12 Great Coming-Of-Age Movie Final-Scene Songs

Et av skriveprosjektene jeg har jobbet med denne vinteren Er Last Nine, Et coming-of-age manus jeg har chipping bort på i mer enn et tiår nå. Bygget rundt en enkelt hendelse jeg husker fra min high school spansk klasse da jeg var 17 år gammel, Last Nine forteller historien om en tenåring hvis verden begynner å skifte når han gjør en ny gruppe venner i ukene like før han oppgraderer fra videregående skole.

selv om jeg vet at manusforfattere har liten kontroll over lydsporet når filmen er produsert, har Jeg skrevet Siste Ni med den forstand At Woody Guthries cover Av Carter-Familiens “Will You Miss Me When I ‘m Gone”, vil spille som tegnene samles for siste gang, i den endelige scenen. Denne dystre, sentimentale folkesangen vil sette akkurat den rette tonen — eller, mer nøyaktig, den rette følelsen av ironisk sammenstilling-som tegnene forlater hjemmet (på egen måte) for første gang.

Musikk spiller en viktig rolle i alle filmer, men individuelle sanger har alltid hatt en spiss tilstedeværelse — og psykisk resonans — i kommende alderfilmer. Noen av mine sterkeste minner som filmgjester har kommet i de uutsigelige øyeblikkene når en strategisk valgt sang intensiverer den følelsesmessige effekten av en hel film.

jeg har listet opp mine 12 favoritt end-of-movie song moments her, sammen med mine tanker om hvorfor disse musikkvalgene var så effektive. Jeg har fokusert på frittstående sanger i stedet for filmmusikk, som etterlater en håndfull resonansfilmer som slutter med variasjoner på historiens temamusikk (Som Maurice Jarres rørende tema Til Dead Poets Society, Og Nicholas Britells hjerteskjærende ledemotiv fra Moonlight). Jeg har spesifisert dem her mindre av “rang” enn av hvordan jeg har kommet for å huske dem.

Simple Minds’ “Don’ t You (Forget About Me)”, Fra The Breakfast Club

Dette er en quintessential end-of-movie sang, fra en quintessential teen-film ending-scene, skrevet og regissert Av quintessential teen-film auteur John Hughes. Jeg husker å se The Breakfast Club PÅ VHS i en alder av 15, i 1986, og tenkte At Hughes hadde oppnådd noe enestående og sant til tenåringslivet.

År senere føles det som de konfessjonelle soliloquies (og plutselig romantisk sammenkobling) blant De forskjellige tegnene Til Breakfast Club var mer idealiserte enn realistiske. Likevel er det ingen tvil om at Det var en banebrytende film når Det gjelder Hvordan Amerikanske tenåringer — og deres frykt, håp og bekymringer — ble portrettert på skjermen. “Ikke Glem Meg” understreker innsatsen (hvem er disse barna ,og hva vil de bety for hverandre etter i dag?) Under filmens klimaks øyeblikk av symbolsk opprør: Brian leser hans” du ser oss som du vil se oss ” essay i en voice-over som Bender pumper sin knyttneve i luften og rulleteksten.

Interessant nok var Det Skotske rockebandet Simple Minds i utgangspunktet motstandsdyktig mot å spille inn sangen, som ble komponert av produsent Keith Forsey og gitarist Steve Schiff (Bryan Ferry og Billy Idol hadde allerede avslått muligheten). De til slutt angret under press fra sitt plateselskap, og bandet er nå husket for denne sangen — og måten det fremkaller triumferende endelige bildet Av The Breakfast Club.

Ben E. Kings “Stand By Me”, Fra Stand By Me

Mens ” Don ‘ t You (Forget About Me)” spilte både i begynnelsen Og slutten av The Breakfast Club, spilte Forskjellige varianter Av Ben E. Kings selvtitulerte soul-melodi Gjennom Stand By Me. Jeg var 15 på 16 da jeg først så denne filmen, og på en eller annen måte fant jeg disse fire tegnene (som var 12 på 13) å være dypt, bevegelige relatable.

