12 Chansons de la Scène Finale du Film de Passage à l’Âge Adulte

L’un des projets d’écriture sur lesquels je travaille cet hiver est Last Nine, un scénario de passage à l’âge adulte sur lequel je travaille depuis plus d’une décennie maintenant. Construit autour d’un seul incident dont je me souviens de ma classe d’espagnol au lycée quand j’avais 17 ans, Last Nine raconte l’histoire d’un adolescent dont le monde commence à changer lorsqu’il se fait un nouveau groupe d’amis dans les semaines qui précèdent son diplôme d’études secondaires.

Bien que je sache que les scénaristes ont peu de contrôle sur la bande originale une fois le film produit, j’ai écrit Last Nine avec le sentiment que la reprise de Woody Guthrie de The Carter Family “Will You Miss Me When I’m Gone”, jouera alors que les personnages se réunissent pour la dernière fois, dans la scène finale. Cette chanson folklorique sombre et sentimentale donnera le ton juste — ou, plus exactement, le bon sens de la juxtaposition ironique – lorsque les personnages quitteront la maison (à leur manière) pour la première fois.

La musique joue un rôle important dans tous les films, mais les chansons individuelles ont toujours eu une présence pointue — et une résonance psychique – dans les films de passage à l’âge adulte. Certains de mes souvenirs les plus forts en tant que cinéphile sont venus dans ces moments ineffables où une chanson choisie stratégiquement intensifie l’impact émotionnel d’un film entier.

J’ai énuméré mes 12 moments de chansons de fin de film préférés ici, ainsi que mes réflexions sur les raisons pour lesquelles ces choix musicaux étaient si efficaces. Je me suis concentré sur des chansons autonomes plutôt que sur la musique de film, ce qui laisse de côté une poignée de films de passage à l’âge adulte résonnants qui se terminent par des variations sur le thème musical de l’histoire (comme le thème émouvant de Maurice Jarre à Dead Poets Society, et le leitmotiv déchirant de Moonlight de Nicholas Britell). Je les ai détaillés ici moins par “rang” que par la façon dont j’en suis venu à me souvenir.

“Don’t You (Forget About Me)” de Simple Minds, du Club des petits déjeuners

Il s’agit d’une chanson de fin de film par excellence, tirée d’une scène de fin de film pour adolescents par excellence, écrite et réalisée par l’auteur de film pour adolescents par excellence John Hughes. Je me souviens avoir regardé The Breakfast Club sur VHS à l’âge de 15 ans, en 1986, et avoir pensé que Hughes avait réalisé quelque chose de singulier et de fidèle à la vie d’adolescent.

Des années plus tard, on a l’impression que les soliloques confessionnels (et les rapprochements romantiques soudains) entre les personnages disparates du Club des petits déjeuners étaient plus idéalisés que réalistes. Pourtant, il ne fait aucun doute que c’était un film révolutionnaire en termes de représentation à l’écran des adolescents américains — et de leurs peurs, espoirs et préoccupations. “Don’t You (Forget About Me)” souligne les enjeux (qui sont ces enfants, et que vont-ils signifier les uns pour les autres après aujourd’hui?) pendant le moment culminant du film de rébellion symbolique: Brian lisant son essai “you see us as you want to see us” en voix off alors que Bender lance son poing en l’air et que le générique roule.

Fait intéressant, le groupe de rock écossais Simple Minds était initialement réticent à l’enregistrement de la chanson, composée par le producteur Keith Forsey et le guitariste Steve Schiff (Bryan Ferry et Billy Idol avaient déjà refusé l’opportunité). Ils ont finalement cédé sous la pression de leur label, et le groupe est maintenant connu pour cette chanson — et la façon dont elle évoque l’image finale triomphante du Club des petits déjeuners.

Ben E. “Stand By Me” de King, de Stand By Me

Tandis que “Don’t You (Forget About Me)” a joué au début et à la fin du Breakfast Club, différentes variations de la mélodie soul éponyme de Ben E. King jouent tout au long de Stand By Me. J’avais 15 ans et 16 ans quand j’ai vu ce film pour la première fois, et d’une manière ou d’une autre, j’ai trouvé que ces quatre personnages (qui avaient 12 ans et 13 ans) étaient profondément, émouvants.

