音楽の古典期

音楽の古典期は、西洋の洗練された器楽組成物のすべてのための人気の記述子としてその名前を与えている可能性がありますが、その実際のタイムラインは比較的短いです。 他の線引きされた音楽の時代のすべては、少なくとも完全な世紀を取得します。 しかし、古典的な時代はしばしば18世紀後半として引用されています。 その最長では、古典的な時代は遅くとも1820年までに終了し、わずか七十から八十年を実行しました。 古典時代の短い実行にもかかわらず、器楽音楽への影響は巨大であった。

この時代は、作曲に大きな影響を与えた古代の古典的価値観への哲学的および文化的復帰のために、”古典的”という名称を取ります。 バロック時代は、古典的なローマとギリシャの哲学的、芸術的価値観にヨーロッパの最初の復帰を終えました。 古典的な時代は、順番に、バロック様式からの明確な休憩でした。 この記事では、古典時代の音楽の主な特徴、それが以前に来たものとどのように異なるか、そしてその名前が西洋の器楽音楽のより広範な用語として

古典時代の音楽が何であるかの簡単な説明

ほとんどの現代音楽ファンは、古典時代の音楽が普遍的な資質と魅力を持つ、より単純で、よりクリーンで、より人文主義的な音楽表現を探すことから発展したことを学ぶのは奇妙であると思うでしょう。

普遍性への到達の一環として、古典的な時代の作曲家は、それぞれ異なるヨーロッパの伝統に流行している資質の組み合わせを描きました。 ヨーロッパ各地の作曲家は、ドイツ人の形式と精度、イタリアの叙情的な芸術性、フランスで評価された技術的な職人技を駆使して作品を制作しました。 最終的に、彼らはどこでも聴衆が識別し、認めることができる認識可能な形態を開発した。

確かに、最も多くの人々を喜ばせる音楽を書いて演奏することは、古典時代の作曲家の主な目標でした。 彼らは、クリーンでバランスのとれた、エレガントな音で作品を作成するために努力しました。 このため、古典時代の音楽は主に同音異義語であり、従属的なハーモニーと和音のより重要な使用によってサポートされるより単純なメロディーがあります。 作曲家はまた、明らかにケイデンスによって中断されている様々な長さのフレーズの使用を増加させた。 このフレージングの変化とケイデンスの使用の増加は、作曲家が同じ作品内の気分や感情表現の多様な範囲を表示することができました。

ハイドンの交響曲第14番イ長調、初期古典時代の作曲の代表作。

古典期には、交響曲や協奏曲など、まだ小さな”c”クラシック音楽の基礎を形成する多くの音楽形式の形式化も見られました。 このような形式とより単純なメロディーの標準化により、当時の作曲家は彼らの作品がどのように演奏されるかについてより多くの表記を含んでいた。 巨匠の時代はまだ来ていませんでしたが、個々の作曲家は、古典的な時代の間に有名な芸術家に使用人から教会や裁判所への移行を開始しました。

古典時代の起源と文脈

古典時代の音楽は真空の中でそれ自体を生成しませんでした。 音楽は、ルネサンスといくつかの特性を共有し、啓蒙時代と呼ばれる時代のより広い文化の中で進化し、最も明らかに文化的なインスピレーションのた 両方の期間は、教会が社会において支配的な役割を果たし、人々がその意志に昇華した時代に先行していました。

対照的に、古代はより人文主義的なビジョンを保持していました。 それは共通の人間性の皆を接続した普遍的な理想の文脈内の特性にスペースを提供した。 これらの普遍的な理想は、理性、論理、弁証法を通じてすべての人がアクセスできる客観的な真理によって表現されました。 ニュートンの著作は、科学的発見を進めるために使用できる正式で合理的な調査のための枠組みと基礎を定義したため、非常に影響力があった。 経験的な調査によって収集された情報は、分類と階層によって整理され、世界の共通の理解を向上させることができます。 政治哲学では、LockeやMontesquieuのような作家は、教会や君主制のような外部の権威によって付与されたのではなく、自然界に存在した不変の個人の権利について

