현대 세계에서 고전 교육의 중요성

크리스틴 스티븐스

사람들이 고전적으로 훈련 된 가수를 생각할 때,몇 가지 스테레오 유형이 떠오를 수 있습니다:아마도 텍사스 크기의 자아를 가진 삐걱 거리는 광장 음악가일까요? 대학 프로그램을 통해 고전 교육을받은 음악 교육자로서,다양한 스타일과 장르를 공부뿐만 아니라,그들의 대부분을 수행하는 데; 나는 고전적인 기술은 어떤 장르에서 성공하는 방법이라고 확신합니다. 고전적으로 훈련 된 댄서가 현대 무용에서 요구되는 방식으로 움직이기 위해 신체의 통제력을 옮길 수있는 것처럼,우리는 한 쌍의 쁘띠 신발을 묶고 발레리나에 필요한 움직임을 실행할 수없는 현대 댄서라는 것을 알게됩니다. 클래식 댄서와 마찬가지로 클래식 가수는 자신의 보컬 기술을 어떤 장르 나 스타일로 요청할 수 있습니다. 클래식 가수 캐슬린 배틀 재즈 조각을 노래,여름,거쉰에 의해.

나의 경험은 현대와 고전 전통 모두에 뿌리를두고 있습니다. 다양한 이벤트에 대한 수행을 물었을 때,내 목소리는 올바른 문체의 굴절과 진정한 소리와 함께 노래 할 수있을만큼 가단해야합니다,나에게 요구되는 모든 음악;나는 때문에 내 고전 훈련에 쉽게이 작업을 수행 할 수 있습니다. 불행하게도,그것은 고전적인 스타일에 맞게 자신의 기술을 전송하는 현대 가수에 대한 드문,때로는 자신의 기술은 심지어 음악의 단수 스타일로 제한 할 수 있도록 제한됩니다. 가장 재능있는 현대 연주자조차도 고전적인 스타일로 노래하려고 할 때 문체의 정확성을 유지하기 위해 고군분투합니다.

귀는 장르 사이에 큰 차이가 있다는 것을 쉽게 구별 할 수 있지만,공식적으로 음악 훈련을받지 않은 대부분의 사람들은 귀가 식별하는 차이점을 말로 표현하는 데 어려움을 겪습니다. 아래 우리는 다양 한 차이점의 일부를 샘플 하 고 또한 왜 것 들 그들은 방식으로 이루어집니다 조금으로 이동 합니다.

전자 증폭 및 향상

고전 가수와 현대 가수의 가장 두드러진 차이점 중 하나는 전자 장비를 사용하여 음성의 소리를 증폭하고 향상시키는 것입니다. 클래식 가수는 자신을 연관시키는 훈련,배치 및 기술로 인해 마이크 또는 기타 전자 강화제를 거의 사용하지 않습니다. 대부분의 경우 마이크/마이크 성능에서 볼 수 있습니다,그것은 일반적으로 녹음 목적 보다는 증폭에 대 한. 그러나,성능 장소의 성장 크기로 인해,천천히 매우 큰 경기장 및 야외 이벤트에 대한 마이크를 사용하는 것이 더 허용되고있다. 음악,오페라 나 예술 노래,종종 극단적 인 때로는 계단식 역학(매우 부드럽고 매우 큰 소리 사이의 빠른 변화를 요구하기 때문에 그것은 또한 가수에 대한 좋은 사운드를 얻기 위해 오디오 엔지니어/사운드 승무원에 대한 매우 도전,)가수가 너무 놋쇠 또는 지적 소리없이 좋은 톤을 달성하는 것도 어렵다. 이 유형의 음성은 일반적으로 가수로부터 최소 20 피트 이상 떨어져있는 동안 가장 높이 평가됩니다.

현대 보컬리스트는 종종 전자 증폭에 크게 의존합니다. 이 소리의 배치와 억양에 주로 기인,또한 증폭 된 악기의 사용은 보컬리스트와 악기 사이의 균형에 대한 필요성에 기여한다. (나는 다음과 같은 성명을 발표하기 전에,나는 세계에서 매우 재능있는 현대 보컬리스트가 있다는 것을 알고 있음을 양해 해 주시기 바랍니다,불행하게도,그들은 거의 라디오에 들어없는 사람.)현대 예술가는 종종 따라서 다음 정리하고 라디오 나 다른 휴대용 음악 장치에서 듣는 제품을 만들기 위해 처리 스튜디오 녹음을 생성,자신의 보컬 오류를 해결하기 위해 보컬 향상 및 자동 튜너를 사용합니다. 이런 이유로 사람들은 때때로 그들이 좋아하는 밴드/아티스트 연기자 라이브 쇼 또는 음향 세트를들을 때 실망 할 수 있습니다.