L’essayiste Louis Menand a écrit (dans le contexte de Catcher in the Rye de Salinger) que la nostalgie est à son comble quand nous sommes encore jeunes, et Stand By Me a laissé le jeune homme de 15 ans désirer la personne que j’étais à l’âge de 12 ans. Ce n’est pas un film particulièrement heureux — il s’agit, après tout, d’un groupe de garçons partant à la recherche d’un cadavre — mais quelque chose à propos de la façon dont les personnages affrontent le décès de leur propre jeunesse prépubère m’a fait manquer la mienne.

Je ne savais pas que Stand By Me était basé sur une nouvelle de Stephen King quand je l’ai vue pour la première fois, mais rétrospectivement, son intrigue principale — de jeunes personnages partant seuls, sans adultes, pour se lancer dans des aventures et combattre leurs démons — est très fidèle à son œuvre. Une sorte de nostalgie imprègne le récit du film, non seulement dans le fait que ses images et ses chansons évoquent l’Amérique des petites villes de la fin des années 1950 – mais aussi dans le fait que l’histoire est racontée par l’adulte Gordie (Richard Dreyfuss), qui revient sur sa jeunesse après avoir lu la mort de son ami d’enfance.

Tout comme “Don’t You (Forget About Me)” souligne la ténacité de l’amitié dans le Club des petits déjeuners, la chanson “Stand By Me” sert finalement à pleurer l’évanescence du lien entre les quatre garçons dans le film, aidant à articuler le sentiment de perte que King essaie de décrire dans les premières lignes de sa nouvelle:

” Les choses les plus importantes sont les plus difficiles à dire. Ce sont les choses dont vous avez honte, parce que les mots les diminuent The Les choses les plus importantes se trouvent trop près de l’endroit où votre cœur secret est enterré, comme des repères vers un trésor que vos ennemis aimeraient voler. Et vous pouvez faire des révélations qui vous coûtent cher seulement pour que les gens vous regardent d’une manière amusante, ne comprenant pas du tout ce que vous avez dit, ou pourquoi vous pensiez que c’était si important que vous avez presque pleuré pendant que vous le disiez. C’est le pire, je pense. Quand le secret reste enfermé non pas faute d’un caissier, mais faute d’une oreille compréhensive.”

Le “Slow Ride” de Foghat, de Dazed and Confused

Le passage du temps a toujours été une obsession thématique pour le réalisateur Richard Linklater, de son film en petits groupes Slacker (voir ci-dessous) à sa trilogie Before Sunrise / Sunset / Midnight, en passant par son projet innovant de passage à l’âge adulte de plusieurs années, Boyhood. L’intrigue, en grande partie sans intrigue, se déroule sur une seule période de 24 heures, car elle suit plusieurs groupes interdépendants d’adolescents texans le dernier jour de l’année scolaire 1976. La musique ici est spécifique à l’époque et parfaite, de la “Douce émotion” d’Aerosmith dans la scène d’ouverture, jusqu’à l’hymne entêtant de Foghat qui souffle dans les écouteurs de Mitch alors que nous voyons Wooderson, Pink, Slater et Simone cruise sur une autoroute ouverte avant le générique.

J’ai vu Hébété et confus la semaine où il est sorti, à l’automne 1993, alors que je vivais à Seattle — et je suis sorti du théâtre dans la brume, comme si j’avais été transporté dans ma jeunesse du Kansas cinq ans plus tôt. D’une certaine manière, la fiction 1976 de Linklater évoquait parfaitement ce que 1988 me ressemblait quand j’étais en 1993. Maintenant – 25 ans plus tard – Dazed and Confused évoque pour moi 1993 autant que tout, même si elle continue d’évoquer des souvenirs de 1988 (et 1976). Curieusement, 1993 a été une année incroyablement distinctive pour moi — j’avais 22 ans, je venais d’obtenir mon diplôme universitaire et je travaillais comme paysagiste à Seattle au sommet du grunge — mais une partie de la façon dont je l’ai vécue était en aspirant à une période différente, plus provinciale (et bien des façons moins intéressante) de ma propre vie.

