La Période classique de la musique

La période classique de la musique a peut-être donné son nom comme descripteur populaire de toute la composition instrumentale sophistiquée occidentale, mais sa chronologie réelle est relativement courte. Toutes les autres époques musicales délimitées ont au moins un siècle. Cependant, l’ère classique est souvent citée comme la seconde moitié du XVIIIe siècle. À son plus long terme, l’ère classique ne dura que soixante-dix à quatre-vingts ans et se termina au plus tard en 1820. Malgré la courte durée de l’ère classique, son impact sur la musique instrumentale a été énorme.

La période prend l’appellation “Classique” en raison du retour philosophique et culturel aux valeurs classiques de l’antiquité, qui ont grandement influencé la composition musicale. L’ère baroque a mis fin au premier retour de l’Europe aux valeurs philosophiques et artistiques de la Rome classique et de la Grèce. L’époque classique, à son tour, était une rupture nette avec le style baroque. Dans cet article, vous découvrirez les principales caractéristiques de la musique de l’époque classique, en quoi elle diffère de ce qui a précédé et comment son nom est devenu le terme plus large pour la musique instrumentale occidentale.

Brève description de ce qu’est la musique de l’Époque classique

La plupart des fans de musique moderne trouveraient très probablement étrange d’apprendre que la musique de l’Époque classique s’est développée à partir d’une recherche d’une expression musicale plus simple, plus propre, plus humaniste avec des qualités et un attrait universels.

Dans le cadre de sa portée vers l’universalité, les compositeurs de la période classique ont puisé dans une combinaison de qualités, chacune prévalant dans différentes traditions européennes. Les compositeurs de toute l’Europe ont puisé dans la formalité et la précision des Allemands, l’art lyrique italien et l’artisanat technique apprécié en France pour créer leurs œuvres. En fin de compte, ils ont développé des formes reconnaissables que n’importe quel public pourrait identifier et apprécier.

En effet, écrire et interpréter de la musique qui ravirait le plus grand nombre était un objectif premier des compositeurs de l’époque classique. Ils se sont efforcés de créer des œuvres au son propre, équilibré et élégant. Pour cette raison, la musique de l’époque classique est largement homophonique avec des mélodies plus simples soutenues par des harmonies subordonnées et des utilisations plus significatives des accords. Les compositeurs ont également augmenté l’utilisation de phrases de longueur variable qui sont clairement rythmées par des cadences. Ce changement de phrasé et l’utilisation accrue des cadences ont permis aux compositeurs d’afficher une gamme variée d’humeur et d’expression émotionnelle au sein d’une même œuvre.

Symphonie no 14 en la majeur de Haydn, œuvre représentative de la composition de l’époque classique.

La période classique a également vu la formalisation de nombreuses formes musicales, telles que la symphonie et le concerto, qui constituent encore la base de la petite musique classique en “do”. Avec cette standardisation des formes et des mélodies plus simples, les compositeurs de l’époque ont inclus plus de notations sur la façon dont leurs œuvres devaient être interprétées. Alors que l’ère du virtuose était encore à venir, le compositeur individuel a commencé la transition du serviteur à l’Église ou à la cour à l’artiste célèbre pendant l’ère classique.

Origines et contexte de la période classique

La musique de l’époque classique ne s’est pas produite dans le vide. La musique a évolué au sein de la culture plus large de l’époque, appelée le Siècle des Lumières, qui partageait certaines caractéristiques avec la Renaissance, notamment son retour dans le monde antique de la Grèce et de Rome pour l’inspiration culturelle. Les deux périodes ont été précédées de périodes où l’Église a joué un rôle dominant dans la société et où le peuple a été sublimé à sa volonté.

En revanche, l’antiquité s’est tenue à une vision plus humaniste. Il a fourni un espace pour l’individualité dans le contexte d’un idéal universel qui reliait tout le monde dans une humanité commune. Ces idéaux universels ont été exprimés à travers des vérités objectives auxquelles tous pouvaient accéder par la raison, la logique et la dialectique. Les écrits de Newton ont été très influents, car ils ont défini un cadre et un fondement pour une enquête formelle et rationnelle qui pourrait être utilisée pour faire progresser les découvertes scientifiques. Les informations recueillies par des recherches empiriques pourraient être organisées par catégorisation et hiérarchie, améliorant ainsi la compréhension commune du monde. En philosophie politique, des écrivains comme Locke et Montesquieu parlaient de droits individuels immuables qui n’étaient pas accordés par une autorité extérieure, comme l’Église ou la monarchie, mais existaient dans la nature.