딕션

고전과 현대 사이의 큰 차이점은 각 엔티티의 딕션을 사용한다는 것입니다. 현대 음악에서 언어는 종종 때로는 거친 자음으로 구분 된 다른 단어로 실행되는 긴 레가토 스트레칭을 사용하는 클래식과는 달리 더 자주 대화 형입니다. 현대 가수의 모음은 때때로 어떤 감정을 묘사하는 데 사용되는 몇 가지 기발한 효과 나 관용구를 만들기 위해 수정(즉,단어”머리”발음”헤이 이어”),또한 딥통의 두 번째 소리로 이동(두 모음 단일 음절에서 발생하는 소리,자음으로 분리되지 않음)정상적인 대화에서 사용되는 것보다 더 빨리(즉,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,음절,; “생명”이라는 단어는”리예프”로 발음됩니다.)

고전 노래에서,전술 한 바와 같이,일반적으로 선명한 소리 자음이,이 전자 증폭의 부족 때문이다. 가수는 자음을 사용하여 오케스트라 또는 동반 악기의 소리를 잘라내어 언어를 식별하고 이해할 수 있도록합니다. 클래식 가수는 모음이 아닌 자음에 노래를 노력하고,종종 딥 통의 두 번째 소리의 발성을 지연;그렇지 않으면 악보에 지시하지 않는 한이 표준입니다. 클래식 가수는 또한 그들이 노래해야 할 수있는 다양한 언어의 정확한 발음을 보장하기 위해 음악과 국제 페니키아 알파벳을 모두 읽습니다.

언어

작곡가의 독창적인 디자인을 그대로 재현하기 위해서는 클래식 가수가 여러 언어로 공연해야 한다. 가수는 종종 음소(음성 소리의 가장 작은 단위)를 표현하는 데 사용되는 다양한 기호를 설명하는 과정을 수강합니다.; 고전 가수는 아이파 전사에서 읽을 것이다,그들에게 그것은 모음을 발음하는 것을 의미”이자형”에서와 같이”나”또는 아마도 그들은 기호를 읽고 그것을 발음합니다”어”에서와 같이”카라멜.”)정확한 발음에 더하여,가수는 텍스트의 적절한 활용을 허용하기 위해 단어 번역뿐만 아니라 시적 번역 단어를 연구해야합니다. 종종 관객이 언어를 이해하고,따라서 얼굴 표정과 신체 제스처를 통해 작품의 감정을 표현하기 위해 작가에 의존하지 않기 때문에 이것은,정확한 발음만큼이나 중요하다.

현대 전통에서는 노래가 다문화 관객을 대상으로하지 않는 한 일반적으로 모국어로 노래되며,이 경우 일부 가수는 콘서트,앨범 등의 일부를 공연합니다. 특정 언어에서 집합의 다른 부분에 대해 다른 언어로 이동합니다. 모국어로 노래하면 연주자가 굴절에 더 집중하고 언어에 덜 집중할 수 있습니다. 두 가지 스타일 모두에서 공통적 인 것은 공연이 추구되기 전에 음악과 단어를 암기해야한다는 것입니다.

비브라토

비브라토는 지속 피치에 중첩된 진동 또는 진동이다. 그것은 종종 특정 음성의 반짝임,떨림 또는 펄럭이는 품질로 묘사되며 자연스럽게 건강한 음성에서 어느 정도 발생합니다. 클래식 노래에서 비브라토는 자음 직후에 시작되며 전체적으로 일관되게 유지됩니다. 가수가 르네상스 또는 바로크 시대의 작업을 수행하는 경우는 예외입니다.이 경우 순수한 음색이 더 문체 적으로 정확할 수 있습니다. 비브라토는 클래식 가수의 억양 및 전반적인 성능의 핵심 구성 요소입니다.

현대 가수는 또한 비브라토를 사용하지만 음악이 더 대화 적이기 때문에 비브라토는 일반적으로 지속적인 음표의 끝을 장식하기 위해 예약되어 있습니다. 그러나,현대 가수가 더 자주 비브라토를 사용하는 경우가 있습니다,그것은 일반적으로 매우 미묘하고 원하는 동적을 유지하면서,오히려 바람이 잘 통하는 소리보다 코어 사운드를 보장하기 위해 노래의 부드러운 부분 동안 극적으로 사용할 수 있습니다.

이 비디오에서 강사 케리 호는 일관된 비브라토를 개발하는 데 자주 사용되는 기술을 설명합니다.

