12 Great Coming-Of-Age film Final-Scene Songs

een van de schrijfprojecten waaraan ik deze winter heb gewerkt is Last Nine, een coming-of-age scenario waar ik al meer dan tien jaar mee bezig ben. Gebouwd rond een enkel incident herinner ik me van mijn middelbare school Spaanse les toen ik 17 jaar oud, laatste negen vertelt het verhaal van een tiener wiens wereld begint te verschuiven wanneer hij een nieuwe groep vrienden maakt in de weken net voordat hij afstudeert van de middelbare school.Hoewel ik weet dat scenarioschrijvers weinig controle hebben over de soundtrack nadat de film is geproduceerd, heb ik Last nine geschreven met het gevoel dat Woody Guthrie ‘s cover van de Carter Family’ S “Will You Miss Me When I’ M Gone,” zal spelen terwijl de personages zich voor de laatste keer verzamelen, in de laatste scène. Dit sombere, sentimentele volksliedje zal precies de juiste toon zetten — of, nauwkeuriger, het juiste gevoel van ironische juxtapositie-als de personages voor het eerst het huis verlaten (op hun eigen, low-stakes manier).

muziek speelt een belangrijke rol in alle films, maar individuele liedjes hebben altijd een puntige aanwezigheid — en psychische resonantie — gehad in coming-of-age films. Sommige van mijn sterkste herinneringen als filmbezoeker zijn gekomen in die onuitsprekelijke momenten waarop een strategisch gekozen lied de emotionele impact van een hele film intensiveert.

ik heb hier mijn 12 favoriete muziekmomenten aan het einde van de film vermeld, samen met mijn gedachten over waarom deze muziekkeuzes zo effectief waren. Ik heb me gericht op stand-alone liedjes in plaats van film-score muziek, die laat een handvol resonante coming-of-age films die eindigen met variaties op het thema muziek van het verhaal (zoals Maurice Jarre ‘s roeren thema aan Dead Poets Society, en Nicholas Britell’ s hartverscheurende leitmotif van Moonlight). Ik heb ze hier minder ingedeeld door “rang” dan door hoe ik ze ben gaan herinneren.Simple Minds’ “Don’ t You (Forget About Me),” from The Breakfast Club

This is a quintessential end-of-movie song, from a quintessential teen-movie End-scene, written and geregisseerd by quintessential teen-movie auteur John Hughes. Ik herinner me de Breakfast Club op VHS te kijken op de leeftijd 15, in 1986, en denken dat Hughes iets bijzonders en trouw aan het tienerleven had bereikt.

jaren later, het voelt alsof de biechtstoel soliloquies (en plotselinge romantische pairing-off) tussen de ongelijksoortige personages van de Breakfast Club waren meer geïdealiseerd dan realistisch. Toch is er geen twijfel dat het was een baanbrekende film in termen van hoe Amerikaanse tieners — en hun angsten, hoop, en preoccupaties — werden afgebeeld op het scherm. “Don’ t You (Forget About Me) ” onderstreept de inzet (wie zijn deze kinderen, en wat zullen ze betekenen voor elkaar na vandaag?= = verhaal = = Brian leest zijn “you see us as you want to see us” essay in een voice-over terwijl Bender zijn vuist in de lucht pompt en de credits rollen.Interessant is dat de Schotse rockband Simple Minds aanvankelijk weerstand bood tegen het opnemen van het nummer, gecomponeerd door producer Keith Forsey en gitarist Steve Schiff (Bryan Ferry en Billy Idol hadden de kans al afgewezen). Uiteindelijk zwichtten ze onder druk van hun platenlabel, en de band wordt nu herinnerd voor dit nummer — en de manier waarop het het triomfantelijke uiteindelijke imago van de Breakfast Club oproept.

Ben E. King ‘ s “Stand By Me” van Stand By Me

terwijl ” Don ‘ t You (Forget About Me)” zowel aan het begin als aan het einde van de Breakfast Club werd gespeeld. Ik was 15 op 16 toen ik deze film voor het eerst zag, en op de een of andere manier vond ik deze vier personages (die 12 op 13 waren) diep, ontroerend relateerbaar.Essayist Louis Menand heeft geschreven (in de context van Salinger ‘ s Catcher in the Rye) dat nostalgie op zijn scherpst is als we nog jong zijn, en Stand By Me verliet de 15-jarige ik verlangen naar de persoon die ik was op de leeftijd van 12. Dit is geen bijzonder vrolijke film — het gaat immers over een groep jongens die op weg zijn om een lijk te vinden — maar iets over de manier waarop de personages geconfronteerd worden met het overlijden van hun eigen prepuberale jeugd maakte dat ik de mijne miste.Ik had geen idee dat Stand By Me gebaseerd was op een Stephen King novelle toen ik het voor het eerst zag, maar achteraf gezien voelt de kern van het verhaal — jonge personages die alleen op pad gaan, zonder volwassenen, om avonturen te beleven en hun demonen te bevechten — zeer trouw aan zijn Grotere oeuvre. Een soort van nostalgie doordrenkt het verhaal van de film, niet alleen in het feit dat de bezienswaardigheden en liedjes roepen kleine stad Amerika in de late jaren 1950-maar ook in het feit dat het verhaal wordt verteld door de volwassen Gordie (Richard Dreyfuss), die terugkijkt op zijn jeugd na het lezen over de dood van zijn jeugdvriend.