La réplique la plus emblématique de Dazed and Confused vient de Wooderson (joué par un Matthew McConaughey alors inconnu), qui dit: “C’est ce que j’aime chez ces lycéennes, mec. Je vieillis, ils restent du même âge.”Un quart de siècle plus tard, on pourrait dire la même chose pour les personnages du film, Wooderson inclus: Les enfants que je vois à l’écran ne vieillissent pas, ce qui ne fait que souligner la façon dont la façon dont Dazed continue de me rappeler plusieurs fois de ma propre vie — plusieurs moments lointains d’être en vie – à mesure que je vieillis.

En note de bas de page ici, “Slow Ride” de Foghat n’était pas destiné à être la piste de clôture de Dazed and Confused, mais Linklater n’a pas pu obtenir les droits de “Rock and Roll” de Led Zeppelin (comme le raconte l’histoire, le guitariste Jimmy Page était d’accord avec ça, mais le chanteur Robert Plant n’a pas voulu signer). On peut comprendre pourquoi Linklater voudrait cette chanson pour le film (qui lui-même a été nommé pour une chanson de Led Zeppelin), bien que rétrospectivement “Slow Ride” soit un moyen assez parfait de terminer le film.

Dur Soleil d’Eddie Vedder, de Into the Wild

Je suis arrivé en retard à l’adaptation cinématographique de Into the Wild par Sean Penn — en grande partie parce que je ne pensais pas que cela aurait beaucoup de nouveauté à offrir, après avoir déjà lu et apprécié le livre de Jon Krakauer. Quand je l’ai finalement regardé, la représentation du pèlerinage américain condamné d’Alexander Supertramp dans le film m’a affecté d’une manière beaucoup plus intuitive et personnelle que le livre. C’est le pouvoir des films, je pense, du moins quand ils fonctionnent bien: ils capturent le sentiment d’une manière qui va au-delà du contenu factuel ou intellectuel.

Ce qui veut dire que, alors que le livre de Krakauer était captivant, la version cinématographique de Into the Wild était racontable d’une manière que je ne m’attendais pas à ce qu’elle soit. Sur la page écrite, je pouvais voir comment la vie de Christopher MacCandless pouvait être similaire à la mienne (j’avais 21 ans le mois de sa mort et j’avais fait des randonnées en solo dans la péninsule olympique de Washington le même été), mais à l’écran, j’avais l’impression que son parcours de vie était inséparable des mêmes idéaux capiteux qui m’ont envoyé sur mon propre chemin vagabond à peu près au même moment de la vie. Comme Chris, j’ai sauté dans les trains et erré dans l’Ouest américain au début de la vingtaine, puisant mon inspiration dans les volumes à oreilles de chien de Thoreau et Whitman et Edward Abbey. Comme Chris, j’étais accro à la nouveauté et à la possibilité; je me suis mis à travers d’innombrables petites initiatives personnelles dans le désert, et j’ai trouvé quelque chose de sacré dans mon accumulation progressive d’aventures.

J’ai souvent dit que Vagabonding, le livre issu de mes errances de jeunesse, était conçu comme une sorte de lettre à mon moi de 17 ans – et après avoir regardé Dans la nature, je me suis rappelé comment, quand on est jeune, il y a deux dangers inhérents à l’envie de liberté et de pureté de la jeunesse. L’un est que vous serez trop timide pour vous libérer et vous promener — mais l’autre est que vous romantiserez le voyage une fois qu’il sera en cours, ce qui peut être moins qu’idéal pour vous-même et les personnes que vous laissez derrière vous. Into the Wild, à la fois le livre et le film, sert de mise en garde contre ce romantisme impétueux, arrogant et auto-mythologique — alors même que l’histoire de Chris continue d’inspirer une flopée de pèlerins et d’imitateurs.

Compte tenu de ce qui est arrivé à MacCandless / Supertramp, Into the Wild est un conte de passage à l’âge adulte résolument sombre, mais la partition folk d’Eddie Vedder – et en particulier sa reprise émouvante de “Hard Sun” de Gordon Peterson dans la scène finale – sous—tend l’histoire avec un sentiment d’espoir de désir existentiel.

