L’importance de la Formation Classique dans un Monde Contemporain

Par Kristen Stevens

Quand les gens pensent à un chanteur de formation classique, quelques types stéréo peuvent venir à l’esprit: peut-être un musicien squawky, carré, avec un ego de la taille du Texas? En tant qu’éducateur musical qui a suivi une formation classique dans le cadre du programme collégial, a étudié divers styles et genres, en plus d’en avoir interprété la plupart; Je suis convaincu qu’une technique classique est le moyen de réussir dans n’importe quel genre. Tout comme le danseur de formation classique peut transférer son contrôle du corps pour se déplacer de la manière requise dans la danse moderne, nous constatons que c’est le danseur moderne qui ne peut pas enfiler une paire de pointes et exécuter les mouvements requis d’une ballerine. Comme le danseur classique, le chanteur classique a la capacité de transférer sa technique vocale à n’importe quel genre ou style demandé. La chanteuse classique Kathleen Battle chante la pièce de jazz, Summertime, de Gershwin.

Mon expérience est ancrée à la fois dans la tradition contemporaine et classique. Lorsqu’on me demande de jouer pour divers événements, ma voix doit être suffisamment malléable pour chanter avec une inflexion stylistique correcte et un son authentique, toute la musique qui m’est demandée; je peux le faire facilement grâce à ma formation classique. Malheureusement, il est rare que le chanteur contemporain transfère sa technique en fonction du style classique, et parfois leur technique est si limitée qu’elle peut même les restreindre à un style de musique singulier. Même les interprètes contemporains les plus talentueux luttent pour maintenir la justesse stylistique lorsqu’ils tentent de chanter dans le style classique.

L’oreille peut facilement distinguer qu’il existe des différences majeures entre les genres, mais la plupart des personnes qui n’ont pas été formellement formées à la musique ont du mal à mettre en mots les différences que l’oreille identifie. Ci-dessous, nous allons échantillonner certaines des différentes différences et expliquer un peu pourquoi les choses sont faites telles qu’elles sont.

Amplification et amélioration électroniques

L’une des différences les plus notables entre le chanteur classique et le chanteur contemporain est l’utilisation d’équipements électroniques pour amplifier et améliorer le son de la voix. Le chanteur classique utilise rarement un microphone ou tout autre amplificateur électronique en raison de la formation, du placement et de la technique auxquels il s’associe. La plupart du temps, si un ou des microphones sont vus lors d’une représentation, c’est généralement à des fins d’enregistrement plutôt que d’amplification. Cependant, en raison de la taille croissante des salles de spectacle, il devient lentement plus acceptable d’utiliser le microphone pour de très grandes arènes et des événements en plein air. Il est également très difficile pour les ingénieurs du son / équipes de son d’obtenir un bon son pour le chanteur car la musique, l’opéra ou la chanson d’art, appellera souvent des dynamiques extrêmes et parfois en terrasses (changements rapides entre un son extrêmement doux et extrêmement fort), il est également difficile d’obtenir un bon son sans que le chanteur sonne trop cuivré ou pointu. Ce type de voix est généralement mieux apprécié tout en étant à au moins 20 pieds du chanteur.

Les chanteurs contemporains dépendent souvent fortement de l’amplification électronique. Cela est principalement dû au placement et à l’intonation du son, l’utilisation d’instruments amplifiés contribue également au besoin d’équilibre entre chanteurs et instrumentistes. (Avant de faire la déclaration suivante, veuillez comprendre que je me rends compte qu’il y a des chanteurs contemporains très talentueux dans le monde, malheureusement, ce sont rarement ceux qu’on entend à la radio.) Les artistes contemporains utilisent souvent l’amélioration vocale et les accordeurs automatiques pour corriger leurs défauts vocaux, créant ainsi l’enregistrement en studio, qui est ensuite nettoyé et traité pour créer le produit que vous entendez à la radio ou à un autre appareil de musique portable. C’est pourquoi les gens peuvent parfois être déçus lorsqu’ils entendent leurs spectacles live ou leurs sets acoustiques préférés.