레지스터

클래식 노래에서 음성은 레지스터 사이의 원활한 전환과 함께 단수 엔티티로 소리를해야합니다. 연습과 우리를 괴롭히는 방법론의 수많은 시간으로,우리를 당겨,우리를 밀어,줄리아 원활한 전환을 만들기 위해 파사지오(레지스터 사이의 전환 지점)을 통해 우리를 아이-보내고,클래식 가수는 공진 공간이 균형을 때 오는 소리의 특이점을 위해 노력하고 모두 상부 및 하부 레지스터에 액세스 할 수 있습니다. 본질적으로 이것은 그들이 노래하는 모든 레지스터에서 같은 사람에게 속한 것처럼 들리는 목소리를 유지하기 위해 노력한다는 것을 의미합니다(즉,; 가슴 목소리에있는 동안 이디나 민젤처럼 소리가 나지,다음 머리 목소리에 패리스 힐튼처럼 들리는.)

현대에서,원활한 파사지오에 훨씬 덜 강조가있다,종종 가슴의 목소리는 벨팅”이라고 소리를 만드는 극단적으로 수행된다.”가수가 강한 가슴 목소리를 가지고 있지만,머리 목소리의 빛,덜 집중된 소리까지 눈에 띄는 도약을하는 것은 드문 일이 아닙니다. 그러나 현대 가수가 파사지오를 깨끗하게 통과 할 때 사람들은 이러한 개인이 그러한”강하고 넓은”범위를 갖는 것이 얼마나 재능이 있는지 알아 차립니다. 레지스터에서”휴식”(당신의 목소리에 아무것도 실제로 깨진되지 않기 때문에이 용어를 싫어,오히려 특정 레지스터의 끝을 의미한다)은 때때로 극적인 효과를 만들기 위해 현대 예술가에 의해 사용된다.

공진공간

인체에는 성대의 진동이 발생되는 소리를 드러내고 증폭시키는 자체 공진공간이 포함되어 있다. 몸에는 모든 가수가 알아야 할 네 가지 주요 공진 챔버(머리,입,코 및 가슴)가 있습니다. 이들은 기록기와 혼동되면 안된다. 이들은 음성을 긴장시키지 않고 특정 소리의 크기를 만드는 데 도움이 공간입니다.

클래식 음악의 목적은 가능한 모든 공진 공간에 가능한 한 많은 공간을 만드는 것입니다. 고전적인 노래에 사용되지 않는 유일한 공간은 주로 흡음 실체 역할을하는 연조직(턱과 혀)으로 인해 입의 공명입니다. 공간을 만드는 행위는 후두를 낮추고 다른 세 공진기에 대한 전체 액세스 권한을 가지고하기 위해 부드러운 구개를 높임으로써 달성된다. 이러한 공진 공간의 적절한 사용은 증폭 장치로부터 클래식 가수의 독립성을 초래합니다.

현대 장르는 각각 공명 공간을 다르게 사용한다. 대중 음악에서 연주자는 종종 음악이 대화하는 경향이 있기 때문에 입 공명 또는 말하기 공명으로 노래합니다. 에 음악 극장,배치는 비강/마스크 공명,그리고 매우 앞으로 소리가 있습니다. 록,얼터너티브,리듬 앤 블루스,재즈는 모두 마이크에 크게 의존하고 있으며,대중 음악과 마찬가지로 공명은 강조되지 않지만 좋은 균형이 바람직합니다.

음악 읽기

음악 읽기는 클래식 가수에게 요구되며,음악 읽기(고음의 두 번째 공간 또는 지 스태프라는 것을 알고 있음)뿐만 아니라 클래식 가수가 음악을 읽는 것을 볼 수있을 것으로 예상됩니다(청각 장애없이 페이지가 지시하는 것을 노래하십시오). 당신,예술가,음악을 만들고 해석하기 위해 자신에 의존하고,누군가 다른 사람의 해석에 의존 할 필요가 없기 때문에 내가 어떤 음악가의 교육 등 중요한 부분이 될 음악 독서를 찾을 이유입니다.

일부 현대 가수는 음악을 읽고,이것은 일반적으로 교육 과정의 일환으로 음악 읽기를 밀어 공립학교 음악 프로그램이나 음악 스튜디오의 결과입니다. 그러나 일반적으로 현대가 수 음악 독서의 기본 요소를 이해,,그들은 그들의 자신의 음악을 구성 하는 않는 한,그것은 강조 하 고 거의 그것은 감사. 음악 읽기가 필수적이지만,개발 및 오디션(또는 내부 청각)의 연습뿐만 아니라 배워야한다 또는 음악 읽기가 가수 도움이되지 않습니다. 때때로,음악 읽기 기술의 부족을 보상하기 위해,현대 가수는 음악을 배울 수있는 청문회에 더 많이 의존 할 수 있지만,일반적으로 종종 즉흥적으로 쉽게 해방을 할 수 있습니다.

