클래식 색소폰 사운드를 개발하는 방법

아마도 좋은 클래식 색소폰 성능에 대한 가장 매혹적인 것은 플레이어의 톤 품질입니다. 명확 하 고 아름 답 고 일관 된 톤은 뭔가 우리 모두를 위해 노력 하지만 어떻게 재생의 고전적인 스타일에 새로운 경우 이것을 개발 하기 시작 합니까?

소스로 이동

대부분의 것들을 배우는 것과 마찬가지로,가장 좋은 첫 번째 단계는 소스로 이동하는 것입니다. 그리고 고전적인 색소폰은 고전적인 전통을 설립 한”마스터 플레이어”를 연구하는 데 시간을내어 의미합니다. 제 생각에는 두 창립 고전 색소폰 아티스트는 프랑스 선수 마르셀 뮬,그리고 시구르드 래셔 재생의 독일 학교에서.

젊은 선수로서,나는 당시 함께 공부하고 있던 개인 강사를 통해 마르셀 뮬의 녹음을 발견했다. 뮬의 사운드와 스타일은 내 톤 개념의 기초가되었다.

“”순수한”클래식 색소폰 사운드는 오케스트라의 다른 악기에서 매우 영감을 받았습니다.”

그것은 마르셀 뮬 정말 색소폰에 비브라토의 사용을 실험하는 최초의 클래식 플레이어 것을주의하는 것이 흥미 롭다. 그의 경력 초기에 그는 비브라토없이 연주 한 다음 재즈 음악에 사용되는 비브라토를 듣고 오케스트라 지휘자가”진동”하도록 요청한 후 클래식 연주에 기술을 적용하기 시작했습니다. 사운드의 표현 요소로 비브라토의 기술은 고전적인 색소폰 톤 품질과 전통의 초석이되었다 무언가이다.

체크 아웃 우리의 기사 마르셀 뮬에 블로그 기사.

노새와 래셔를 모두 녹음 할 수 있습니다. 소리,음악 해석 및 전반적인 공연 기술에 대한 개념의 차이점을 듣는 것은 매우 흥미 롭습니다.

전통적인 클래식 음질의 개념을 개발하기 위해,당신은 단지 색소폰 녹음을 듣고에 의해 제한 될 필요가 없습니다. “순수한”클래식 색소폰 사운드는 오케스트라의 다른 악기에서 매우 영감을 받았습니다. 클래식 색소폰 사운드를 탐구하는 데 관심이있는 학생들은 플루트,오보에,클라리넷,바순,바이올린,비올라 및 첼로 아티스트의 세계적 수준의 녹음의 영향을받을 수 있습니다.
다른 위대한 클래식 연주자들의 말을 듣는 것은 영감을 줄 뿐만 아니라,우리는 클래식 사운드 전통이 무엇인지에 대한 개념을 흡수하여 우리 자신의 악기에 적용 할 수 있습니다.

올바른 장비 얻기

“순수한 음색”을 개발하기 위해서는 양질의 장비를 갖추어야 합니다. 제대로 밀봉하는 경적의 기본적인 전제조건 뿐만 아니라,너무 닫히지 않거나 너무 열리지 않는 마우스피스가 있는 것이 근본적이다. 또한 너무 부드럽거나 너무 단단하지 않은 갈대가 필요합니다. 궁극적 인 목표는 당신에게 당신이 당신의 머리에있는 톤 품질을 만들 수있는 자유를 제공하고 자연스러운 방식으로 사운드를 색상하지 않는 경적 및 마우스 피스 설정을하는 것입니다.

그것은 당신이 올바른 궤도에 있는지 확인하기 위해 설정을 선택할 때 교사 또는 지역 색소폰 전문가의 조언을하는 것이 좋습니다.

음색 발달

훌륭한 클래식 사운드는 엠부츄어,인후 부위,기류의 탁월한 제어에서 비롯됩니다.

우리는 모두 긴 톤 운동과 그 이점에 익숙합니다. 이들은 배음(최저,중간 및 최고)의 풍부한 혼합과 색소폰의 전체 범위에 걸쳐 톤의 일관성(균일)에 명확한 초점과 고전적인 사운드를 달성하기 위해 매우 중요한 매일 워밍업 기술이다.

“훌륭한 호흡 조절과 위치를 바꿀 수있는 편안한/열린 목구멍은 색소폰의 일관된 클래식 톤에 중요합니다.”