Diction

Une énorme différence que vous remarquerez entre le Classique et le Contemporain est l’utilisation de la diction par chaque entité. Dans la musique contemporaine, la langue est plus souvent conversationnelle, contrairement au classique qui emploie souvent de longs passages de mots en legato, séparés par des consonnes parfois dures. Les voyelles du chanteur contemporain sont également parfois modifiées pour créer un effet original ou un idiome utilisé pour représenter une émotion (c.-à-d. le mot “cheveux” prononcé “hayyyer”), ainsi que le passage au deuxième son de la diptongue (deux sons de voyelles qui se produisent dans une seule syllabe, non séparés par une consonne) plus tôt que ce qui serait utilisé dans une conversation normale (c.-à-d.; le mot “vie” se prononce “lieeef”.)

Dans le chant classique, comme mentionné ci-dessus, il y a généralement des consonnes au son net, cela est dû au manque d’amplification électronique. Le chanteur utilise les consonnes pour couper le son de l’orchestre ou des instruments qui l’accompagnent, afin que la langue puisse être identifiée et comprise. Le chanteur classique s’efforce de chanter sur la voyelle plutôt que sur la consonne, et procrastine souvent la phonation du deuxième son de la dipthongue; c’est la norme sauf indication contraire dans la partition musicale. Le chanteur classique lit également la musique et l’Alphabet phénétique International (IPA) afin d’assurer une prononciation correcte des différentes langues dans lesquelles il peut être amené à chanter.

Langues

Il est nécessaire que le chanteur classique joue dans plusieurs langues afin de fournir une reproduction authentique et d’époque de la conception originale du compositeur. Le chanteur suivra souvent des cours qui expliqueront les différents symboles utilisés pour exprimer les phonèmes (les plus petites unités de son de la parole) auxquels ils sont associés (i.e.; un chanteur classique lira dans la transcription IPA, et pour eux cela signifie prononcer la voyelle “e” comme dans “moi” ou peut-être ils liront le symbole et le prononceront “euh” comme dans “caramel”.”) En plus de la prononciation correcte, le chanteur doit également rechercher la traduction mot à mot ainsi que la traduction poétique afin de permettre une bonne inflexion du texte. C’est probablement aussi crucial que la prononciation correcte, car souvent le public ne comprend pas la langue et compte donc sur l’artiste pour exprimer l’émotion de la pièce à travers l’expression faciale et les gestes corporels.

Dans la tradition contemporaine, les chansons sont généralement chantées en langue vernaculaire, à moins que la chanson ne soit destinée à un public multiculturel, auquel cas certains chanteurs interpréteront une partie du concert, de l’album, etc. dans une langue particulière, passez ensuite à une autre langue pour une partie différente de l’ensemble. Chanter en langue vernaculaire permet à l’interprète de se concentrer davantage sur l’inflexion et moins sur la langue. Ce qui est commun dans les deux styles, c’est que la musique et les mots doivent être mémorisés avant la poursuite de l’exécution publique.

Vibrato

Le vibrato est l’oscillation ou la vibration superposée à une hauteur soutenue. Il est souvent décrit comme la qualité scintillante, frémissante ou flottante d’une voix particulière, et se produit naturellement dans une certaine mesure dans toute voix saine. Dans le chant classique, le vibrato commence immédiatement après la consonne et reste constant tout au long. L’exception est si le chanteur interprète une œuvre de la Renaissance ou de la période Baroque, auquel cas, un ton pur peut être plus stylistiquement correct. Le vibrato est un élément clé de l’intonation et de la performance globale pour le chanteur classique.

Le chanteur contemporain utilise également le vibrato, bien que parce que la musique est plus conversationnelle, le vibrato soit généralement réservé à l’ornementation de la fin des notes soutenues. Cependant, il y a des occasions que le chanteur contemporain utilise le vibrato plus fréquemment, il est généralement très subtil et peut être utilisé de manière spectaculaire pendant les parties les plus douces de la chanson pour assurer un son de base, plutôt qu’un son aéré, tout en maintenant la dynamique souhaitée.

Dans cette vidéo, l’instructrice Kerri Ho décrit les techniques fréquemment utilisées pour développer un vibrato cohérent.

