betydningen af klassisk træning i en moderne verden

af Kristen Stevens

når folk tænker på en klassisk uddannet sanger, kan nogle få stereotyper komme til at tænke på: måske en skør, firkantet musiker med et ego på størrelse med tekst? Som musikpædagog, der har gennemgået klassisk træning gennem college-programmet, studerede forskellige stilarter og genrer samt har udført de fleste af dem; Jeg er overbevist om, at en klassisk teknik er vejen til succes i enhver genre. Ligesom den klassisk uddannede danser kan overføre deres kontrol over kroppen til at bevæge sig på den måde, der kræves i moderne dans, finder vi, at det er den moderne danser, der ikke kan spænde på et par pointe-sko og udføre de bevægelser, der kræves af en ballerina. Ligesom den klassiske danser har den klassiske sanger evnen til at overføre deres vokalteknik til den genre eller stil, der anmodes om. Den klassiske sangerinde Kathleen Battle synger værket Summertime af gershvin.

min erfaring er forankret i både moderne og klassisk tradition. Når jeg bliver bedt om at optræde til forskellige begivenheder, skal min stemme være formbar nok til at synge med korrekt stilistisk bøjning og ægte lyd, al den musik, der anmodes om af mig; Jeg kan gøre dette med lethed på grund af min klassiske træning. Desværre er det sjældent, at den moderne sanger overfører deres teknik, så den passer til den klassiske stil, og nogle gange er deres teknik så begrænset, at den endda kan begrænse dem til en enestående musikstil. Selv de mest talentfulde moderne kunstnere kæmper for at opretholde stilistisk korrekthed, når de forsøger at synge i den klassiske stil.

øret kan let skelne mellem, at der er store forskelle mellem genrerne, men de fleste mennesker, der ikke er formelt uddannet i musik, har svært ved at sætte ord på de forskelle, som øret identificerer. Nedenfor vil vi prøve nogle af de forskellige forskelle og også gå ind i en lille smule af, hvorfor tingene gøres som de er.

elektronisk forstærkning og forbedring

en af de mest bemærkelsesværdige forskelle mellem den klassiske sanger og den moderne sanger er brugen af elektronisk udstyr til at forstærke og forbedre lyden af stemmen. Den klassiske sanger bruger sjældent en mikrofon eller andre elektroniske forstærkere på grund af den træning, placering og teknik, som de forbinder sig med. Det meste af tiden, hvis en mikrofon/ mikrofoner ses ved en forestilling, er det normalt til optagelsesformål snarere end forstærkning. Imidlertid, på grund af den voksende størrelse af præstationssteder, det bliver langsomt mere acceptabelt at bruge mikrofonen til meget store arenaer og udendørs begivenheder. Det er også meget udfordrende for lydteknikere/ lydhold at få en god lyd til sangeren, fordi musikken, operaen eller kunstsangen ofte vil kræve ekstrem og undertiden terrasseret dynamik (hurtige skift mellem ekstremt blød og ekstremt høj lyd) det er også svært at opnå en god tone uden at sangeren lyder for brassy eller spids. Denne type stemme værdsættes typisk bedst, mens den i det mindste er 20 fødder fra sangeren.

moderne vokalister er ofte stærkt afhængige af elektronisk forstærkning. Dette skyldes primært lydens placering og intonation, også brugen af forstærkede instrumenter bidrager til behovet for balance mellem vokalister og instrumentalister. (Før jeg fremsætter følgende erklæring, skal du forstå, at jeg er klar over, at der er meget talentfulde nutidige vokalister i verden, desværre er det sjældent dem, der høres i radioen.) Samtidskunstnere bruger ofte vokalforbedring og auto-tunere til at rette deres vokale fejl, hvilket skaber studieoptagelsen, som derefter ryddes op og behandles for at skabe det produkt, du hører på radioen eller en anden bærbar musikenhed. Dette er grunden til, at folk undertiden kan blive skuffede, når de hører deres yndlingsband/ kunstnerudøver live viser eller akustiske sæt.