Essayisten Louis Menand har skrevet (i sammenheng Med Salinger ‘ S Catcher in The Rye) at nostalgi er på sitt sterkeste når vi fortsatt er unge, Og Stand By Me forlot den 15 år gamle meg som lengtet etter personen jeg var i en alder av 12 år. Dette er ikke en spesielt glad film — det handler tross alt om en gruppe gutter som drar ut for å finne en død kropp-men noe om måten tegnene konfronterer bestått av sin egen prepubescent ungdom, fikk meg til å savne min egen.

Jeg hadde ingen anelse Om At Stand By Me var basert på En Stephen King-novelle da jeg først så det, men i ettertid er kjerneplottet — unge tegn som går av seg selv, uten voksne, for å komme inn i eventyr og kjempe mot sine demoner — føles veldig tro mot sitt større arbeid. En slags nostalgi suffuses filmens fortelling, ikke bare i det faktum at severdighetene og sangene fremkaller småby-Amerika i slutten Av 1950 — tallet-men også i det faktum at historien er fortalt av den voksne Gordie (Richard Dreyfuss), som ser tilbake på sin ungdom etter å ha lest om barndomsvennens død.

akkurat som “Don’ t You (Forget About Me)” understreker vennskapets tenuousness i The Breakfast Club, tjener sangen “Stand By Me” til slutt å sørge for evanescence av båndet mellom de fire guttene i filmen, og bidrar til å artikulere følelsen Av tap King prøver å beskrive i åpningslinjene i sin novella:

“det viktigste er det vanskeligste å si. De viktigste tingene ligger for nær hvor ditt hemmelige hjerte er begravet, som landemerker til en skatt dine fiender ville elske å stjele bort. Og du kan gjøre åpenbaringer som koster deg dyrt bare for å få folk til å se på deg på en morsom måte, ikke forstå hva du har sagt i det hele tatt, eller hvorfor du trodde det var så viktig at du nesten gråt mens du sa det. Det er det verste, tror jeg. Når hemmeligheten forblir låst inne, ikke for mangel på en teller, men for mangel på et forståelsesør.”

Foghats “Slow Ride”, fra Dazed And Confused

the passage of time har alltid vært en tematisk besettelse for regissør Richard Linklater, fra hans breakout film Slacker (se nedenfor), Til Hans Før Soloppgang/Solnedgang/Midnatt trilogi, til hans innovative flerårige kommende-of-age prosjekt Boyhood. Den stort sett plottfrie Dazed and Confused foregår i løpet av en enkelt 24-timers periode som følger flere sammenhengende grupper Av Texas tenåringer på den siste dagen i 1976 skoleåret. Musikken her er periodespesifikk og pitch-perfekt, Fra Aerosmiths “Sweet Emotion” i åpningsscenen, helt opp gjennom den berusende Foghat-hymnen som blasts i Mitchs hodetelefoner som Vi ser Wooderson, Pink, Slater og Simone cruise på en åpen motorvei før kreditter ruller.

jeg så Dazed og Confused uken den kom ut, høsten 1993, da jeg bodde I Seattle — og jeg gikk ut av teatret i en tåke, som om jeg hadde blitt transportert tilbake til Kansas-ungdommen fem år tidligere. På en eller annen måte fremkalte Linklaters fiktive 1976 perfekt hva 1988 føltes som meg da jeg var i 1993. Nå-25 år senere-Dazed and Confused fremkaller 1993 for meg så mye som noe, selv om det fortsetter å fremkalle minner fra 1988 (og 1976). Merkelig nok var 1993 et utrolig særegent år for meg-jeg var 22, jeg hadde nettopp uteksaminert college, og jeg jobbet som landscaper I Seattle på toppen av grunge — men en del av måten jeg opplevde det var ved å lengte etter en annen, mer provinsiell (og mange måter mindre interessant) tid i mitt eget liv.