Registres

Dans le chant classique, la voix doit sonner comme une entité singulière, avec des transitions harmonieuses entre les registres. Avec d’innombrables heures de pratique et de méthodologie qui nous poussent, nous tirent, nous poussent, nous enfantent à travers le passagio (point de transition entre les registres) pour créer une transition transparente, le chanteur classique aspire à la singularité du son qui survient lorsque les espaces de résonance sont équilibrés et qu’il y a accès aux registres supérieur et inférieur. Cela signifie essentiellement qu’ils s’efforcent de faire en sorte que la voix sonne comme si elle appartenait à la même personne dans n’importe quel registre qu’ils chantent (c.-à-d.; ne sonne pas comme Idina Minzel dans la voix de poitrine, puis sonne comme Paris Hilton dans la voix de tête.)

Dans le contemporain, l’accent est beaucoup moins mis sur un passagio sans couture, souvent la voix de poitrine est portée à l’extrême créant le son appelé “ceinture.”Il n’est pas rare qu’un chanteur ait une voix de poitrine forte, mais fasse ensuite un bond notable vers le son léger et moins concentré de la voix de la tête. Cependant, lorsqu’un chanteur contemporain traverse proprement le passagio, les gens remarquent à quel point ces personnes sont talentueuses pour avoir une gamme aussi “forte et large”. La “rupture” (je déteste ce terme car rien dans votre voix n’est réellement cassé, mais renvoie plutôt à la fin d’un certain registre) dans les registres est parfois utilisée par les artistes contemporains pour créer un effet dramatique.

Espaces de résonance

Le corps humain contient ses propres espaces de résonance qui permettent aux vibrations du pli vocal de se manifester et d’amplifier le son produit. Le corps contient quatre chambres de résonance principales que chaque chanteur devrait connaître: la tête, la bouche, le nez et la poitrine. Ceux-ci ne doivent pas être confondus avec des registres. Ce sont les espaces qui aident à créer un certain volume sans forcer la voix.

En musique classique, l’objectif est de créer le plus d’espace possible dans tout l’espace résonnant disponible. Le seul espace qui n’est pas utilisé dans le chant classique est la résonance de la bouche, principalement due aux tissus mous (mâchoires et langue) qui agissent comme une entité insonorisante. L’acte de créer de l’espace est réalisé en abaissant le larynx et en élevant le palais mou afin d’avoir un accès complet aux trois autres résonateurs. La bonne utilisation de ces espaces résonnants permet au chanteur classique d’être indépendant des dispositifs d’amplification.

Les genres contemporains utilisent chacun des espaces de résonance différemment. Dans la musique populaire, l’interprète chante souvent avec la résonance de la bouche, ou la résonance parlante, car la musique a tendance à être conversationnelle. Dans le théâtre musical, le placement a tendance à se situer dans la résonance nasale / masque, et a un son très avancé. Le rock, l’alternative, le rhythm and blues et le jazz dépendent tous fortement du microphone, tout comme la musique populaire et de même, la résonance n’est pas aussi soulignée, bien qu’un bon équilibre soit souhaitable.

Lecture de musique

La lecture de musique est requise du chanteur classique, non seulement la lecture de musique (sachant que le deuxième espace des aigus, ou portée de sol est un La), mais il est prévu que le chanteur classique soit capable de lire de la musique à vue (chanter ce que la page dirige sans une ouïe perméable). La raison pour laquelle je trouve que la lecture musicale est une partie si importante de la formation de tout musicien, c’est parce que vous, l’artiste, comptez sur vous-même pour créer et interpréter la musique, et n’avez pas à vous fier à l’interprétation de quelqu’un d’autre.

Certains chanteurs contemporains lisent de la musique, c’est généralement le résultat du programme de musique de l’école publique ou du studio de musique qui pousse la lecture de musique dans le cadre de son programme. Habituellement, les chanteurs contemporains comprennent les éléments de base de la lecture musicale, cependant, à moins qu’ils ne composent leur propre musique, elle n’est pas stressée et est rarement appréciée. Bien que la lecture musicale soit essentielle, le développement et la pratique de l’audition (ou audition intérieure) doivent également être appris sinon la lecture musicale ne profitera pas au chanteur. Parfois, afin de compenser le manque de compétence en lecture musicale, les chanteurs contemporains peuvent compter davantage sur l’audition pour apprendre la musique, mais peuvent généralement souvent improviser et ad lib avec facilité.