diktion

en enorm forskel, som du vil bemærke mellem klassisk og moderne, er hver enheds brug af diktion. I moderne musik, sproget er oftere konversation, i modsætning til klassisk, der ofte anvender lange, legato strækninger af ord, der løber ind i en anden, adskilt af undertiden hårde konsonanter. Den moderne sangers vokaler ændres også undertiden for at skabe en finurlig effekt eller formsprog, der bruges til at skildre nogle følelser( dvs. ordet “hår” udtalt “hayyyer”), også overgangen til den anden lyd af dipthong (to vokallyde, der forekommer i en enkelt stavelse, adskilt af en konsonant) hurtigere end det ville blive brugt i normal samtale (dvs.; ordet ” liv “udtalte”lieef”.)

i klassisk sang er der som nævnt typisk skarpe klingende konsonanter, dette skyldes manglen på elektronisk forstærkning. Sangeren bruger konsonanterne til at skære igennem lyden af orkesteret eller ledsagende instrumenter, for at sproget kan identificeres såvel som forstås. Den klassiske sanger stræber efter at synge på vokalen snarere end konsonanten og udsætter ofte fonationen af den anden lyd af dipthong; dette er standarden, medmindre andet er instrueret i den musikalske score. Den klassiske sanger læser også både musikken og Det Internationale Fønetiske alfabet (IPA) for at sikre korrekt udtale af de forskellige sprog, som de muligvis skal synge på.

sprog

det kræves, at den klassiske sanger optræder på flere sprog for at give autentisk, periodereplikation af komponistens originale design. Sangeren vil ofte tage kurser, der forklarer de forskellige symboler, der bruges til at udtrykke fonemerne (de mindste enheder af talelyd), som de er knyttet til (dvs.; en klassisk sanger vil læse i IPA-transkriptionen, og for dem betyder det at udtale vokalen “e” som i “mig”, eller måske vil de læse symbolet og udtale det “uh” som i “karamel.”) Ud over korrekt udtale skal sangeren også undersøge ord for ordoversættelse såvel som den poetiske oversættelse for at muliggøre korrekt bøjning af teksten. Dette er sandsynligvis lige så afgørende som den korrekte udtale, fordi publikum ofte ikke forstår sproget og derfor stoler på kunstneren til at udtrykke stykkets følelsesmæssige gennem ansigtsudtryk og kropslige bevægelser.

i den moderne tradition synges sange typisk på folkesproget, medmindre sangen er beregnet til multikulturelt publikum, i hvilket tilfælde nogle sangere udfører en del af koncerten, albummet osv. på et bestemt sprog, skift derefter mod et andet sprog for en anden del af sættet. Sang på folkesproget giver kunstneren mulighed for at fokusere mere på bøjningen og mindre på sproget. Hvad der er almindeligt i begge stilarter er, at musikken og ordene skal huskes, før offentlig optræden forfølges.

Vibrato

Vibrato er svingningen eller vibrationen overlejret på en vedvarende tonehøjde. Det beskrives ofte som den glitrende, dirrende eller flagrende kvalitet af en bestemt stemme og forekommer naturligt til en vis grad i enhver sund stemme. I klassisk sang begynder vibratoen umiddelbart efter konsonanten og forbliver konsistent hele vejen igennem. Undtagelsen er, hvis sangeren udfører et renæssance-eller Baroktidsarbejde, i hvilket tilfælde en ren tone kan være mere stilistisk korrekt. Vibrato er en nøglekomponent i intonation og samlet præstation for den klassiske sanger.

den moderne sanger anvender også brugen af vibrato, selvom fordi musikken er mere samtale, er vibrato typisk forbeholdt udsmykning af slutningen af vedvarende toner. Der er dog lejligheder, hvor den moderne sanger bruger vibrato oftere, den er normalt meget subtil og kan bruges dramatisk under de blødere dele af sangen for at sikre en kernelyd snarere end en luftig lyd, samtidig med at den ønskede dynamik opretholdes.

i denne video beskriver instruktør Kerri Ho teknikker, der ofte bruges til at udvikle konsistent vibrato.