den mest ikoniske linjen I Dazed and Confused kommer fra Den lenge siden graderte hanger-on Wooderson (spilt av En ukjent Matthew McConaughey), som sier: “Det er det jeg elsker om disse videregående jentene, mann. Jeg blir eldre, de forblir i samme alder.”Et kvart århundre senere kunne Det samme sies om filmens tegn, Wooderson inkludert: barna jeg ser på skjermen, blir ikke eldre, noe som bare understreker måten the Way Dazed fortsetter å minne meg om flere ganger i mitt eget liv-flere, fjerntliggende øyeblikk av å være i live-når jeg blir eldre.

Som en fotnote her, Var Foghats “Slow Ride “ikke ment å være det avsluttende sporet Til Dazed and Confused, Men Linklater kunne ikke sikre rettighetene Til Led Zeppelins” Rock and Roll ” (som historien går, gitarist Jimmy Page var bra med det, men sanger Robert Plant ville ikke logge av). Man kan forstå hvorfor Linklater vil ha denne sangen til filmen (som selv ble oppkalt Etter En Led Zeppelin-sang), men i ettertid er “Slow Ride” en ganske perfekt måte å avslutte filmen på.

Eddie Vedders “Hard Sun”, Fra Into The Wild

jeg kom sent til Sean Penns filmtilpasning Av Into The Wild-i stor grad fordi jeg ikke trodde det ville ha mye nytt å tilby, etter å ha allerede lest Og likte Jon Krakauers bok. Da jeg endelig så på det, påvirket filmens skildring Av Alexander Supertramps dømt Amerikanske pilegrimsreise meg på en måte som var langt mer intuitiv og personlig enn boken. Det er kraften i filmer, tror jeg, i hvert fall når de fungerer bra: de fanger følelsen på en måte som går utover faktisk eller intellektuelt innhold.

Det vil si at Mens Krakauers bok var engrossing, var filmversjonen Av Into The Wild relatable på en måte jeg ikke hadde forventet å være. På den skrevne siden kunne jeg se Hvordan Christopher MacCandless liv kunne lignes på mitt eget (jeg var 21 den måneden han døde, og hadde gått på soloturer i Washingtons Olympiske Halvøy samme sommer), men på skjermen føltes det som om hans livsreise var uadskillelig fra de samme berusende idealer som sendte meg ut på min egen vagabonding-sti på omtrent samme tid i livet. Som Chris, jeg hoppet tog og vandret Den Amerikanske Vesten da jeg var i begynnelsen av tjueårene, tegning min inspirasjon fra dog-eared volumer Av Thoreau Og Whitman og Edward Abbey. Som Chris var jeg avhengig av nyhet og mulighet; jeg satte meg gjennom utallige små selvinitiativer i villmarken, og jeg fant noe hellig i min gradvise opphopning av eventyr.

jeg har ofte sagt At Vagabonding, boken som resulterte fra mine ungdommelige vandringer, var ment som et slags brev til mitt 17 år gamle selv-og etter å ha sett Inn I Naturen ble jeg påminnet om hvordan når du er ung, er det to iboende farer for den ungdommelige trangen til frihet og renhet. Den ene er at du vil være for sjenert til å faktisk bryte fri og vandre — men den andre er at du vil over-romantisere reisen når den er i gang, noe som kan være mindre enn ideelt for både deg selv og folkene du forlater. Into The Wild, både boken og filmen, tjener som en slags advarsel mot denne impetuøse, skråsikre, selvmytologiserende romantikken-selv Om Chris historie fortsetter å inspirere en rekke pilegrimer og imitatorer.

Med tanke på Hva som skjedde Med MacCandless/Supertramp, Er Into The Wild en bestemt mørk kommende historie, Men På en Eller Annen måte Eddie Vedders folky score-og spesielt hans sjelfulle dekning av Gordon Petersons “Hard Sun” i den endelige scenen — underbygger historien med en håpfull følelse av eksistensiell lengsel.