Sur le plan artistique, les valeurs d’organisation et de logique se sont présentées à travers une esthétique plus ordonnée d’équilibre et d’élégance. Les arts visuels de l’époque sont souvent appelés “néoclassiques” en raison de leur utilisation de l’antiquité comme pierre de touche créative.

Un exemple d’architecture néoclassique à Glyptothek, Königsplatz, Munich, Allemagne. Photo de Diego Delso, gracieuseté de Wikicommons.

La sculpture de l’époque se concentrait sur une vision néoclassique d’une forme humaine idéalisée et héroïque. Houdon était célèbre pour ses bustes néoclassiques de grands contemporains comme George Washington et Voltaire. Le sculpteur italien Canova a créé des œuvres à figures complètes souvent basées sur la mythologie antique comme Les Trois Grâces et ses pugilistes. Ces artistes visuels, ainsi que les compositeurs de l’époque classique, croyaient que la beauté elle-même pouvait être obtenue par l’exécution de règles logiques et objectives, telles que la proportion et l’équilibre.

Les Trois Grâces de Canova. Photo de Yair Haklai, gracieuseté de Wikicommons.

Le renouveau philosophique de la raison et de l’individu, ainsi qu’une classe moyenne croissante et plus alphabétisée, ont commencé à saper le pouvoir et le contrôle des autorités traditionnelles. Les améliorations apportées à l’impression diffusent les connaissances au public en dehors du contrôle de l’Église ou des monarchies. Les gens pourraient commencer à critiquer politiquement les pouvoirs locaux et à faire leurs propres choix de loisirs.

Dans un contexte musical, cela signifiait que l’Église n’était plus le principal patron des musiciens et des compositeurs, pas plus que les cours nobles. Les maisons aristocratiques étaient des mécènes musicaux importants à l’époque classique, mais une classe moyenne avec une richesse croissante voulait aussi de la musique dans leurs maisons et dans leur vie. Les festivals de musique et les spectacles publics ont également commencé à se développer. La classe moyenne s’est intéressée à devenir des musiciens et des hôtes amateurs, pas seulement des membres du public. Ces changements sociaux ont été les autres forces qui ont incité un flux constant de musique plus simple et plus accessible.

Pour les compositeurs et musiciens professionnels, l’accent mis sur la science et l’organisation a été appliqué à la musique en codifiant les règles de composition, ce qui a conduit à l’établissement de nombreuses formes de musique classique encore utilisées aujourd’hui.

Caractéristiques de la musique de l’époque classique

Les valeurs classiques du rationalisme, de l’universalité, du cosmopolitisme et de l’élégance ont été les inspirations artistiques de la musique de l’époque classique. Ces idéaux classiques se sont manifestés dans la musique en utilisant:

• Des mélodies homophoniques pour créer une texture propre et simple le public pourrait se connecter avec
• des harmonies composées sur la base de règles formalisées de fonction harmonique qui soutiennent et travaillent avec la mélodie pour enrichir la texture d’une manière équilibrée et contrôlée
• des dynamiques plus lentes et plus contrôlées, telles que l’utilisation de crescendo, diminuendo et sforzando, pour fournir une expression émotionnelle sobre et des transitions plus gracieuses
• un récit linéaire avec des phrases claires et équilibrées rythmées par une cadence
• un développement thématique à motifs, souvent à travers une dialectique entre thèmes contrastés ou progressions à travers des variations de thèmes
• grande variété au sein d’une pièce à travers des changements de tonalité, de dynamique et de mélodies

Un bel exemple de dispositif de l’époque classique qui résume les valeurs esthétiques et philosophiques de l’époque: utilisation de la mélodie antécédente/conséquente, qui présente une mélodie distincte et linéaire soulignée par un équilibre harmonieux et une résolution claire marquant la fin de la partie. Voici un exemple du premier mouvement de la Symphonie en ut majeur de Mozart, K. 551

Comment la musique de l’époque classique s’est séparée de la musique baroque

Certains changements artistiques majeurs se produisent comme des évolutions par rapport à ce qui a précédé, tandis que d’autres résultent d’un rejet du style précédent. Une grande partie de ce qui a défini la musique de l’époque classique peut être considérée comme un rejet des valeurs esthétiques et des caractéristiques de la période baroque.

La musique galante ou “Style sensible” comme tremplin entre les époques baroque et Classique

La musique baroque et la musique classique ont coexisté un temps. Les goûts musicaux ont traversé diverses phases de transition avant la fin de la période baroque. La période baroque tardive a été dominée par un nouveau style artistique appelé “rococo.”Le rococo s’est éloigné des arts baroques en tant que style plus léger et plus ludique. Les arts et l’architecture baroques sont très décorés avec de grandes fioritures ornementales.

