Betydningen Av Klassisk Trening I En Moderne Verden

Av Kristen Stevens

Når folk tenker på en klassisk utdannet sanger, noen stereo-typer kan komme til tankene: kanskje en squawky, square, musiker med et ego på Størrelse Med Texas? Som musikkpedagog som har gjennomgått klassisk trening gjennom høyskoleprogrammet, studerte ulike stiler og sjangere, samt å ha utført de fleste av dem; Jeg er overbevist om at en klassisk teknikk er måten å lykkes i noen sjanger. På samme måte som den klassisk trente danseren kan overføre sin kontroll over kroppen for å bevege seg på den måten som kreves i moderne dans, finner vi at det er den moderne danseren som ikke kan spenne på et par pointe sko og utføre bevegelsene som kreves av en ballerina. Som den klassiske danseren, den klassiske sangeren har evnen til å overføre sin vokalteknikk til hva sjanger eller stil er forespurt. Klassisk sanger Kathleen Battle synger jazz stykke, Summertime, Av Gershwin.

min erfaring er forankret i både moderne og klassisk tradisjon. Når jeg blir bedt om å utføre for ulike arrangementer, må stemmen min være formbar nok til å synge med riktig stilistisk bøyning og ekte lyd, all den musikken som er forespurt av meg; jeg kan gjøre dette med letthet på grunn av min klassiske trening. Dessverre er det sjelden at den moderne sangeren overfører sin teknikk for å passe til den klassiske stilen, og noen ganger er teknikken så begrenset at den til og med kan begrense dem til en enestående musikkstil. Selv de mest talentfulle samtidskunstnerne sliter med å opprettholde stilistisk korrekthet når de forsøker å synge i klassisk stil.

øret kan lett skille at det er store forskjeller mellom sjangrene, men de fleste som ikke har blitt formelt trent i musikk har problemer med å sette ord på forskjellene som øret identifiserer. Nedenfor vil vi prøve noen av de ulike forskjellene og også gå inn i en liten bit av hvorfor ting er gjort slik at de er.

Elektronisk Forsterkning Og Forbedring

en av de mest merkbare forskjellene mellom den klassiske sangeren og den moderne sangeren er bruken av elektronisk utstyr for å forsterke og forbedre lyden av stemmen. Den klassiske sangeren bruker sjelden en mikrofon eller andre elektroniske forsterkere på grunn av trening, plassering og teknikk som de forbinder seg med. Mesteparten av tiden hvis en mikrofon/ mikrofoner blir sett på en forestilling, er det vanligvis for opptaksformål i stedet for forsterkning. Men på grunn av den økende størrelsen på ytelse arenaer, er det langsomt blitt mer akseptabelt å bruke mikrofonen for svært store arenaer og utendørs arrangementer. Det er også svært utfordrende for lydteknikere / lydteam å få en god lyd for sangeren fordi musikk, opera eller kunst sang, vil ofte kreve ekstreme og noen ganger terrasserte dynamikk (raske skift mellom ekstremt myk og ekstremt høy lyd,) det er også vanskelig å oppnå en god tone uten sangeren høres for brassy eller spiss. Denne typen stemme er vanligvis best verdsatt mens du er minst 20 meter fra sangeren.

moderne vokalister ofte avhengige av elektronisk forsterkning. Dette skyldes hovedsakelig plassering og intonasjon av lyden, også bruk av forsterkede instrumenter bidrar til behovet for balanse mellom vokalister og instrumentalister. (Før jeg gjør følgende uttalelse, vær så snill å forstå at jeg skjønner at det er svært talentfulle samtidige vokalister i verden, dessverre er de sjelden de som høres på radioen.) Samtidskunstnere bruker ofte vokalforbedring og auto tunere for å korrigere sine vokalfeil, og dermed skape studioopptaket, som deretter ryddes opp og behandles for å lage produktet du hører på radioen eller annen bærbar musikkenhet. Dette er grunnen til at folk kan noen ganger skuffet når de hører deres favoritt band / artist utøver konserter eller akustiske sett.