芸術的なレベルでは、組織と論理の価値は、バランスと優雅さのより整然とした美学を通じて自分自身を提示しました。 当時の視覚芸術は、創造的な試金石として古代を使用しているため、しばしば”新古典派”と呼ばれています。

グリプトテーク、ケーニヒスプラッツ、ミュンヘン、ドイツで新古典主義建築の例。 ディエゴ*デルソ、Wikicommonsの礼儀による写真。

時代の彫刻は、理想化された、英雄的な人間の形の新古典主義のビジョンに焦点を当てました。 フードンはジョージ-ワシントンやヴォルテールのような現代の偉大な人の彼の新古典主義の胸像で有名でした。 イタリアの彫刻家カノーヴァは、多くの場合、三つの美神と彼のpugilistsのような古代の神話に基づいてフルフィギュア作品を作成しました。 これらの視覚芸術家は、古典時代の作曲家と同様に、美しさ自体は、割合やバランスなどの論理的で客観的なルールを実行することによって達成できると信じていました。

カノーヴァの三つの美神。 写真：Yair Haklai、Wikicommonsの礼儀。

理性と個人の哲学的復活は、成長し、より識字的な中産階級とともに、伝統的な当局の力と支配を損なうようになった。 印刷の改善は、教会や君主の管理外の一般に知識を広げました。 人々は地元の権力に対する政治的批判を行い、自分の余暇の選択を始めることができました。

音楽的な文脈では、これは教会がもはや音楽家や作曲家の主要な後援者ではなく、貴族の裁判所でもないことを意味していました。 貴族の家は古典時代には重要な音楽の後援者でしたが、富が増えている中産階級は家庭や生活にも音楽を求めていました。 公共の音楽祭や公演も成長し始めました。 中産階級は、聴衆だけでなくアマチュアのミュージシャンやホストになることに興味を持った。 これらの社会的変化は、よりシンプルでアクセスしやすい音楽の安定した流れを促した他の力でした。

プロの作曲家や音楽家にとっては、作曲規則を成文化することによって科学と組織に重点を置いた音楽が適用され、現在でも使用されているクラッシ

古典時代音楽の特徴

合理主義、普遍性、国際主義、優雅さの古典的価値は、古典時代音楽の芸術的インスピレーションでした。 これらの古典的な理想は、音楽で自分自身を明らかにしました:

• クリーンでシンプルなテクスチャを作成するためのホモフォニックメロディ観客は、バランスのとれた、制御された方法でテクスチャを豊かにするた
• ケイデンスによって中断された明確でバランスの取れたフレーズを持つ線形の物語
• パターン化された、テーマ別の開発、多くの場合、 テーマのバリエーションによる対照的なテーマや進行の間の弁証法
• キー、ダイナミクス、メロディーの変化による作品内の多種多様

その日の審美的かつ哲学的価値をカプセル化する古典的な時代の装置の素晴らしい例：調和のとれたバランスと明確な解像度によって強調された明確な線形メロディーを提示する先行/結果のメロディーの使用。 ここでは、モーツァルトの交響曲ハ長調、Kの第一楽章からの例です。 551

古典時代の音楽がバロック音楽からどのように分離したか

いくつかの主要な芸術的変化は、以前のものからの進化として起こり、他のものは先例のスタイルの拒絶から生じる。 古典的な時代の音楽を定義したものの多くは、バロック時代の審美的価値と特徴の拒絶と見ることができます。

バロックと古典の時代の間の足がかりとしてのギャラントまたは”敏感なスタイル”音楽

バロックと古典音楽はしばらくの間共存していました。 バロック時代が本当に終わる前に、音楽の好みは様々な移行段階を経て移動しました。 後期バロック時代は、”ロココ”と呼ばれる新しい芸術的スタイルによって支配されていました。”ロココは、より軽く、より遊び心のあるスタイルとしてバロック芸術から出発しました。 バロック様式の芸術と建築は、素晴らしい装飾の繁栄で非常に装飾されています。

音楽では、ロココ様式はギャラン様式またはセンシティブ様式と呼ばれていました。 バロック音楽よりもエレガントで拘束されていますが、それほど深刻ではありません。 作曲家は、より調和のとれた側面のためにファッショナブルなスタイルを楽しんだ。 しかし、ギャランスタイルの装飾が浅く、単に装飾的であったという感覚は、啓蒙主義の哲学的、整然とした好みとうまく一致しませんでした。 したがって、バロック様式の芸術的価値観と形を持つ最後の強い休憩。