En musique, le style rococo s’appelait le style Galant ou style sensible. Plus élégant et sobre que la musique baroque, mais aussi moins sérieux. Les compositeurs appréciaient le style à la mode pour son aspect plus harmonieux. Pourtant, le sentiment croissant que l’ornementation de style Galant était superficielle et simplement décorative ne correspondait pas bien aux préférences philosophiques et ordonnées des Lumières. D’où la rupture finale plus forte avec les valeurs et les formes artistiques baroques.

Distinctions claires entre la musique baroque et la musique classique

Vous pouvez voir les traits de l’époque classique, caractérisés par son style naturel et plus simple considéré comme reflétant une norme objective de bon goût, en relief clair par rapport à la musique baroque:

• La musique baroque était plus ornée, principalement polyphonique avec une texture plus compliquée, ce qui lui donnait un son profondément contre nature, tandis que la musique de l’époque classique utilisait ses textures plus simples pour fournir une ambiance mélodique plus naturelle.

• Alors que la musique de l’époque classique a une base linéaire, ponctuée de phrases claires et distinctes qui peuvent chacune avoir leur propre centre émotionnel, la composition baroque avec des motifs mélodiques et rythmiques qui se concentrent sur une humeur.

• Les compositeurs de l’époque classique ont supprimé la basse continue, l’accompagnement fixe et continu qui était le fondement rythmique et harmonique de la composition baroque. Les compositeurs ont écrit des lignes de basse et des harmonies d’accompagnement spécifiques avec chaque œuvre qui existait en équilibre avec la mélodie.

• Les compositeurs de la période classique ont fourni des notations accrues, car une grande partie des fioritures artistiques dérivaient du tempo et de la dynamique, et que toutes les parties étaient écrites pour se combiner en phrases cohérentes tout au long de l’œuvre.

• La musique baroque richement texturée, dominée par le clavecin, contraste avec les instruments aux sonorités plus naturelles préférés par le public de l’époque classique, tels que les cordes et les bois.

De l’École de Manheim au Style classique viennois

L’École de Manheim, basée à la cour royale allemande, s’est développée pendant cette période de chevauchement entre le Baroque et le Classique et ses styles de transition. Les compositeurs de Manheim, travaillant au milieu du XVIIIe siècle, ont été les premiers à adopter et à innover les normes de la musique classique qui seraient plus pleinement développées et codifiées plus tard à l’époque classique. Carl Stamitz, compositeur de l’école de Manheim, est un excellent exemple de cette époque; ses œuvres montrent quelques éléments du style Galant ainsi que l’utilisation de la forme sonate.

Le Concerto pour Alto No 1 en ré majeur de Stamitz

À la fin du XVIIIe siècle, le style classique viennois, parfois appelé la Première École viennoise, atteint l’apogée de l’Ère classique. Vienne était l’épicentre artistique et culturel de l’Europe. Tous les grands et bons compositeurs s’y sont réunis, y compris Mozart, Haydn et Beethoven.

C’est au milieu et à la fin de l’ère classique que les formes musicales codifiées, telles que la symphonie et la forme sonate, se sont installées. C’était aussi le sommet des valeurs de la musique classique, comme en témoigne le Quatuor à cordes en fa majeur de Beethoven, Op. 59, No 1 (1806).

Évolution des formes musicales

Le fait d’avoir des commanditaires nobles et provinciaux, plutôt qu’une église locale ou une cour royale avec des ressources presque illimitées, laissait souvent les compositeurs classiques avec moins de musiciens de compétences variables. Cette rareté relative correspondait bien aux valeurs du Siècle des Lumières de la musique plus simple et universelle qui pouvait être appréciée et même interprétée par les amateurs de musique de la classe moyenne. Le résultat a été la croissance de la musique de chambre à l’époque classique. Les exemples incluent:

• Formes de musique de chambre couramment jouées lors de concerts et de festivals en plein air, tels que divertimenti, sérénades et nocturnes

La musique de Mozart KV 525

• Le quatuor à cordes, issu de la sonate en trio baroque, mais dans l’évolution classique, a donné à chacun des quatre instruments une voix claire.

Le Quatuor à cordes Op. 33, No. 3 de Haydn (L’Oiseau)

Haydn a également normalisé le format symphonique en quatre mouvements (bien que Mozart en ait généralement trois):

• premier mouvement: souvent sous forme sonate, en allegro
• deuxième mouvement: plus lent et plus lyrique, peut-être sous forme sonate
• troisième mouvement: menuet et trio ou scherzo et trio; un autre mouvement vif qui évoque la danse, le trio étant pris en sandwich par le menuet ou le scherzo
• quatrième mouvement: le finale énergique, généralement sous forme sonate ou rondo

La normalisation de la forme sonate était une partie nécessaire de la formalisation de la symphonie en quatre mouvements. À cette époque, la forme sonate a été codifiée dans sa conception d’exposition–développement–récapitulation de l’exploration thématique.