테크닉전승

현대음악을 자주 불러야 한다는 것은 놀랄 일이다. 나는 또한 대학 노래하기 전에,나는 어떤 고전 교육을하지 않은 것을 인정해야한다,음악 학교는 훨씬 더 도전 만들기. 내 대학 경험에 앞서,나는 자주 내 교회에 대한 예배를 주도하고 몇 가지 대안을 노래 친구들과 몇 공연을 수행했다/록 음악,그리고 네,내가 잘못 모든 것을했다:나는 심지어 내가 상위 레지스터를 가지고 몰랐다-그것은 모든 가슴 음성이었다. 말할 필요도없이,개인 음성의 첫 학기는 꽤 투쟁이었다. 내 기술은 고체 그러나 후,나는 음악의 내 현대적인 스타일로 클래식 보컬 노래의 개념을 전송 할 수 있었다,그리고 놀랍게도 많은,나는 훨씬 더 소리가났다. 나를 위해,고전 교육의 장점은 고전 레퍼토리뿐만 아니라 다른 장르에 자신을 각성. 현대 노래 혜택 포함:확대 범위,이는 내가 음악의 넓은 다양성을 노래 할 수 의미,잘못된 기술의 결과로 내 목에 피로 또는 긴장없이 오랜 기간 동안 다른 레지스터에 걸쳐 올바른 노래.

나는 또한 모든 가수가 성공적이고 독립적 인 음악가가 되려면 고전적이든 현대적이든 반드시 받아 들여야 할 몇 가지 진리를 포함 할 것이라고 생각했다.

• 당신은 당신의 레퍼토리를 유명하게 만든 예술가처럼 들리지 않을 것입니다. 당신은 당신의 자신의 독특한 소리와 함께 충분히 편안 할 필요가,당신은 그 소리가 당신의 능력의 최선을 당신이 노래 할 때마다 일어날 수 있도록해야합니다. 그것은 항상 당신의 수업을 기록 하 고 이전 단계에서 자신에 게 자신을 비교 하 고 자신의 개선에 따라 귀하의 성능을 평가 하는 것이 좋습니다.
• 악보를 읽는 것이 중요합니다. 이것은 당신을 독립적 인 음악가로 만들기 때문에 가질 수있는 귀중한 기술입니다. 혹시 복사,다시 복사 된 종이를 본 적이 있습니까? 그것은 각 사본으로 점점 더 흐릿 도착-의미에서,즉 우리가 우리 자신에 대한 음악 데이터를 얻을 수없는 경우 음악에 무슨 일이-우리는 누군가 다른 사람의 해석을 듣고-또는 복사,따라서 우리가 이것에 의해 달성하기 위해 희망 할 수있는 모든 작곡가는 원래 전달하려고 한 개념의 약간 더 왜곡 된 이미지입니다. 현대 음악 라이브러리. 는 허용하지만,변화를 공예하기 전에,당신은 테마를 알 필요가 있고,그 지식은 페이지에서 얻을 수있다.
• 당신은 당신이 노래하는 장르의 문체의 특성을 알고 있어야합니다. 나는이 생각할 필요도없는 것처럼 보일 수 있습니다 알고 있지만,장르의 최고 공연을 듣고 그들이 표시 스타일의 특성을 관찰. 이 글은 어떤 시간에 작성되었나요? 그들은 자주”실행”또는 기록되지 않은 장식을합니까? 그들은 해방 마십시오. 그렇다면,언제 문체 적으로 그렇게하는 것이 적절합니까? 그들은 그들의 말을 바꾸는가? 그들은 비 단어 음절을 사용합니까? 그들은 노래,또는 피치에 리드미컬하게 말합니까? 장르가 또 다른 한개와 다른 시키는 무슨이 결정하기 위하여 음악을 비판적으로 듣는 것이 중요하다.

비고전적 배경에서 고전적 훈련으로 전환하면서,나는 고전적 방법을 배우는 것이 가장 유익하다는 것을 발견했다. 당신은 음악이 원하는 직업이라고 결정하는 경우,당신은 대학 수준에서 발생하는 가장 일반적인 음악 프로그램은 고전 교육의 어느 정도를 필요로,당신의 급우의 대부분은 어느 정도 중 하나를 통해 어느 정도이 경험을했을 것이다,모든 상태 솔로 대회,일부는 심지어 가수의 교사의 전국 협회에서 경쟁 할 수있다(나츠)대회. 음악 읽기 능력,귀 훈련,다양한 기술,그리고 가장 중요한 것은,독립 그들을 행복하게 무엇이든 노래:이 제공하여 자신의 음악 여행에 성공하기 위해 필수 가수를 갖추고있다 때문에 나는 고전 교육을 권장합니다.

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