Freedy Johnstons “Bad Reputation”, fra Sparking Og Skriking

Rundt tidlig på midten av 1990-tallet ble en rekke selvbevisste hipfilmer laget med” Generation X ” -ungdomsmarkedet i tankene — tenk Reality Bites, Singler, Empire Records, etc. – men få var så morsomme og gripende som Sparking og Skriking, indie auteur Noah Baumbachs debut i 1995. Det handler om en gruppe på fire venner som ikke helt kan forlate college etter å ha uteksaminert — men dens loquaciously deprimerte (og affably clueless) tegn epitomze den eksistensielle stasen som kan gripe unge menn i det øyeblikket de skal gjøre noe av seg selv i livet.

en sentimental del av meg er overbevist om at jeg så denne svært relatable filmen på nøyaktig samme fase av livet Som Grover, Max, Otis og Skippy, sin kvartett av nylig oppgraderte tegn. I sannhet så jeg det nesten tre år etter college-eksamen, mens jeg ble sittende fast i et personlig/profesjonelt dødpunkt mellom den vellykkede gjennomføringen av min første vagabonding-reise, og min eventuelle flytte til Korea for å lære engelsk (og forlenge mine vagabonding-eventyr).

Sparking og Skriking handler delvis om det plutselige tapet i sosial status som følger med oppgradering, når man kastes ut av den lille dammen på college og inn i livets bølgende hav — og på en eller annen måte gjorde karakterenes selvpålagte lammelse og lidelse i møte med resten av livet, min egen situasjon litt mer tålelig. De fire hovedpersonene bærer alle sportsjakker — Som Om Baumbach har notert, De er barn som leker ved å være voksne — og jeg ble så tatt av denne påvirkningen at jeg kjøpte en sportsjakke til å ha på jobb da Jeg slo av For Korea i slutten av 1996.

de desidert mest modne tegnene I Sparking og Skriking er hovedpersonens langmodige kjærester, og filmens klimaks øyeblikk kommer Når Grover (Spilt Av Josh Hamilton) endelig bestemmer Seg for å gå og bli med Sin tidligere elsker Jane (Olivia D ‘ Abo) i Praha. “Det vil gjøre en god historie om mitt unge voksne liv,” Sier Grover da Han psyker seg opp på flyselskapets teller. “Du vet, den tiden jeg valgte å gå Til Praha.”

denne nest siste (Og til slutt, For Grover, ikke-helt aktualisert) flyplassavgangsscenen blir etterfulgt av en av mine all-time favorittfilmendringer-en diskret flashback som beskriver øyeblikkene før Grover og Janes første kyss mange måneder tidligere. Det høres corny selv bare å skrive det her, men på en eller annen måte — i øyeblikket like Før Johnstons “Dårlige Rykte” sparker Inn — Grovers soliloquy Til Jane om å ønske at De var et gammelt par (etterfulgt Av Janes selvbevissthet om hvorvidt hun skal ta ut sin beholder) slår den ideelle tonen av romantisk klosset.

Led Zeppelins “Tangerine” Fra Almost Famous

Cameron Crowes stort sett autografiske fortelling om å reise Amerika via rock-n-roll tour-bus som en 15 år gammel Rolling Stone-journalist er ikke så direkte relatable som de andre kommende filmene jeg har nevnt, men det er like gøy. Mange av filmens beste øyeblikk henger på musikk – kanskje ingen så ekstatisk som når hele kastet skriker sammen Med Elton Johns “Tiny Dancer” etter et band fallout (og reunion) I Topeka-og Led Zeppelins “Tangerine” gir en fin coda til Øyeblikket Will Miller (Patrick Fugit) og Russell Hammond (Billy Crudup) endelig — etter så mange miles på veien sammen — setter Seg ned På Wills hjem for å diskutere musikk på en åpenhjertig måte.