La “mauvaise réputation” de Freedy Johnston, de coups de pied et de cris

Vers le début et le milieu des années 1990, un certain nombre de films branchés consciemment ont été réalisés avec le marché des jeunes de la “Génération X” à l’esprit – pensez aux morsures de la réalité, aux Singles, aux Disques Empire, etc. – mais peu étaient aussi drôles et poignants que Kicking and Screaming, le premier album de l’auteur indépendant Noah Baumbach en 1995. Sur le plan de l’intrigue, le film ne représente pas grand-chose — il s’agit d’un groupe de quatre amis qui ne peuvent pas tout à fait quitter l’université après avoir obtenu leur diplôme — mais ses personnages loquaces et déprimés (et affablement désemparés) incarnent la stase existentielle qui peut agripper les jeunes hommes au moment même où ils sont censés faire quelque chose d’eux-mêmes dans la vie.

Une partie sentimentale de moi est convaincue d’avoir regardé ce film très relatable exactement à la même phase de la vie que Grover, Max, Otis et Skippy, son quatuor de personnages récemment diplômés. En vérité, je l’ai vu près de trois ans après l’obtention de mon diplôme universitaire, alors que j’étais coincé dans un point mort personnel / professionnel entre la réussite de mon premier voyage vagabondant et mon éventuel déménagement en Corée pour enseigner l’anglais (et prolonger mes aventures vagabondantes).

Kicking and Screaming est en partie à propos de la perte soudaine de statut social qui accompagne l’obtention du diplôme, lorsque l’on est jeté hors du petit étang du collège et dans l’océan bouillonnant de la vie — et d’une certaine manière, la paralysie et la souffrance auto-imposées des personnages face au reste de leur vie ont rendu ma propre situation un peu plus tolérable. Les quatre personnages principaux portent tous des vestes de sport – comme si, a noté Baumbach, ce sont des enfants qui jouent à être des adultes — et j’ai été tellement pris par cette affection que j’ai acheté une veste de sport à porter au travail lorsque je suis parti pour la Corée à la fin de 1996.

De loin, les personnages les plus matures en coups de pied et en cris sont les copines de longue date des protagonistes, et le moment culminant du film survient lorsque Grover (joué par Josh Hamilton) prend finalement la décision d’aller rejoindre son ancienne amante Jane (Olivia D’Abo) à Prague. “Cela fera une bonne histoire de ma vie de jeune adulte”, dit Grover alors qu’il se prépare au comptoir de la compagnie aérienne. “Vous savez, le moment où j’ai choisi d’aller à Prague.”

Cette avant-dernière (et finalement, pour Grover, pas tout à fait actualisée) scène de départ de l’aéroport est suivie d’une de mes fins de film préférées de tous les temps – un flashback discret qui détaille les moments précédant le premier baiser de Grover et Jane plusieurs mois plus tôt. Cela semble ringard même en le tapant ici, mais d’une manière ou d’une autre — au moment juste avant que la “mauvaise réputation” de Johnston ne se déclenche – le soliloque de Grover à Jane sur le fait de souhaiter qu’ils soient un vieux couple (suivi de la conscience de soi de Jane quant à savoir s’il faut ou non retirer sa retenue) frappe le ton idéal de la maladresse romantique.

“Tangerine” de Led Zeppelin, tiré du presque célèbre

Le récit largement autographique de Cameron Crowe sur le voyage en Amérique via un bus de tournée rock-n-roll en tant que journaliste de Rolling Stone âgé de 15 ans n’est pas aussi directement relatable que les autres films de passage à l’âge adulte que j’ai mentionnés, mais c’est tout aussi amusant. La plupart des meilleurs moments du film reposent sur la musique — peut—être pas de manière aussi extatique que lorsque l’ensemble de la distribution crie à “Tiny Dancer” d’Elton John après une chute du groupe (et des retrouvailles) à Topeka — et “Tangerine” de Led Zeppelin fournit une belle coda au moment où Will Miller (Patrick Fugit) et Russell Hammond (Billy Crudup) enfin — après tant de kilomètres sur la route ensemble – s’assoient chez Will pour discuter de musique à cœur ouvert.

