The Importance of Classical Training in a Contemporary World

By Kristen Stevens

人々が古典的に訓練された歌手を考えるとき、いくつかのステレオタイプが気になるかもしれません。おそらく、テキサスの大きさのエゴを持つsquawky、square、musicianですか？ 大学プログラムを通じて古典的な訓練を受けた音楽教育者として、様々なスタイルやジャンルを研究し、そのほとんどを演奏しました; 私は古典的な技術がどのジャンルでも成功する方法であると確信しています。 古典的に訓練されたダンサーが現代ダンスで求められる方法で動くためにボディの彼らの制御を移すことができるのと同じように、私達はそれが組のpointeの靴で紐で縛られ、バレリーナの必要な動きを実行することができない現代ダンサーであることが分る。 古典的なダンサーのように、古典的な歌手は、要求されたジャンルやスタイルに彼らのボーカルテクニックを転送する能力を持っています。 クラシック歌手のキャスリーン-バトルがガーシュウィンのジャズ-ピース”サマータイム”を歌っている。

私の経験は現代と古典の両方の伝統に根ざしています。 様々なイベントのために演奏するように頼まれたとき、私の声は正しい文体の変曲と本物の音で歌うのに十分な可鍛性でなければならず、私に要求されているすべての音楽;私は私の古典的な訓練のために簡単にこれを行うことができます。 残念なことに、現代の歌手が古典的なスタイルに合わせて技術を移転することはまれであり、時には彼らの技術が非常に限られているため、それらを 最も才能のある現代的な演奏家でさえ、古典的なスタイルで歌おうとすると、文体の正確さを維持するのに苦労します。

耳はジャンルの間に大きな違いがあることを容易に区別することができますが、正式に音楽を訓練されていないほとんどの人は、耳が識別する違いを言葉に入れることが困難です。 以下では、さまざまな違いのいくつかをサンプルし、物事が彼らのように行われている理由を少し説明します。

電子増幅と強化

古典的な歌手と現代の歌手の間の最も顕著な違いの一つは、音声の音を増幅し、強化するための電子機器の使用です。 古典的な歌手は、彼らが自分自身を関連付けるための訓練、配置、および技術のために、マイクまたは他の電子エンハンサーを使用することはめったにあ ほとんどの場合、マイク/マイクがパフォーマンスで見られる場合、通常は増幅ではなく録音目的のためです。 しかし、パフォーマンス会場の規模が拡大しているため、非常に大きなアリーナや屋外イベントにマイクを使用することは徐々に受け入れられています。 また、音楽、オペラ、アートソングは、しばしば極端な、時にはテラスダイナミクス（非常に柔らかい音と非常に大きな音の間の急速なシフト）を必要とする このタイプの声は、通常、歌手から少なくとも20フィートである間に最も高く評価されます。

現代のボーカリストは、多くの場合、電子増幅に大きく依存しています。 これは主に音の配置とイントネーションによるものであり、増幅された楽器の使用はボーカリストと楽器のバランスの必要性に貢献します。 （私は次の声明を出す前に、私は世界で非常に才能のある現代のボーカリストがいることを認識していることを理解してください、残念ながら、彼らはラ）現代のアーティストは、多くの場合、このようにしてクリーンアップし、あなたがラジオや他のポータブル音楽デバイスで聞く製品を作成するために処理さ こういうわけで人々は彼らの好みのバンド/芸術家の実行者の生きているショーか音響セットを聞くとき時々失望することができる。

Diction

古典と現代の間で気づく大きな違いは、各エンティティのdictionの使用です。 現代音楽では、言語はしばしば、時には厳しい子音で区切られた別のものに実行している単語の長い、レガートストレッチを採用し、古典とは異なり、より多 現代の歌手の母音はまた、時にはいくつかの感情を描写するために使用されるいくつかの風変わりな効果やイディオムを作成するために変更され; “人生”という言葉は”lieeef”と発音しました。)

古典的な歌では、前述のように、典型的には鮮明な響きの子音がありますが、これは電子増幅の欠如によるものです。 歌手は、言語が識別されるだけでなく、理解することができるように、オーケストラや付随する楽器の音をカットするために子音を使用しています。 古典的な歌手は、子音ではなく母音で歌うよう努めており、しばしばディプトンの第二の音の発音を先延ばしにしています。 古典的な歌手はまた、彼らが歌うために必要とされる可能性のある様々な言語の正しい発音を確保するために、音楽と国際フェニキア文字（IPA）の両方を読