The Faces ‘”Ooh La La” Fra Rushmore

Mye har blitt sagt om regissør Wes Andersons visuelle stil, men hans musikalske valg er like særegne — Og I Rushmore, Andersons ikoniske 1998 sophomore innsats, er filmens lydspor like mye av et tegn Som Jason Schwartzmans overachieving teen Max Fischer, Eller Bill Murrays middelaldrende mogul Herman Blume. Vår introduksjon Til Maxs overblown ekstracurricular ambisjoner ville ikke være det samme uten årboken montasje satt Til Creation ‘ S “Making Time”, og Max-versus-Herman revenge-sekvensen oppnår sin bittere kulminasjon til melodien Av The Who ‘ S “En Rask en, Mens Han Er Borte.”Rushmore siste scene finner sin fullbyrde tone takket Være Ansikter’ bittersøt 1973 melodi ” Ooh La La.”

The Magnetic Fields’ “Tristeste Historie Noensinne Fortalt,” Fra Myten Om Den Amerikanske Sleepover

David Robert Mitchells breakout film var en skummel 2014 ungdoms-sex horror film kalt It Follows — men hans filmdebut kom tre år tidligere, med utgivelsen Av The Myth Of The American Sleepover, som ble skutt I Michigan på et shoestring budsjett og aldri gikk inn i bred teatralsk utgivelse. Jeg skjedde å se det ved dumb chance på Angelika Film Center mens jeg besøkte New York sommeren 2011, og jeg ble enamored av måten denne undervurderte filmen (full av ukjente skuespillere) fanget noe konkret og resonant om tenåringslivet.

ironien her er at Det er en bevisst vaghet til Myten Om Den Amerikanske Sleepover, siden det ikke ser ut til å finne sted i en bestemt tidsperiode. Det føles litt moderne, for eksempel, men ingen av tegnene bruker mobiltelefoner eller Internett-og sensommeren” sleepovers ” underforstått av tittelen føles sjarmerende og anakronistisk, selv om erfaringene tegnene har der, føles følelsesmessig spesifikke og relevante. Sleepover har ikke en epiphanisk slutt som The Breakfast Club( eller en ebullient som Dazed and Confused), men Magnetic Fields ‘”Tristeste Historie Noensinne Fortalt”, kombinert Med Balthrop, Alabama ‘ S “Love To Love You”, slår det rette følelsesmessige notatet til denne overraskende påvirkende filmen når kreditter ruller. (Begge sangene er også med i filmens trailer.)

Horst Wende og Hans Orkesters “Skokiaan”, fra Slacker

Richard Linklaters andre film kvalifiserer knapt som en kommende-of-age film, siden Slackers kamera sjelden henger på en karakter veldig lenge, og ingen av dem ser ut til å forvandle seg på noen merkbar måte. Likevel er det noe gledelig og energigivende om filmens endelige sekvens, når en gruppe ungdommelige figurer filmer seg selv og kjører (og deretter klatrer) til toppen Av Mount Bonnell nær Austin. “Skokiaan” er en 1947 poplåt av Zimbabwes musiker August Musarurwa, og Den mest berømte gjengivelsen er Sannsynligvis Louis Armstrongs 1954-versjon – men tysk bandleder Horst Wendes peppy 1958-omslag treffer en fin retro tone for de siste rammene Av Slacker.

I DVD-kommentarsporet til filmen sier Linklater at Denne siste sekvensen-som ser ut til å presage måten unge mennesker i smarttelefonalderen hyperdokumenterer sine egne liv – ble inspirert av En Bill Daniel kortfilm. Linklater hadde håpet å dekke filmen med Peggy Lees 1969-tolkning Av Leiber og Stollers ” Er Det Alt Det Er?”Men måtte betale for “Skokiaan” og Butthole Surfers “Strangers Die Everyday” da han ikke kunne sikre seg rettigheter til Lee-sangen. Til øret mitt gir de skumle stammene Til “Strangers Die Everyday” en bedre følelsesmessig tekstur som Slacker credits roll, siden ” Er Det Alt Som Er?”føles litt på nesen for en slik quirky film.