“Ooh La La” de The Faces de Rushmore

On a beaucoup parlé du style visuel du réalisateur Wes Anderson, mais ses choix musicaux sont tout aussi distinctifs — et dans Rushmore, le deuxième effort emblématique d’Anderson en 1998, la bande originale du film est autant un personnage que Max Fischer, un adolescent surpuissant de Jason Schwartzman, ou Herman Blume, un magnat d’âge moyen de Bill Murray. Notre introduction aux ambitions parascolaires exagérées de Max ne serait pas la même sans le montage de l’annuaire sur le “Making Time” de la Création, et la séquence de vengeance de Max contre Herman atteint son point culminant amer sur l’air de The Who’s “Un rapide, Pendant son absence.”La scène finale de Rushmore trouve son ton consommé grâce à l’air doux-amer de 1973 des Faces “Ooh La La.”

“L’histoire la plus triste jamais racontée” de The Magnetic Fields, tirée du Mythe de la soirée pyjama américaine

Le film en petits groupes de David Robert Mitchell était un film d’horreur pour adolescents de 2014 intitulé It Follows – mais ses débuts cinématographiques ont eu lieu trois ans plus tôt, avec la sortie de The Myth of the American Sleepover, qui a été tourné dans le Michigan avec un budget serré et n’a jamais été diffusé en salles. Je l’ai vu par hasard au Angelika Film Center lors d’une visite à New York à l’été 2011, et j’ai été fasciné par la façon dont ce film discret (plein d’acteurs inconnus) a capturé quelque chose de tangible et de résonnant sur la vie des adolescents.

L’ironie ici est qu’il y a une imprécision délibérée au mythe de la soirée pyjama américaine, car elle ne semble pas avoir lieu pendant une période spécifique. Cela semble quelque peu contemporain, par exemple, mais aucun des personnages n’utilise de téléphone portable ou Internet — et les “soirées pyjama” de la fin de l’été sous-entendues par le titre sont pittoresques et anachroniques, même si les expériences vécues par les personnages sont émotionnellement spécifiques et pertinentes. La soirée pyjama n’a pas de fin épiphanique comme The Breakfast Club (ou une fin exubérante comme Hébété et Confus), mais “L’histoire la plus triste jamais racontée” de Magnetic Fields, couplée à “Love to Love You” de Balthrop, Alabama, frappe la bonne note émotionnelle à ce film étonnamment touchant une fois le générique terminé. (Les deux chansons figurent également dans la bande-annonce du film.)

” Skokiaan ” de Horst Wende et son Orchestre, tiré de Slacker

Le deuxième long métrage de Richard Linklater se qualifie à peine comme un film de passage à l’âge adulte, car la caméra de Slacker s’attarde rarement très longtemps sur un personnage, et aucun d’entre eux ne semble se transformer de manière perceptible. Pourtant, il y a quelque chose de joyeux et d’énergisant dans la séquence finale du film, lorsqu’un groupe de jeunes personnages se filment en train de conduire (puis d’escalader) au sommet du mont Bonnell près d’Austin. “Skokiaan” est un air pop de 1947 du musicien zimbabwéen August Musarurwa, et son interprétation la plus célèbre est probablement la version de 1954 de Louis Armstrong — mais la reprise énergique de 1958 du chef d’orchestre allemand Horst Wende frappe un joli ton rétro pour les images finales de Slacker.

Dans le commentaire DVD du film, Linklater dit que cette séquence finale – qui semble présager de la façon dont les jeunes de l’ère du smartphone hyper-documentent leur propre vie — a été inspirée par un court métrage de Bill Daniel. Linklater avait espéré couronner le film avec l’interprétation de Peggy Lee en 1969 de Leiber et de Stoller “Is That All There Is?”mais a dû se contenter de “Skokiaan” et de “Strangers Die Everyday” du surfeur de trous du cul quand il n’a pas pu obtenir les droits de la chanson de Lee. À mon oreille, les souches effrayantes de “Strangers Die Everyday” fournissent une meilleure texture émotionnelle au fur et à mesure que les crédits Slacker roulent, puisque “Est-ce tout ce qu’il y a?”se sent un peu sur le nez pour un film aussi décalé.

