende og hans orkesters “Skokiaan” fra Slacker

Richard Linklater ‘ s anden funktion kvalificerer næppe som en coming-of-age film, da Slackers kamera sjældent dvæler på en karakter meget længe, og ingen af dem ser ud til at transformere på nogen mærkbar måde. Alligevel er der noget glædeligt og energigivende om filmens endelige sekvens, når en gruppe ungdommelige figurer filmer sig selv kørsel (og derefter klatring) til toppen af Mount Bonnell nær Austin. “Skokiaan” er en popmelodi fra 1947 af musiker August Musarurva, og den mest berømte gengivelse er sandsynligvis Louis Armstrongs version fra 1954 — men den tyske bandleder Horst vendes peppy 1958-omslag rammer en dejlig retro tone til de sidste rammer af Slacker.

i DVD — kommentarsporet til filmen siger Linklater, at denne sidste sekvens-som synes at varsle den måde, unge mennesker i smartphone — alderen hyper-dokumenterer deres eget liv-blev inspireret af en Bill Daniel kortfilm. Linklater havde håbet at cap filmen med Peggy Lee ‘s 1969 gengivelse af Leiber og Stoller’ s ” er det alt, hvad der er?”men måtte nøjes med” Skokiaan “og Butthole Surfer ‘s” Strangers Die Everyday”, da han ikke kunne sikre rettighederne til Lee-sangen. Til mit Øre, de uhyggelige stammer af “Strangers Die Everyday” giver en bedre følelsesmæssig tekstur, når Slacker-kreditterne ruller, siden “er det alt, hvad der er?”føler en smule på næsen for en sådan finurlig film.

Third Eye Blind ‘ s “Semi-Charmed Life”, fra American Pie

selvom Paul og Chris ‘s teenage-komedie American Pie kom ud i 1999, føles det meget som en film fra 1980’ erne — og det var sandsynligvis sidste gang jeg så en teen-film med en svagt teenaged sensibilitet. Den sandeste hyldest til det amerikanske teenageliv, der kom ud i 1999, var ikke en film — det var TV-serien Freaks and Geeks (som efter min mening var den sandeste fremkaldelse på skærmen af mellemamerikansk ungdomsår nogensinde lavet). Men mens de komiske hyperboler af American Pie ikke ringer helt så sandt som Freaks og nørder, det var en dejligt underholdende coming-of-age-by-trying-to-lose-your-virginity film.

jeg havde backpacket rundt i Asien og Østeuropa i det meste af 1999, og mens jeg sandsynligvis var lidt for gammel, sætter jeg pris på lydsporet, de sange, der findes i filmens sidste scene — Third Eye blinds “Semi-Charmed Life” og Bare Nøgne Damer “en uge” — tag mig tilbage til det år, jeg tilbragte at vandre øst (ligesom andre one-hit vidundere fra omkring samme tid, som Fatboy Slim’ s “The Rockafeller Skank,” Blink-182 ‘s “alle de små ting” Smash Mouth’ S “gå på solen,” og Verve ‘ s “bitter sød symfoni.”

Yello ‘s” Oh Yeah ” fra Ferris Buellers fridag

jeg elskede positivt Ferris Buellers fridag, da den kom ud i 1986, og det er stadig en af mine yndlings teenagefilm. Folk har, i eftertid, nedværdiget Ferris Bueller-karakteren som lidt af en privilegeret snot — men det var klart for mig selv som teenager, at Ferris Buellers fridag var mindre en realistisk kommentar til teenagelivet end en lunefuld fantasifilm, der satte sig for at have det så sjovt som muligt med sin forudsætning.

desuden er det let i eftertid at glemme, hvor enestående en karakter Ferris var: på et tidspunkt, hvor teenagefilm i generationer havde karakteriseret hovedpersoner med hensyn til klikdrevne stereotyper, var Ferris unik for sig selv-en smart, finurlig, hyper — artikuleret (og ikke nødvendigvis atletisk eller hyper-maskulin) ven-til-alle, der gik gennem verden på den uigenkaldelige styrke af sin egen karisma. “Oh Yeah”, Yello ‘ s enestående underlige instrumentale spor, satte den perfekte ende af filmtekstur, da kreditterne rullede og rektor Rooney fik sin comeuppance (og Ferris selv skød os ud af teatret).

“helte” fra fordelene ved at være en Vægblomst

af grunde, som jeg ikke fuldt ud kan forklare, opdagede jeg og læste (og elskede) Stephen Chbosky ‘ s 1999 ya-market roman fordelene ved at være en Vægblomst, da jeg var i slutningen af trediverne. På et logisk niveau giver historien ikke helt mening — hovedpersonen er en freshman misfit, der problemfrit falder ind med en flok hip seniorer (og på en eller anden måde har overmenneskelig fysisk styrke). Endnu, underligt, på et følelsesmæssigt niveau er historien spot-on i sin fremkaldelse af teenagers længsler, især som udtrykt gennem sange som The Smiths “” i søvn.”

filmversionen af Murblomst, som blev instrueret af Chbosky selv, fungerede ikke helt for mig — selvom den sidste scene (når Charlie løber gennem Pittsburghs Fort Pitt Tunnel bag på en pickup og erklærer i voice-over, at “vi er uendelige”) giver en god afslutning. I bogen finder denne scene sted for at flyve Macs “jordskred”; i filmen byttes sangen ud med David Bugies” helte ” — og det er et valg, der rammer den perfekte tone, når filmen skærer til kreditter.