registre

i klassisk sang skal stemmen lyde som en enestående enhed med sømløse overgange mellem registre. Med utallige timers praksis og metode, der prodding os, trækker os, skubber os, Julia Child-ing os gennem passagio (overgangspunkt mellem registre) for at skabe en problemfri overgang, stræber den klassiske sanger efter den singularitet af lyd, der kommer, når de resonante rum er afbalanceret, og der er adgang til både øvre og nedre registre. I det væsentlige betyder det, at de stræber efter at holde stemmen lydende som om den tilhører den samme person i ethvert register, som de synger (dvs.; ikke lyder som Idina Minsel mens i brystet stemme, så lyder som Paris Hilton i hovedet stemme.)

i moderne tid er der meget mindre vægt på en sømløs passagio, ofte bæres bryststemmen til det ekstreme og skaber lyden kaldet “bælte.”Det er ikke ualmindeligt, at en sanger har en stærk bryststemme, men derefter foretager et mærkbart spring op til den lette, mindre fokuserede lyd fra hovedstemmen. Men når en moderne sanger rent går gennem passagio, bemærker folk, hvor talentfulde disse personer er at have en så “stærk og bred” rækkevidde. “Pausen” (jeg hader dette udtryk, fordi intet i din stemme faktisk er brudt, men snarere henviser til slutningen af et bestemt register) i registre bruges undertiden af samtidskunstnere til at skabe dramatisk effekt.

Resonansrum

menneskekroppen indeholder sine egne resonansrum, der gør det muligt for vibrationerne fra vokalfolden at manifestere og forstærke den producerede lyd. Kroppen indeholder fire hovedresonanskamre, som enhver sanger skal vide om: hoved, mund, næse og bryst. Disse bør ikke forveksles med registre. Dette er de rum, der hjælper med at skabe en vis lydstyrke uden at anstrenge stemmen.

i klassisk musik er målet at skabe så meget plads som muligt i alt det tilgængelige resonansområde. Det eneste rum, der ikke bruges i klassisk sang, er mundresonansen, primært på grund af det bløde væv (kæber og tunge), der fungerer som en lydabsorberende enhed. Handlingen med at skabe plads opnås ved at sænke strubehovedet og hæve den bløde gane for at have fuld adgang til de andre tre resonatorer. Korrekt brug af disse resonansområder resulterer i den klassiske sangeres uafhængighed af forstærkningsenheder.

de moderne genrer bruger hver resonansområder forskelligt. I populærmusik synger kunstneren ofte med mundresonansen eller den talende resonans, fordi musikken har tendens til at være samtale. I musikteater har placeringen en tendens til at ligge i nasal/maskeresonansen og har en meget fremadrettet lyd. Rock, alternativ, rytme og blues, og alle er stærkt afhængige af mikrofonen, ligesom populær musik og tilsvarende, resonation er ikke som understreget, selvom en god balance er ønskelig.

Musiklæsning

Musiklæsning kræves af den klassiske sanger, ikke kun musiklæsning (vel vidende at diskantens andet rum eller G-personale er et A), men det forventes, at den klassiske sanger er i stand til at se læse musik (syng hvad siden instruerer uden en gennemtrængende hørelse). Grunden til, at jeg finder musiklæsning som en så vigtig del af enhver musikers træning, er fordi du, kunstneren, stoler på dig selv for at skabe og fortolke musikken og ikke behøver at stole på andres fortolkning.

nogle moderne sangere læser musik, Dette er normalt resultatet af det offentlige skolemusikprogram eller musikstudie, der skubber musiklæsning som en del af dets læseplan. Normalt forstår moderne sangere de grundlæggende elementer i musiklæsning, men medmindre de komponerer deres egen musik, er det ikke stresset og sjældent værdsættes det. Selvom musiklæsning er vigtig, skal udvikling og praksis med audiation (eller indre hørelse) også læres, ellers vil musiklæsningen ikke gavne sangeren. Nogle gange, for at kompensere for manglende dygtighed inden for musiklæsning, nutidige sangere kan stole mere på høringen for at lære musikken, men generelt kan ofte improvisere og ad lib med lethed.