Diction

en stor forskjell som du vil merke Mellom Klassisk og Moderne er hver enhets bruk av diksjon. I samtidsmusikk, språket er oftere conversational, i motsetning til klassisk som ofte benytter lange, legato strekninger av ord kjører inn i en annen, atskilt av noen ganger harde konsonanter. Vokalene til den Samtidige sangeren er også noen ganger endret for å skape en merkelig effekt eller idiom som brukes til å skildre noen følelser( dvs. ordet “hår” uttalt “hayyyer”), også flyttingen til den andre lyden av dipthong (to vokallyder som forekommer i en enkelt stavelse, uten adskillelse av en konsonant) raskere enn det som ville bli brukt i normal samtale (dvs .; ordet ” liv “uttalt ” lieeef”.)

i klassisk sang, som nevnt, er det vanligvis skarpe lydende konsonanter, dette skyldes mangel på elektronisk forsterkning. Sangeren bruker konsonantene til å skjære gjennom lyden av orkesteret eller tilhørende instrumenter, slik at språket kan identifiseres så vel som forstått. Den klassiske sangeren forsøker å synge på vokalen i stedet for konsonanten, og ofte procrastinates fonasjonen av den andre lyden av diptong; dette er standard med mindre annet er instruert i partituret. Den klassiske sangeren leser også både musikken og Det Internasjonale Fønetiske Alfabetet (IPA) for å sikre korrekt uttale av de forskjellige språkene de kan bli pålagt å synge på.

Språk

det kreves at den klassiske sangeren opptrer på flere språk for å gi autentisk, periodereplikasjon av komponistens originale design. Sangeren vil ofte ta kurs som forklarer de ulike symbolene som brukes til å uttrykke fonemene (de minste enhetene av talelyd) som de er tilknyttet (dvs.; en klassisk sanger vil lese i ipa-transkripsjonen, og for dem betyr det å uttale vokalen ” e “som i” meg “eller kanskje de vil lese symbolet og uttale det” uh “som i” karamell.”) I tillegg til korrekt uttale, må sangeren også undersøke ord for ord oversettelse samt den poetiske oversettelsen for å tillate riktig bøyning av teksten. Dette er trolig like viktig som den riktige uttalen, fordi ofte publikum ikke vil forstå språket, og derfor stole på kunstneren for å uttrykke den emosjonelle av stykket gjennom ansiktsuttrykk og kroppslige gester.

i den samtidige tradisjonen blir sanger vanligvis sunget på morsmålet, med mindre sangen er ment for flerkulturelle publikum, i så fall vil noen sangere utføre en del av konserten, albumet, etc. på et bestemt språk, skift deretter mot et annet språk for en annen del av settet. Sang på morsmålet gjør det mulig for utøveren å fokusere mer på bøyningen og mindre på språket. Det som er vanlig i begge stilarter er at musikken og ordene skal huskes før offentlig opptreden forfølges.

Vibrato

Vibrato er oscillasjonen eller vibrasjonen lagt på en vedvarende tonehøyde. Det er ofte beskrevet som den glitrende, dirrende eller flagrende kvaliteten til en bestemt stemme, og forekommer naturlig til en viss grad i enhver sunn stemme. I klassisk sang begynner vibrato umiddelbart etter konsonanten, og forblir konsekvent gjennom hele. Unntaket er hvis sangeren utfører Et Renessanse-eller Barokkarbeid, i så fall kan en ren tone være mer stilistisk korrekt. Vibrato er en viktig komponent i intonasjon og generelle ytelsen for den klassiske sangeren.

den samtidige sangeren benytter også bruken av vibrato, men fordi musikken er mer konverserende, er vibrato vanligvis reservert for å dekorere slutten av vedvarende notater. Det er imidlertid anledninger at den moderne sangeren bruker vibrato oftere, det er vanligvis veldig subtilt og kan brukes dramatisk under de mykere delene av sangen for å sikre en kjernelyd, i stedet for en luftig lyd, samtidig som den ønskede dynamikken opprettholdes.

i denne videoen beskriver instruktør Kerri Ho teknikker som ofte brukes til å utvikle konsekvent vibrato.