TRANSFERT TECHNIQUE

Il peut être surprenant que je sois souvent amené à chanter de la musique contemporaine. Je dois aussi admettre qu’avant le chant collégial, je n’avais pas eu de formation classique, ce qui rendait l’école de musique beaucoup plus difficile. Avant mon expérience universitaire, j’avais souvent dirigé le culte de mon église et fait quelques concerts avec des amis en chantant de la musique alternative / rock, et oui, j’ai TOUT fait de MAL: je ne savais même pas que j’avais un registre supérieur – c’était une voix de poitrine. Inutile de dire que mon premier semestre de voix privée a été très difficile. Cependant, après que ma technique ait été solide, j’ai pu transférer les concepts du chant vocal classique dans mon style de musique contemporain, et à ma grande surprise, je sonnais beaucoup mieux. Pour moi, les avantages de la formation classique se sont manifestés dans d’autres genres en plus du répertoire classique. Les avantages du chant contemporain comprenaient: une gamme élargie, ce qui signifiait que je pouvais chanter une plus grande variété de musique, chanter correctement dans les différents registres pendant de longues périodes sans fatigue ni tension dans mon cou à la suite d’une technique défectueuse.

J’ai aussi pensé inclure quelques vérités avec lesquelles tout chanteur, classique ou contemporain, doit accepter, s’il veut devenir un musicien indépendant à succès.

• Vous ne ressemblerez pas (et ne devriez pas) à l’artiste qui a rendu célèbre votre répertoire. Vous devez être suffisamment à l’aise avec votre propre son unique, et vous devez faire en sorte que ce son se produise au mieux de vos capacités chaque fois que vous chantez. C’est toujours une bonne idée d’enregistrer vos leçons et de vous comparer à vous-même à un stade plus précoce, et d’évaluer votre performance en fonction de votre propre amélioration.
• La lecture de la partition est importante. C’est une compétence inestimable à avoir car cela fait de vous un musicien indépendant. Avez-vous déjà vu un morceau de papier qui a été copié et recopié? Cela devient de plus en plus flou à chaque copie – en un sens, c’est ce qui arrive à la musique lorsque nous n’obtenons pas les données musicales pour nous-mêmes – nous écoutons l’interprétation de quelqu’un d’autre – ou une copie, donc tout ce que nous pouvons espérer obtenir par cela est une image légèrement plus déformée du concept que le compositeur essayait à l’origine de transmettre. En musique contemporaine lib. est acceptable, mais avant de créer une variante, vous devez connaître le thème, et cette connaissance est obtenue sur la page.
• Vous devez connaître les traits stylistiques du genre que vous chantez. Je sais que cela peut sembler une évidence, mais écoutez les meilleurs interprètes du genre et observez les traits de style qu’ils affichent. En quelle période cela a-t-il été écrit? Font-ils des “runs” fréquents ou de l’ornementation non écrite? Est-ce qu’ils libèrent., si oui, quand est-il stylistiquement approprié de le faire? Modifient-ils leur diction ? Utilisent-ils des syllabes non verbales? Chantent-ils ou parlent-ils rythmiquement sur le terrain? Il est important d’écouter la musique de manière critique pour déterminer ce qui rend le genre différent d’un autre.

En passant d’une formation non classique à la formation classique, j’ai trouvé qu’il était plus avantageux d’apprendre la méthode classique. Si vous décidez que la musique est votre profession souhaitée, le programme de musique le plus courant que vous rencontrerez au niveau collégial nécessite un certain degré de formation classique, la plupart de vos camarades de classe auront eu cette expérience dans une certaine mesure soit par le biais de concours solistes de l’UIL, et certains peuvent même concourir aux concours de l’Association Nationale des Professeurs de chanteurs (NATS). Je recommande la formation classique car elle équipe le chanteur de l’essentiel pour réussir son parcours musical en lui fournissant: des compétences en lecture musicale, un entraînement à l’oreille, une technique polyvalente, et surtout, l’indépendance de chanter ce qui le rend heureux.