teknik overførsel

det kan komme som en overraskelse, at jeg ofte er forpligtet til at synge moderne musik. Jeg må også indrømme, at før kollegial sang, jeg havde ikke haft nogen klassisk træning, gør musikskolen så meget mere udfordrende. Før min collegeoplevelse havde jeg ofte ledet tilbedelse for min kirke og lavet et par koncerter med nogle venner, der sang noget alternativ/rockmusik, og ja, jeg gjorde alt forkert: jeg vidste ikke engang, at jeg havde et øvre register – det var hele bryststemmen. Det er overflødigt at sige, mit første semester med privat stemme var ganske kampen. Men efter min teknik var solid, jeg var i stand til at overføre begreberne klassisk vokalsang til min Moderne musikstil, og meget til min overraskelse, jeg lød meget bedre. For mig manifesterede fordelene ved klassisk træning sig i andre genrer ud over det klassiske repertoire. De moderne sangfordele inkluderet: et udvidet interval, hvilket betød, at jeg kunne synge en bredere vifte af musik, korrekt sang gennem de forskellige registre i længere perioder uden træthed eller spænding i nakken som et resultat af defekt teknik.

jeg tænkte også, at jeg ville inkludere et par sandheder, som enhver sanger, klassisk eller moderne, skal komme til udtryk med, hvis de skal blive en succesrig, uafhængig musiker.

• du vil ikke (og bør ikke) lyde som den kunstner, der har gjort dit repertoire berømt. Du skal være komfortabel nok med din egen unikke lyd, og du skal få den lyd til at ske efter bedste evne hver gang du synger. Det er altid en god ide at registrere dine lektioner og sammenligne dig selv med dig selv på et tidligere tidspunkt og vurdere din præstation baseret på din egen forbedring.
• det er vigtigt at læse noder. Dette er en uvurderlig færdighed at have, fordi det gør dig til en uafhængig musiker. Har du nogensinde set et stykke papir, der er blevet kopieret og kopieret igen? Det bliver mere og mere sløret med hver kopi – på en måde, det er hvad der sker med musik, når vi ikke får de musikalske data for os selv – vi lytter til andres fortolkning – eller en kopi, derfor kan vi kun håbe at opnå ved dette er et lidt mere forvrænget billede af det koncept, komponisten oprindeligt forsøgte at formidle. I moderne musik lib. er acceptabelt, men før du laver en variation, skal du kende temaet, og den viden opnås på siden.
• du skal kende de stilistiske træk ved den genre, du synger. Jeg ved, at dette kan virke som en no-brainer, men lyt til de bedste kunstnere i genren og observer de stiltræk, de viser. I hvilken periode blev dette skrevet? Gør de hyppige “kørsler” eller uskreven ornamentik? Gør de lib., hvis ja, hvornår er det stilistisk passende at gøre det? Ændrer de deres diktion? Bruger de stavelser, der ikke er ord? Synger de eller taler de rytmisk på banen? Det er vigtigt at lytte kritisk til musikken for at bestemme, hvad der adskiller genren fra en anden.

overgang fra en ikke-klassisk baggrund til den klassiske træning har jeg fundet ud af, at det er mest fordelagtigt at lære den klassiske metode. Hvis du beslutter, at musik er dit ønskede erhverv, kræver det mest almindelige musikprogram, som du vil støde på på kollegialt niveau, en vis grad af klassisk træning, de fleste af dine klassekammerater vil have haft denne oplevelse til en vis grad enten gennem UIL, all-state solo-konkurrencer, og nogle kan endda konkurrere på National Association of Teachers of Singers (NATS) konkurrencer. Jeg anbefaler klassisk træning, fordi det udstyrer sangeren med det væsentlige for at få succes på deres musikalske rejse ved at give: musiklæsefærdigheder, øretræning, alsidig teknik, og vigtigst af alt, uafhængigheden til at synge, hvad der gør dem glade.