5 Pièces de Musique Classique Remarquable pour la Salle de Classe

Réunir la musique de classe et la musique classique peut souvent être un défi majeur. Souvent, la perception des étudiants peut être que la musique du monde classique est inaccessible et si éloignée des goûts musicaux d’aujourd’hui, qu’elle est devenue ignorée au profit d’autres genres de musique.

De nombreux étudiants étudient les instruments et la voix et ont appris des pièces du répertoire classique pour le plaisir ou l’examen. Ce que je vais inclure dans cet article est une large sélection d’œuvres classiques qui valent certainement la peine d’être présentées aux étudiants de manière contextuelle et amusante.

Musique Classique pour la classe

1. “Le Guide du jeune pour l’Orchestre ” de Benjamin Britten (1945)

Cette œuvre engageante du compositeur anglais Benjamin Britten a été l’épine dorsale de nombreuses leçons de musique il y a de nombreuses années. Il a été écrit, comme vous pouvez le deviner d’après le titre, pour présenter l’orchestre et sa variété d’instruments aux jeunes. Le ministère britannique de l’Éducation, comme on l’appelait autrefois, a demandé à Britten de composer l’œuvre qu’ils devaient utiliser pour un film instructif intitulé “Instruments of The Orchestra”.

Britten est peut-être mieux connu pour ses contributions substantielles et novatrices au monde de l’opéra du 20e siècle, mais cette œuvre orchestrale est l’une de ses plus accessibles et populaires. Britten a choisi de baser son “guide” sur l’œuvre du compositeur baroque tardif Henry Purcell. Il a choisi le Rondeau de ” La Vengeance de la Lande ” (Abdelazer) qui comprenait dix pièces qui étaient la musique de scène d’une adaptation créée par Aphra Behn. Britten utilise le thème de Purcell pour commencer sa propre pièce, la faisant passer à travers les différentes sections de l’orchestre en guise d’introduction à ces instruments: bois, cuivres, cordes et percussions. La section de clôture est pleine de finition orchestrale dans un splendide style néo-baroque.

2. “Pierre et le Loup” Op. 67 de Prokofiev

Beaucoup des œuvres de Prokofiev sont des paysages sonores brutaux qui reflètent le monde dans lequel il a vécu. Pierre et le Loup ne pouvaient pas être plus éloignés des dures réalités de la Russie du début du 20ème siècle. C’est une pièce que Prokofiev a conçue et écrite spécifiquement pour les enfants.

Commandée par le directeur du Théâtre Central des enfants de Moscou, l’œuvre a été composée en 1936 dans la lignée d’une pièce symphonique juste pour les enfants. Comme la composition de Britten, Prokofiev a soigneusement conçu la pièce pour présenter les instruments de l’orchestre à un public plus jeune.

Sous-jacent à l’ensemble de la pièce se trouve un message politique plus sombre. Prokofiev a réécrit le texte initial pour incorporer Peter attrapant le loup qui illustrait en soi des traits soviétiques importants tels que la maîtrise de la nature, la bravoure et la débrouillardise.

Peter et le Loup est écrit pour un orchestre complet et un narrateur. Le narrateur guide l’auditeur à travers le conte de Pierre et les instruments de l’orchestre créent les personnages de Pierre (quatuor à cordes), le Loup (cors français), les Chasseurs (bois, trompette et percussions), l’Oiseau (flûte), le Canard (hautbois) et le Chat (clarinette). Prokofiev capture magnifiquement l’essence de ces personnages et les combine habilement en une pièce engageante.

3. ‘Carnaval des Animaux’ de Camille Saint-Saens

Parallèlement aux deux œuvres ci-dessus, “Le Carnaval des animaux” est devenu un favori dans les salles de classe du monde entier depuis de nombreuses années. Il fut achevé vers la fin de la vie de Saint-Sean en 1886 et montre la remarquable capacité des compositeurs à représenter les caractéristiques des animaux dans la musique.

L’orchestre (qu’il s’agisse d’un orchestre très allégé comprenant un harmonica en verre), présente dans cette composition un peu comme dans le Britten et le Prokofiev à la seule exception que deux pianos tiennent le rôle central. Cela donne presque l’impression que la pièce ressemble à un double concerto pour piano et la musique n’est certainement pas facile à bien interpréter.

Le Carnaval se divise en quatorze sections continues comprenant des animaux exotiques tels qu’un kangourou, des ânes sauvages et même des fossiles. Compte tenu de la popularité de l’œuvre, il est difficile de comprendre pourquoi Saint-Saens a écrit une pièce pour une exécution privée uniquement, insistant sur le fait que la musique ne devrait pas être publiée de son vivant.

4. ‘Eine kleine Nachtmusik’, K. 525 de WA Mozart

En guise d’introduction au monde de la musique classique, la musique de l’un des compositeurs les plus célèbres de tous les temps, ‘Eine kleine Nachtmusik’ peut offrir une voie compréhensible. Il peut également donner aux élèves l’occasion d’écouter le son des cordes du violon et de l’alto au violoncelle et à la contrebasse.

De nos jours, cette pièce modeste est souvent interprétée par des forces bien plus grandes que ce que Mozart avait prévu à l’origine. La pièce, achevée en 1787, s’intitule ” Sérénade no 13 “, en sol majeur. Quatre mouvements se complètent magnifiquement et capturent le style plus mature de Mozart. Il commence par un Allegro, puis une Romanze, un Menuet et enfin un Rondo. C’est le mouvement d’ouverture qui est peut-être celui qui est joué et écouté le plus souvent avec son ouverture d’arpège montante caractéristique. La Romanze est également une pièce populaire à écouter et à essayer de jouer.

5. Symphonie No 5 en ut mineur; Op.67 De Beethoven

Composée entre 1804 et 1808, cette symphonie est l’une des plus jouées de toutes les œuvres de Beethoven. Comme une fenêtre sur la musique symphonique pour toute salle de classe, c’est un must. Les thèmes sont convaincants, en particulier le motif d’ouverture à quatre notes censé représenter le destin qui frappe à la porte du compositeur.

Comme beaucoup de symphonies de l’époque, la Cinquième est construite en quatre mouvements substantiels: Allegro con brio; Andante con moto; Scherzo, Allegro et Allegro. Le mouvement d’ouverture illustre la “forme sonate” bien que le traitement de cette forme par Beethoven soit à bien des égards non conventionnel et novateur.

Le deuxième mouvement est un mouvement dédié à la forme la plus remarquable de Beethoven; variation. Le troisième mouvement ramène la tonalité en do mineur après l’Ab majeur plus chaud de l’Andante, suivi du Finale dans la tonique majeure glorieuse et triomphante (Do majeur). Même si les mouvements sont séparés, il y a le sentiment distinct que Beethoven a conçu la symphonie comme une entité unique et organique qui a ouvert la voie à de nombreuses grandes symphonies à venir.