Deux autres formes musicales se sont développées à l’époque classique qui ont remplacé le concerto grosso baroque, une forme de petits groupes d’instruments jouant contre un orchestre plus grand:

• Le concerto pour soliste, qui soulignait l’habileté d’un soliste individuel et était un attrait pour les concerts publics. Le concerto pour soliste existait à l’époque baroque mais a été composé pour un plus large éventail d’instruments en raison de sa popularité à l’époque classique.

• La symphonie concertante (ou sinfonia concertante), qui utilise plusieurs groupes de solistes qui contrastent les uns avec les autres et l’orchestre.

La Symphonie concertante en sol majeur de Joseph Boulogne, Chevalier de Saint Georges

Un autre format de musique populaire apparu à l’époque classique était l’opéra comique. Ce n’est pas que l’opéra sérieux n’était pas répandu pendant cette période. Il était et puisait souvent des histoires de la mythologie grecque, comme Orfeo ed Euridice de Gluck.

L’opéra comique, ou opera buffa, racontait les histoires de gens de tous les jours dans des circonstances folles ou dans la recherche épique de l’amour – un peu comme le style de sitcom de la télévision, mais avec plus de musique. Par exemple, il y a Cosi Fan Tutte de Mozart, où deux soldats font des paris pour savoir si leurs copines peuvent rester fidèles.

Évolution des Orchestres et des Instruments au cours de la Période classique

L’un des principaux départs de l’Ère baroque a été la disparition du clavecin de la composition de l’Époque classique. Le pianoforte l’a remplacé au milieu du XVIIIe siècle, mais ce n’était pas un instrument central dans les œuvres comme l’était le clavecin. Cependant, l’apparition du piano, tel que nous le connaissons aujourd’hui, est arrivée à la fin du XVIIIe siècle et les compositeurs classiques l’ont adoré, écrivant de nombreux concertos et sonates.

Les cordes ont pris une plus grande importance, en raison de leur capacité particulière à refléter au mieux la voix humaine. Cet élément humain et naturel attirait le public classique. Mozart a formalisé la sonate pour violon avec accompagnement au piano à l’époque classique, qui contenait généralement deux mouvements. La Sonate pour violon no 21 de Mozart en mi mineur

Les bois ont également pris un rôle remarquable et sont devenus pour la première fois une section distincte au sein de l’orchestre. Comme les cordes, les bois étaient prisés pour leur capacité à produire des tons naturels et élégants. Le nombre et le type d’instruments à vent et à cor qui sont devenus la norme dans un orchestre ont augmenté.

L’ensemble de l’orchestre a grandi et a été standardisé pendant la période classique. Son format de base de quatre sections instrumentales a été établi par des compositeurs de l’école de Manheim. Plus tard, au cours de la période classique, la taille standard de l’orchestre a augmenté en ajoutant des multiples aux instruments existants, en particulier dans les sections de bois et de cor. L’inclusion de nouveaux instruments, comme le trombone et le cor français, a également contribué à l’élargissement de l’orchestre.

Exploration des compositeurs de l’Ère classique et de leurs Œuvres

Vous avez déjà un avant-goût des trois figures majeures de l’Ère classique: Haydn, Mozart et Beethoven. Aussi essentiels soient-ils pour apprécier la musique de l’époque classique, il y avait d’autres compositeurs talentueux et des œuvres à noter de l’époque. Consultez notre liste des 10 Compositeurs classiques que vous devez connaître pour approfondir un plus large éventail de compositeurs classiques.

Si les échantillons musicaux ici ne suffisent pas (et ils ne le sont pas), nous avons également rassemblé 20 des Meilleures Compositions d’Époque Classique de Tous les Temps.

Comment est-ce pour une symétrie et une simplicité classiques!

L’Ère classique jette les bases d’une exploration plus personnelle de l’Ère romantique

La beauté de la normalisation des formes est qu’elles servent de point de départ fertile pour de nouvelles innovations. Même aux dernières étapes de la période classique elle-même, les compositeurs classiques jouaient déjà avec les formes mêmes qu’ils organisaient.

Par exemple, le grand orchestre est devenu un véhicule d’expression intense et grandiose. Ainsi, avec l’aide de Beethoven, ce fut un catalyseur pour inaugurer l’ère romantique. Écoutez sa Symphonie no 3 en mi bémol majeur (Eroica).