Third Eye Blinds “Semi-Charmed Life”, Fra American Pie

Selv Om Paul Og Chris Weitzs teen-sex komedie American Pie kom ut I 1999, føles det veldig mye som en film fra 1980-tallet-og det var sannsynligvis siste gang jeg så en tenåringsfilm med en svakt tenårings følsomhet. Den sanneste hyllest Til Amerikansk tenåringsliv som kom ut i 1999 var ikke en film – DET VAR TV-showet Freaks and Geeks (som i mitt sinn var den sanneste på skjermen fremkalling Av Mellomamerikansk ungdom noensinne laget). Likevel, mens de komiske hyperbolene Til American Pie ikke ringer like sant som Freaks and Geeks, var det en herlig underholdende coming-of-age-by-trying-to-lose-your-virginity-film.

jeg hadde vært backpacking Rundt Asia Og Øst — Europa for det meste av 1999, og mens jeg nok var litt for gammel, setter jeg pris på lydsporet, sangene som har i filmens siste scene-Third Eye Blinds “Semi — Charmed Life” og Bare Naked Ladies’ “One Week”-ta meg tilbake til det året jeg tilbrakte å vandre Øst (som Gjør andre one-hit wonders fra rundt samme tid, Som Fatboy Slims “The Rockafeller Skank”, Blink-182s “All The Small Things” chumbawamba ‘s tubthumping “smash mouths” Walkin’ on the sun “og the verves” bitter sweet symphony”.”

Yello ‘S” Oh Yeah”, fra Ferris Bueller ‘S Day Off

jeg elsket Positivt Ferris Bueller’ S Day Off da Den kom ut i 1986, og det er fortsatt en av mine favoritt ungdomsfilmer. Folk har i ettertid disparaged Ferris Bueller karakteren som litt av en privilegert snot-men det var klart for meg selv som tenåring at Ferris Buellers Fridag var mindre en realistisk kommentar til tenåringslivet enn en lunefull fantasyfilm som satte seg for å ha så mye moro som mulig med sin premiss.

Videre er Det lett i ettertid å glemme hvor enestående En Karakter Ferris var: På en tid da ungdomsfilmer i generasjoner hadde karakterisert hovedpersoner når det gjelder klikkdrevne stereotyper, Var Ferris unik for seg selv – en smart, quirky ,hyper-artikulert (og ikke nødvendigvis atletisk eller hyper-maskulin) venn til alle som gikk gjennom verden på den irrepressible styrken av sin egen karisma. “Oh Yeah,” Yellos enestående rare instrumentalspor, satte den perfekte end-of-film tekstur som kreditter rullet og Rektor Rooney fikk sin comeuppance (Og Ferris selv skutt oss ut av teatret).

David Bowies “Heroes” Fra The Perks Of Being a Wallflower

av grunner jeg ikke fullt ut kan forklare, oppdaget jeg Og leste (og elsket) Stephen Chboskys 1999 ya-market roman The Perks of Being a Wallflower da jeg var i slutten av trettiårene. Hovedpersonen er en freshman misfit som sømløst faller inn med en haug med hip seniorer (og på en eller annen måte har overmenneskelig fysisk styrke). Ennå, nifs, på et følelsesmessig nivå historien er spot-on i sin fremkalling av ungdom lengsler, særlig som uttrykt gjennom sanger Som The Smiths ‘” Sover.”

filmversjonen Av Wallflower, som ble regissert Av Chbosky selv, fungerte ikke helt for Meg-selv om den siste scenen (Når Charlie raser gjennom Pittsburghs Fort Pitt-Tunnel på baksiden av en pickup, og erklærer, i voice-over, at “vi er uendelige”) gir en flott slutt. I boken finner denne scenen sted Til Fleetwood Macs “Landslide”; i filmen blir sangen byttet ut Med David Bowies “Heroes” — og det er et valg som slår den perfekte tonen som filmen kutter til kreditter.