Registre

i klassisk sang må stemmen lyde som en enestående enhet, med sømløse overganger mellom registrene. Med utallige timer med praksis og metodikk prodding oss, trekke oss, skyve oss, Julia Child-ing oss gjennom passagio (transition point between registers) for å skape en sømløs overgang, den klassiske sangeren tilstreber singularitet av lyd som kommer når resonans mellomrom er balansert og det er tilgang til både øvre og nedre registre. I hovedsak betyr dette at de streber etter å holde stemmen høres ut som den tilhører samme person i et hvilket som helst register som de synger (dvs.; Ikke høres Ut Som Idina Minzel mens i brystet stemme, så høres Ut Som Paris Hilton i hodet stemme.)

i samtiden er det mye mindre vekt pa en somlos passagio, ofte blir bryststemmen båret til det ekstreme og skaper lyden referert til som ” belting.”Det er ikke uvanlig at en sanger har en sterk bryststemme, men så gjør et merkbart sprang opp til den lette, mindre fokuserte lyden av hodestemmen. Men når en moderne sanger rent går gjennom passagio, legger folk merke til hvor talentfulle disse personene skal ha et så “sterkt og bredt” utvalg. “Pause” (jeg hater dette begrepet fordi ingenting i stemmen din faktisk er ødelagt, men heller refererer til slutten av et bestemt register) i registrene blir noen ganger brukt av samtidskunstnere for å skape dramatisk effekt.

Resonansrom

menneskekroppen inneholder sine egne resonansrom som gjør at vibrasjonene fra vokalfolden kan manifestere og forsterke lyden som produseres. Kroppen inneholder fire hovedresonantkamre som hver sanger bør vite om: hode, munn, nese og bryst. Disse må ikke forveksles med registre. Dette er mellomrom som hjelper til med å skape en viss lydstyrke uten å presse stemmen.

i klassisk musikk er målet å skape så mye plass som mulig i alle tilgjengelige resonansrom. Det eneste rommet som ikke brukes i klassisk sang er munnresonansen, hovedsakelig på grunn av det myke vevet (kjever og tunge) som fungerer som en lydabsorberende enhet. Handlingen med å skape plass oppnås ved å senke strupehodet og heve den myke ganen for å få full tilgang til de andre tre resonatorene. Riktig bruk av disse resonansrommene resulterer i den klassiske sangerens uavhengighet fra forsterkningsenheter.

de moderne sjangrene bruker hver resonansrom forskjellig. I populærmusikk synger utøveren ofte med munnen resonans, eller snakker resonans, fordi musikken har en tendens til å være conversational. I musikkteater har plasseringen en tendens til å ligge i nasal / maskeresonansen, og har en veldig fremoverlyd. Rock, alternativ, rhythm and blues, og jazz alle avhengige av mikrofonen, som gjør populærmusikk og tilsvarende, resonasjon er ikke så vektlagt, selv om en god balanse er ønskelig.

Musikklesing

Musikklesing kreves av den klassiske sangeren, ikke bare musikklesing (å vite at det andre rommet i diskanten, Eller G-staben er En A), men det forventes at den klassiske sangeren kan se lese musikk (syng hva siden leder uten en gjennomgripende hørsel). Grunnen til at jeg finner musikklesing for å være en så viktig del av enhver musikers trening, er fordi du, kunstneren, stoler på deg selv for å skape og tolke musikken, og ikke trenger å stole på andres tolkning.

Noen samtidige sangere leser musikk, dette er vanligvis resultatet av det offentlige skolemusikkprogrammet eller musikkstudioet som skyver musikklesing som en del av læreplanen. Vanligvis forstår moderne sangere de grunnleggende elementene i musikklesing, men med mindre de komponerer sin egen musikk, er det ikke stresset og sjelden er det verdsatt. Selv om musikklesing er viktig, må utvikling og praksis av audition (eller indre hørsel) læres også, eller musikklesingen vil ikke være til nytte for sangeren. Noen ganger, for å kompensere for mangel på ferdigheter i musikklesing, kan moderne sangere stole mer tungt på høringen for å lære musikken, men generelt kan ofte improvisere og ad lib med letthet.