バロック音楽とクラシック音楽の明確な区別

バロック音楽と比較すると、客観的な味の基準を反映していると考えられる自然でシンプルなスタイ:

• バロック音楽はより華やかで、主にポリフォニックで、より複雑な質感を持ち、深く不自然な音を与えましたが、古典時代の音楽はより単純な質感を使用して、より自然でメロディックな雰囲気を提供しました。

• 古典時代の音楽は、それぞれが自分の感情の中心を持つことができる明確な、別々のフレーズによって中断された線形の基礎を持っていますが、一つの気分に焦点を当てたメロディックとリズミカルなパターンを循環させたバロックの組成物。

• 古典時代の作曲家は、バロック作曲のリズミカルで調和的な基礎であった固定された連続的な伴奏であるバッソ-コンティニューオを廃止しました。 作曲家は、メロディーにequipoiseに存在していた各作品に特定の付随するベースラインとハーモニーを書いた。

• 古典的な時代の作曲家は、テンポとダイナミクスから派生した芸術的な繁栄の多くとして増加した表記を提供し、すべての部分は、作品全体で凝集フレーズに結合するように書かれていたように。

• チェンバロの音色を支配する豊かな質感のバロック音楽は、弦楽器や木管楽器などの古典時代の観客が好むより自然な響きの楽器とは対照的です。

マンハイム派からウィーン古典派へ

ドイツ宮廷に拠点を置くマンハイム派は、バロックと古典とその過渡期のスタイルの間に成長しました。 マンハイムの作曲家は、十八世紀半ばに働いて、より完全に開発され、古典時代の後半に成文化される古典音楽の規範の早期採用と革新者でした。 マンハイム派の作曲家カール-スタミッツは、この時期の優れた例であり、彼の作品はソナタ形式の使用だけでなく、ガラント様式のいくつかの要素を示している。

スタミッツのヴィオラ協奏曲第1番ニ長調

は、十八世紀末までに、ウィーン古典派と呼ばれることもあるウィーン古典派と呼ばれる古典時代の高さになった。 ウィーンはヨーロッパの芸術的、文化的震源地でした。 モーツァルト、ハイドン、ベートーヴェンを含むすべての偉大で良い作曲家がそこに招集されました。

交響曲やソナタ形式などの成文化された音楽形式が定着したのは、古典時代の中期から後期の段階であった。 これはまた、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲ヘ長調作品59、第1番（1806年）によって証明されるように、古典時代の音楽価値の頂点でもありました。

音楽形式の進化

ほぼ無制限のリソースを持つ地元の教会や王室ではなく、高貴で地方の後援者を持つことは、多くの場合、様々なスキルの少ない楽 この相対的な希少性は、中産階級の音楽愛好家が楽しむことができ、演奏することさえできる、よりシンプルで普遍的な音楽の啓蒙価値の時代とうまく その結果、古典時代の室内楽の成長がもたらされました。 例は次のとおりです:

• 室内楽の形式は、divertimenti、serenades、nocturnesなどの屋外コンサートやフェスティバルで一般的に演奏されています

モーツァルト”アイネ-クライネ-ナハトムジーク”525

• バロック-トリオ-ソナタから発展した弦楽四重奏曲は、古典的な進化の中で、四つの楽器のそれぞれに明確な声を与えました。

ハイドンの弦楽四重奏曲Op.33,No.3(The Bird)

ハイドンはまた、交響曲の形式を四つの楽章に標準化しました（モーツァルトは通常三つの楽章で立ち往生しています):

• 第一楽章: 多くの場合、ソナタ形式で、アレグロで
• 第二楽章：遅く、より叙情的な、おそらくソナタ形式で
• 第三楽章：メヌエットとトリオ形式またはスケルツォとトリオ;ダンスを呼び起こす別の活発な動き、トリオはメヌエットまたはスケルツォで挟まれて
• 第四楽章：エネルギッシュなフィナーレ、通常はソナタまたはロンド形式