言語

作曲家のオリジナルデザインの本物の期間複製を提供するためには、古典的な歌手が複数の言語で演奏する必要があります。 歌手は、多くの場合、それらが関連付けられている音素（音声音の最小単位）を表現するために使用される様々な記号を説明するコースを取るでしょう（すな; 古典的な歌手はIPAの転写を読んで、彼らには母音”e”を”me”のように発音することを意味するか、おそらく彼らは記号を読んで”caramel”のように”uh”と発音します。”）正しい発音に加えて、歌手はまた、テキストの適切な変曲を可能にするために、単語の翻訳だけでなく、詩的な翻訳のための単語を研究する必要があり 多くの場合、観客は言語を理解していないので、顔の表情や身体のジェスチャーを通じて作品の感情を表現するためにアーティストに依存しているので、これは、おそらく正しい発音と同じように重要です。

現代の伝統では、歌は多文化の聴衆のためのものでない限り、通常は方言で歌われ、その場合、一部の歌手はコンサートやアルバムなどの一部を演奏する。 特定の言語では、セットの別の部分のために別の言語にシフトします。 方言で歌うことは、演奏者が変曲にもっと集中し、言語にあまり集中することを可能にする。 どちらのスタイルでも共通しているのは、公演が追求される前に音楽と言葉を記憶する必要があるということです。

ビブラート

ビブラートは、持続的なピッチに重畳された振動または振動です。 それは多くの場合、特定の声の輝く、震え、またはひらひらの品質として記述され、自然に任意の健康な声である程度発生します。 古典的な歌では、ビブラートは子音の直後に始まり、全体にわたって一貫したままである。 例外は、歌手がルネッサンスまたはバロック時代の作品を演奏している場合であり、その場合、純粋なトーンはより文体的に正しいかもしれない。 ビブラートは、イントネーションと古典的な歌手のための全体的なパフォーマンスの重要な構成要素です。

現代の歌手もビブラートの使用を採用していますが、音楽はより会話的であるため、ビブラートは通常、持続的なノートの終わりを装飾するために予約されています。 しかし、現代の歌手がより頻繁にビブラートを使用する機会があり、それは通常、非常に微妙であり、所望のダイナミックを維持しながら、コアサウンドではなく、風通しの良い音を確保するために、曲の柔らかい部分の間に劇的に使用することができます。

このビデオでは、インストラクター Kerri Hoは、一貫性のあるビブラートを開発するために頻繁に使用される技術を説明します。

Registers

古典的な歌では、声は単一の実体として鳴らなければならず、レジスタ間のシームレスな遷移があります。 練習と方法論の無数の時間は、私たちを突進し、私たちを引っ張って、私たちを押して、ジュリアはシームレスな移行を作成するためにpassagio（レジスタ間の遷移点）を介して私たちを子-ingと、古典的な歌手は、共鳴空間がバランスされており、上下のレジスタの両方へのアクセスがあるときに来る音の特異性のために努力しています。 本質的にこれは、彼らが歌っている任意のレジスタ内の同じ人に属しているように聞こえる声を維持するために努力することを意味します（すなわ; 胸の声ではイディナ-ミンゼルのように聞こえず、頭の声でパリス-ヒルトンのように聞こえます。)

現代では、シームレスなパサージオにはるかに少ない重点があり、多くの場合、胸の声は”ベルト”と呼ばれる音を作成する極端に運ばれます。”歌手が強い胸の声を持っていることは珍しいことではありませんが、頭の声の光、あまり集中していない音に顕著な飛躍をします。 しかし、現代の歌手がパッサージオをきれいに通過すると、人々はこれらの個人がそのような”強くて広い”範囲を持つことがどれほど才能があるかに気づ レジスタ内の”ブレーク”（あなたの声の何も実際に壊れていないので、私はこの用語を憎むが、むしろ特定のレジスタの終わりを指します）は、時にはドラマティ

共鳴空間

人間の体には、声帯からの振動が現れ、生成された音を増幅することを可能にする独自の共鳴空間が含まれています。 体には、すべての歌手が知っておくべき4つの主要な共鳴室が含まれています：頭、口、鼻、および胸。 これらはレジスタと混同してはいけません。 これらは、声に負担をかけることなく、特定のラウドネスを作成するのに役立つスペースです。

クラシック音楽では、利用可能なすべての共鳴空間に可能な限り多くの空間を作り出すことが目的です。 古典的な歌で使用されていない唯一の空間は、主に吸音実体として作用する軟部組織（顎および舌）による口の共鳴である。 空間を創造する行為は、喉頭を下げ、他の3つの共振器に完全にアクセスできるように軟口蓋を上げることによって達成される。 これらの共鳴空間の適切な使用は、増幅装置からの古典的な歌手の独立性をもたらす。

現代のジャンルは、それぞれ異なる共鳴空間を使用しています。 ポピュラー音楽では、音楽が会話的である傾向があるため、演奏者はしばしば口の共鳴、または話す共鳴で歌う。 音楽劇場では、配置は鼻/マスク共鳴にある傾向があり、非常に前方の音を持っています。 ロック、オルタナティヴ、リズム-アンド-ブルース、ジャズはすべて、ポピュラー音楽と同様にマイクに大きく依存しており、同様に共鳴は強調されていませんが、良いバランスが望ましいです。