TEKNIKK OVERFØRING

det kan komme som en overraskelse at jeg ofte må synge samtidsmusikk. Jeg må også innrømme at før kollegial sang hadde jeg ikke hatt noen klassisk trening, noe som gjorde musikkskolen så mye mer utfordrende. Før min høyskoleopplevelse hadde jeg ofte ledet tilbedelse for min kirke og gjort noen konserter med noen venner som sang litt alternativ / rockemusikk, og ja, jeg gjorde ALT GALT: jeg visste ikke engang at jeg hadde et øvre register-det var alt bryststemme. Unødvendig å si, min første semester av private voice var ganske kampen. Men etter min teknikk var solid, jeg var i stand til å overføre begrepene klassisk vokal sang i min moderne stil av musikk, og mye til min overraskelse, jeg hørtes mye bedre. For meg manifesterte fordelene med klassisk trening seg i andre sjangere i tillegg til det klassiske repertoaret. De moderne sangfordelene inkluderte: et utvidet utvalg, noe som medførte at jeg kunne synge et bredere utvalg av musikk, korrigere sang gjennom de forskjellige registre i lengre perioder uten tretthet eller spenning i nakken som følge av feil teknikk.

jeg tenkte også at jeg ville inkludere noen sannheter som hver sanger, klassisk eller moderne, må komme til enighet med, hvis de skal bli en vellykket, uavhengig musiker.

• du vil ikke (og bør ikke) høres ut som kunstneren som har gjort repertoaret ditt berømt. Du må være komfortabel nok med din egen unike lyd, og du må få den lyden til å skje med det beste av din evne hver gang du synger. Det er alltid en god ide å registrere leksjonene dine og sammenligne deg selv på et tidligere stadium, og vurdere ytelsen din basert på din egen forbedring.
• Lesing av notene er viktig. Dette er en uvurderlig ferdighet å ha fordi det gjør deg til en uavhengig musiker. Har du noen gang sett et stykke papir som har blitt kopiert, og re-kopiert? Det blir mer og mer uklart for hver kopi – på en måte, det er det som skjer med musikk når vi ikke får de musikalske dataene for oss selv – vi lytter til andres tolkning – eller en kopi, derfor er alt vi kan håpe å oppnå ved dette et litt mer forvrengt bilde av konseptet komponisten opprinnelig prøvde å formidle. I moderne musikk lib. er akseptabelt, men før du lager en variasjon, må du vite temaet, og at kunnskapen er oppnådd på siden.
• du må kjenne de stilistiske trekkene til sjangeren du synger. Jeg vet at dette kan virke som en no-brainer, men lytt til de beste utøverne av sjangeren og observere stilegenskapene de viser. I hvilken tidsperiode ble dette skrevet? Gjør de hyppige ” løp ” eller uskreven ornament? Gjør de lib. og i så fall, når er det stilistisk hensiktsmessig å gjøre det? Endrer de deres diktning? Bruker de ikke-ord stavelser? Synger de, eller snakker de rytmisk på banen? Det er viktig å lytte kritisk til musikken for å avgjøre hva som gjør sjangeren forskjellig fra en annen.

Overgang fra en ikke-klassisk bakgrunn til klassisk trening, har jeg funnet ut at det er mest gunstig å lære den klassiske metoden. Hvis du bestemmer deg for at musikk er ønsket yrke, krever det vanligste musikkprogrammet du vil møte på kollegialt nivå en viss grad av klassisk trening, de fleste av klassekameratene dine har hatt denne erfaringen til en viss grad enten GJENNOM UIL, all-state solo-konkurranser, og noen kan til og med konkurrere på National Association Of Teachers Of Singers (NATS) konkurranser. Jeg anbefaler klassisk trening fordi den utruster sangeren med det viktigste for å lykkes på sin musikalske reise ved å gi: musikkleseferdigheter, øretrening, allsidig teknikk, og viktigst, uavhengigheten til å synge hva som gjør dem lykkelige.