ソナタ形式の標準化は、四楽章の交響曲を形式化するために必要な部分でした。 この時代、ソナタ形式は主題探索の博覧会–開発–要約設計に成文化されました。

バロック協奏曲グロッソ、大きなオーケストラに対して実行する楽器の小さなグループの形を置き換え、古典的な時代に開発された二つの他の音楽形式:

• 個々のソリストのスキルを強調し、公共のコンサートのための魅力的なドローだったソロ協奏曲。 ソロ協奏曲はバロック時代に存在していたが、古典期に人気があったため、より広い範囲の楽器のために作曲された。

• シンフォニー-コンチェルタンテ（またはシンフォニア-コンチェルタンテ）は、互いに対照的なソリストの複数のグループを使用しています。

ジョゼフ-ブローニュ、シュヴァリエ-ド-サン-ジョルジュ、協奏曲ト長調

古典時代に登場したもう一つのポピュラー音楽形式はコミック-オペラであった。 その深刻なオペラは、この期間中に流行していなかったことではありませんでした。 それはグルックのOrfeo ed Euridiceのようなギリシャ神話の物語であり、しばしば描かれていました。

コミックオペラ、またはオペラブッファは、狂気の状況や愛のための壮大な検索で日常の人々の物語を語った–テレビのシットコムスタイルとは異なり、より多くの音楽ではない。 たとえば、モーツァルトのCosi Fan Tutteがあります。

古典期におけるオーケストラと楽器の進化

バロック時代からの主な出発点の一つは、古典期の構成からチェンバロが消滅したことでした。 ピアノフォルテはそれを18世紀半ばに置き換えましたが、チェンバロのように作品の中心的な楽器ではありませんでした。 しかし、ピアノの外観は、私たちが今日知っているように、十八世紀後半に到着し、古典的な作曲家は多くの協奏曲やソナタを書いて、それを愛しました。

弦は、人間の声を最もよく反映する特殊な能力のために、より顕著になりました。 その人間の、自然な要素は古典的な聴衆に懇願していた。 モーツァルトは古典時代にピアノ伴奏付きのヴァイオリンソナタを形式化したが、これは一般的に二つの楽章を含んでいた。 モーツァルトのヴァイオリンソナタ第21番ホ短調

木管楽器も目立つ役割を果たし、初めてオーケストラの中で明確なセクションとなった。 弦のように、木管楽器は、自然でエレガントなトーンを生成する能力のために珍重されました。 オーケストラの標準となった木管楽器やホルン楽器の数と種類が増えました。

オーケストラ全体が成長し、古典期に標準化されました。 4つの楽器セクションの基本的な形式は、マンハイム学校の作曲家によって設定されました。 その後、古典期の間に、標準的なオーケストラのサイズは、特に木管とホルンセクションで、既存の楽器に倍数を追加することによって成長しました。 トロンボーンやフレンチホルンのような新しい楽器の包含は、また、より大きなオーケストラに貢献しました。

古典時代の作曲家とその作品を探る

あなたはすでに古典時代の三大人物、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの味を得ています。 彼らは古典的な時代の音楽を鑑賞するために不可欠であるように、他の才能のある作曲家やその時から注目に値する作品がありました。 あなたは古典的な作曲家の広い配列にのようなより深いために知っておく必要がある10の古典的な作曲家の私達のリストをチェックしてくださ

ここでの音楽サンプルが十分ではない（そしてそうではない）場合、我々はまた、すべての時間の中で最高の古典的な期間の組成物の20をまとめました。

どのようにいくつかの古典的な対称性とシンプルさのためにそれはです！

古典的な時代は、ロマンチックな時代のより個人的な探査のための基礎を設定します

フォームを標準化することの美しさは、彼らがさらなる革新のた 古典期自体の後期の段階でさえ、古典的な作曲家はすでに彼らが組織した非常に形で遊んでいました。

例えば、より大きなオーケストラは、強烈で壮大な表現のための車両になりました。 このように、ベートーヴェンからのいくつかの助けを借りて、それはロマンチックな時代の先駆けの触媒でした。 彼の交響曲第3番変ホ長調（エロイカ）を聴く。