音楽読書

音楽読書は、音楽読書（高音の第二の空間、またはGスタッフがAであることを知っている）だけでなく、古典的な歌手に必要ですが、古典的な歌手は音楽を読むことができることが期待されています（ページが指示するものを歌うことは、浸透しない聴覚なしで）。 私は音楽を読んで、任意のミュージシャンの訓練のような重要な部分であることを見つける理由は、あなた、アーティストは、音楽を作成し、解釈するために

いくつかの現代の歌手は、音楽を読んで、これは通常、そのカリキュラムの一部として音楽読書をプッシュする公立学校の音楽プログラムや音楽 通常、現代の歌手は音楽読書の基本的な要素を理解していますが、自分の音楽を作曲していない限り、それは強調されず、めったに評価されません。 音楽読書が必要であるが、audiation(か内部のヒアリング)の開発そして練習はまた学ばれなければならないまたは音楽読書は歌手に寄与しない。 時には、音楽の読書のスキルの欠如を補うために、現代の歌手は、音楽を学ぶために公聴会に大きく依存しているかもしれないが、一般的には、多くの場

テクニック転送

現代音楽を歌うことが多いのは驚きかもしれません。 私はまた、大学の歌の前に、私ははるかに挑戦的な音楽学校を作る、任意の古典的な訓練を持っていなかったことを認めなければなりません。 私の大学の経験の前に、私は頻繁に私の教会のための礼拝をリードし、いくつかの代替/ロック音楽を歌う何人かの友人といくつかのギグを行っていた、とはい、私はすべて間違っていた：私も、私は上のレジスタを持っていた知っていなかった-それはすべての胸の声だった。 言うまでもなく、プライベートボイスの私の最初の学期はかなりの闘争でした。 しかし、私のテクニックがしっかりしていた後、私は古典的なボーカルの歌の概念を現代の音楽スタイルに移すことができました。 私にとって、古典的な訓練の利点は、古典的なレパートリーに加えて、他のジャンルで自分自身を明らかにしました。 現代の歌の利点は次のとおりであった:私が音楽の多種多様を歌うことができることを意味したより広い範囲、不良な技術の結果として私の首の疲労か張力なしで長い一定期間のための異なった記録中の正しい歌。

私はまた、古典的でも現代的でも、すべての歌手が成功した独立したミュージシャンになるためには、いくつかの真実を含めるだろうと思った。

• あなたはあなたのレパートリーを有名にしたアーティストのように聞こえることはありません（そしてすべきではありません）。 あなた自身の独特な音と十分に快適である必要があり、その音をあなたの能力のベストに歌う度に起こらせる必要がある。 あなたのレッスンを記録し、早い段階で自分自身と自分自身を比較し、あなた自身の改善に基づいてあなたのパフォーマンスを評価することは常に
• 楽譜を読むことは重要です。 それはあなたの独立したミュージシャンになりますので、これは持っている非常に貴重なスキルです。 コピーされ、再コピーされた一枚の紙を見たことがありますか？ それは、ある意味では、私たちが自分のために音楽データを取得しないときに音楽に起こることです-私たちは他の誰かの解釈を聞く-またはコピーなので、 現代音楽のリヴで。 許容されますが、バリエーションを作成する前に、テーマを知る必要があり、その知識はページ上で得られます。
• あなたが歌っているジャンルの文体の特徴を知っている必要があります。 私はこれが非常に簡単のように思えるかもしれないが、ジャンルのトップパフォーマーに耳を傾け、彼らが表示するスタイルの特徴を観察することを知 これは何時に書かれましたか？ 彼らは頻繁に”実行”または書かれていない装飾を行うのですか？ 彼らはlibを行います。 もしそうなら、いつ文体的にそうするのが適切ですか？ 彼らは彼らの言葉を変えるのですか？ 彼らは非単語の音節を使用していますか？ 彼らは歌うか、ピッチ上でリズミカルに話すのですか？ ジャンルを別のものと異なるものにするものを決定するために、音楽を批判的に聴くことが重要です。

非古典的な背景から古典的な訓練に移行すると、古典的な方法を学ぶことが最も有益であることがわかりました。 音楽があなたの望ましい職業であることを決定すれば、大学レベルで遭遇する最も一般的な音楽プログラムはある程度の古典的な訓練を必要とし、あなたのクラスメートのほとんどはUIL、全州のソロ競技を通じてある程度この経験を持っていたでしょうし、いくつかは全米歌手協会（NATS）競技会で競争することさえあります。 それは提供することによって、彼らの音楽の旅に成功するための必需品と歌手を装備するので、私は古典的なトレーニングをお勧めします：音楽の読解力、耳の訓練、汎用性の高いテクニック、そして最も重要なのは、それらを幸せにするものは何でも歌うための独立性。Facebook