클래식 관악기 연주에 대한 성공적인 성능 태도와 전통은 항상 긴 톤에서 작업 할 때 마음에 가장 부유 한 클래식 사운드를 유지하고 모든 레지스터에서 각각의 모든 노트에 순수하고 심지어 톤을 위해 노력하는 것입니다. 색소폰에 좋은 클래식 사운드를 개발하려면 각 노트의 모든 측면을 통해 일관된 제어 할 필요가 있습니다: 풍부한 톤,억양,톤 품질의 균일 성,공격 및 릴리스. 이를 염두에두고 긴 톤 연습 중에 각 음표에 개별적으로 집중하십시오.

호흡 조절

우리는 매일 하루 종일 숨을 쉬지만,색소폰 연주에 흡입과 호기의 개념을 적용 할 때 우리는 얕은 것과는 반대로 완전 호흡에 집중하고 호기 과정을 제어하는 법을 배워야합니다.

수축/폐쇄 목구멍으로 이어질 수있는 복부에서 공기를 강제로 배출하기보다는 긴장을 풀고 공기가 더 지속적으로 자유롭고 개방적인 음색으로 흐르도록하는 것이 좋습니다. 훌륭한 호흡 조절과 위치를 바꿀 수있는 편안한/열린 목구멍은 색소폰의 일관된 클래식 톤에 중요합니다.

색소폰 기술이 발전함에 따라,연주 기술은 음질과 음악 라인을 제공 할 수 있어야한다는 것을 인식하는 것이 중요합니다. 톤과 테크닉을 두 가지 측면으로 생각하는 함정에 빠지는 것이 일반적이지만 세계적 수준의 아티스트는 기술 실습 전반에 걸쳐 일관되고 균일 한 톤 품질을 달성합니다.

긴 음색으로 작업하고 소리에 집중하는 것은 쉽지만 기술적 인 구절에서 운지법에 집중할 때 이러한 요소에 대한 인식을 잃습니다. 톤 품질,음악 예술성 및 기술은 완전히 얽혀 있어야합니다.

“나는 이 개념의 발달안에 원조하기 위하여 초심자 학생에게 색채 가늠자를 가능한 빨리 가르치고 싶는다.”

이러한 이유로,내가 가장 좋아하는 운동 중 하나는 전체 범위의 반음계를 재생하여 위의 개념을 결합하는 것입니다. 플레이어는 모든 레지스터에 걸쳐 일관된 톤을 유지하면서 에프#과#에 대한 반음계 핑거링을 사용하여 전체 악기의 범위를 연습 할 수 있습니다.

이 개념의 개발을 돕기 위해 초보 학생들에게 가능한 한 빨리 반음계를 가르치고 싶습니다. 중간 레지스터에 악기에 톤 제어의 특정 일관성이 있으면,학생은 모든 레지스터에 톤의 균일 성을 적용하는 방향으로 진행 할 수 있습니다.

색채 스케일은 또한 학생들에게 손가락 기술의 결함을 제거 할 수있는 좋은 기회를 제공합니다. 이러한 휴식(중간 씨와 옥타브 디 사이),손바닥 키,낮은 레지스터 씨 비비 등 어려운 기술적 인 전환을 통해 손가락과 소리의 균일 성을 지속적으로 인식하기 위해 노력하고 있습니다.

색채 대체 핑거링을 통합하는 것은 톤 품질의 일관성/균일 성을 유지하면서 훌륭한 기술 도구입니다.

간단하게 시작합니다. 이 색채 운동은 당신의 음색과 기술을 연결하는 것에 관한 것임을 기억하십시오. 당신이 모두를 마스터 할 수있는 템포로 연주하여 시작,그 전체 노트 또는 반 노트에있는 경우에도. 당신은 기술과 톤 모두에서 유창하게 전체 범위에 걸쳐 반음계를 연주의 궁극적 인 목표로 할 수있는 속도의 진행.

내 자신의 연습에서 나는 매일 반음계 스케일을 연주. 이동 내 기술을 얻으려면 나는 최대 레코딩 시간을 보내고 반음계 저울 아래로,하지만 결코 톤 품질의 비용으로!!

인터뷰에서 마르셀 뮬은 종종”라 소노 리트”에 대해 이야기했습니다. 제 생각에는,그와 세련된 음악적 해석은 다른 모든 이상 그를 몰고 일이었다. 그는 놀라운 기술을 가지고 있지만 결코 아름다운 소리를 희생하지 않았습니다. 그것은 우리 모두가 고전적인 색소폰 연주자로서 노력하는 너바나입니다.

토드 옥스포드

토드 듣기 제안:

마르셀 뮬 색소폰 사중주
마르셀 뮬의 솔로 앨범은 클라리넷 클래식 레이블
시구르드 래셔
장 마리 론데익스
하비 피텔
도널드 신타
프레드 헴케
유진 루소

다음 단계:

이 다운로드:반음계 워크 시트