La vie semi-charmée de Third Eye Blind, d’American Pie

Bien que la comédie pour adolescents American Pie de Paul et Chris Weitz soit sortie en 1999, cela ressemble beaucoup à un film des années 1980 – et c’était probablement la dernière fois que j’ai regardé un film pour adolescents avec une sensibilité légèrement adolescente. Le véritable hommage à la vie adolescente américaine qui est sorti en 1999 n’était pas un film — c’était l’émission de télévision Freaks and Geeks (qui, à mon avis, était la plus vraie évocation à l’écran de l’adolescence américaine moyenne jamais faite). Pourtant, alors que les hyperboles comiques d’American Pie ne sonnent pas aussi vraies que les monstres et les Geeks, c’était un film de passage à l’âge adulte délicieusement divertissant en essayant de perdre sa virginité.

J’avais fait de la randonnée en Asie et en Europe de l’Est pendant la majeure partie de 1999, et même si j’étais probablement un peu trop vieux, j’appréciais bien la bande originale, les chansons qui figurent dans la scène finale du film — “Semi-Charmed Life” de Third Eye Blind et “One Week” de Bare Naked Ladies — me ramènent à cette année où j’ai passé à errer dans l’Est (comme le font d’autres merveilles à succès de la même époque, comme “The Rockafeller Skank” de Fatboy Slim, “All The Small Les choses, “Tubthumping” de Chumbawamba, “Walkin ‘ On The Sun de Smash Mouth” et “Bitter Sweet Symphony” de The Verve.”

“Oh Yeah” de Yello, tiré du Jour de congé de Ferris Bueller

J’ai beaucoup aimé le Jour de congé de Ferris Bueller quand il est sorti en 1986, et il reste l’un de mes films pour adolescents préférés. Les gens ont, rétrospectivement, dénigré le personnage de Ferris Bueller comme un peu une morve privilégiée — mais il était clair pour moi, même adolescent, que le jour de congé de Ferris Bueller était moins un commentaire réaliste sur la vie des adolescents qu’un film fantastique fantaisiste qui visait à s’amuser autant que possible avec sa prémisse.

De plus, il est facile rétrospectivement d’oublier à quel point Ferris était un personnage singulier: À une époque où les films pour adolescents caractérisaient depuis des générations les protagonistes en termes de stéréotypes liés à la clique, Ferris était unique à lui-même — un ami intelligent, décalé, hyper articulé (et pas nécessairement athlétique ou hyper masculin) à tous ceux qui parcouraient le monde avec la force irrépressible de son propre charisme. “Oh Yeah”, la piste instrumentale singulièrement étrange de Yello, a donné la texture parfaite de fin de film pendant que le générique roulait et que le principal Rooney obtenait son come-back (et Ferris lui-même nous a fait sortir du théâtre).

“Heroes” de David Bowie, tiré des Avantages d’être une giroflée

Pour des raisons que je ne peux pas expliquer complètement, j’ai découvert et lu (et aimé) Le roman YA-market de Stephen Chbosky en 1999, Les avantages d’être une Giroflée à la fin de la trentaine. Au niveau logique, l’histoire elle—même n’a pas tout à fait de sens – le protagoniste est un inadapté de première année qui tombe parfaitement avec un groupe de seniors branchés (et a en quelque sorte une force physique surhumaine). Pourtant, étrangement, sur le plan émotionnel, l’histoire est parfaite dans son évocation des désirs des adolescents, en particulier exprimés à travers des chansons comme “Endormi” des Smiths.”

La version cinématographique de Wallflower, qui a été réalisée par Chbosky lui—même, n’a pas tout à fait fonctionné pour moi – bien que la scène finale (lorsque Charlie traverse le tunnel de Fort Pitt à Pittsburgh à l’arrière d’un pick-up, déclarant, en voix off, que “nous sommes infinis”) constitue une fin géniale. Dans le livre, cette scène se déroule sur “Landslide” de Fleetwood Mac; dans le film, la chanson est échangée avec “Heroes” de David Bowie — et c’est un choix qui frappe le ton parfait alors que le film coupe au générique.