net zoals “Don’ t You (Forget About Me) ” de teerheid van vriendschap in de Breakfast Club onderstreept, dient het lied “Stand By Me” uiteindelijk om te rouwen over het verdwijnen van de band tussen de vier jongens in de film, en helpt het gevoel van verlies te verwoorden dat King probeert te beschrijven in de openingsregels van zijn novelle.:

” de belangrijkste dingen zijn het moeilijkst te zeggen. Ze zijn de dingen waar je je voor schaamt, omdat woorden ze verminderen … de belangrijkste dingen liggen te dicht bij waar je geheime hart is begraven, zoals oriëntatiepunten van een schat die je vijanden graag zouden stelen. En je kunt openbaringen doen die je duur komen te staan, alleen om mensen op een grappige manier naar je te laten kijken, niet te begrijpen wat je hebt gezegd, of waarom je dacht dat het zo belangrijk was dat je bijna huilde terwijl je het zei. Dat is het ergste, denk ik. Wanneer het geheim niet door gebrek aan een teller, maar door gebrek aan een begrijpend oor opgesloten blijft.”

Foghat ‘ s “Slow Ride” van Dazed and Confused

The passage of time is altijd een thematische obsessie geweest voor regisseur Richard Linklater, van zijn breakout film Slacker (zie hieronder), tot zijn Before Sunrise/Sunset/Midnight trilogie, tot zijn innovatieve multi-year coming-of-age project Boyhood. De grotendeels plot-vrije versuft en verward vindt plaats in de loop van een enkele periode van 24 uur als het volgt een aantal onderling verbonden groepen van Texas tieners op de laatste dag van de 1976 schooljaar. De muziek hier is Periode-specifiek en pitch-perfect, van Aerosmith ‘ s “Sweet Emotion” in de openingsscène, tot aan het bedwelmende Foghat-volkslied dat in Mitch ‘ s hoofdtelefoon knalt als we Wooderson, Pink, Slater en Simone cruise op een open snelweg zien voordat de credits rollen.

ik zag de week dat het uitkwam, in de herfst van 1993, toen ik in Seattle woonde — en ik liep het theater uit in een waas, alsof ik vijf jaar eerder was getransporteerd naar mijn jeugd in Kansas. Op de een of andere manier, Linklater ‘ s fictieve 1976 perfect opgeroepen hoe 1988 voelde voor mij toen ik in 1993. Nu-25 jaar later-Dazed en verward roept 1993 voor mij zo veel als wat dan ook op, ook al blijft het herinneringen oproepen aan 1988 (en 1976). Vreemd genoeg, 1993 was een ongelooflijk onderscheidend jaar voor mij — Ik was 22, Ik was net afgestudeerd college, en ik werkte als een tuinarchitect in Seattle op het hoogtepunt van grunge-maar een deel van de manier waarop ik het ervaren was door verlangen naar een andere, meer provinciale (en vele manieren minder interessant) tijd van mijn eigen leven.De meest iconische Lijn in Dazed and Confused komt van de lang-sinds-afgestudeerd hanger-on Wooderson (gespeeld door een toen-onbekende Matthew McConaughey), die zegt, “That’ s what I love about these high school girls, man. Als ik ouder word, blijven ze even oud.”Een kwart eeuw later, hetzelfde kan worden gezegd voor de personages van de film, Wooderson opgenomen: the kids I see onscreen don’ t age, die alleen onderstreept de manier waarop de manier Dazed blijft me herinneren aan meerdere keren van mijn eigen leven — meerdere, wijdverbreide momenten van leven-als ik ouder word.

als voetnoot hier, Foghat ‘ s “Slow Ride” was niet bedoeld als de afsluiter van Dazed and Confused, maar Linklater kon de rechten van Led Zeppelin ‘ s “Rock and Roll” niet veiligstellen (zoals het verhaal gaat, gitarist Jimmy Page vond het prima, maar zanger Robert Plant wilde niet aftekenen). Men kan begrijpen waarom Linklater dit nummer voor de film zou willen (die zelf werd genoemd naar een Led Zeppelin-nummer), hoewel achteraf gezien “Slow Ride” een vrij perfecte manier is om de film af te sluiten.

Eddie Vedder ‘ s “Hard Sun,” from Into The Wild

Ik kwam laat bij Sean Penn ‘s verfilming van Into The Wild — voor een groot deel omdat ik niet dacht dat het veel nieuws te bieden zou hebben, nadat ik Jon Krakauer’ s boek al gelezen en genoten had. Toen ik het eindelijk zag, raakte de afbeelding van Alexander Supertramps verdoemde Amerikaanse pelgrimstocht me op een manier die veel intuïtiever en persoonlijker was dan het boek. Dat is de kracht van films, denk ik, tenminste als ze goed werken: ze vangen gevoel op een manier die verder gaat dan feitelijke of intellectuele inhoud.

dat wil zeggen dat, terwijl Krakauer ‘ s boek boeide, de filmversie van Into the Wild relateerbaar was op een manier die ik niet had verwacht. Op de Geschreven pagina kon ik zien hoe Christopher MacCandless ‘s leven zou kunnen lijken op mijn eigen (ik was 21 de maand dat hij stierf, en was gegaan op solo tochten in Washington’ s Olympic Peninsula diezelfde zomer), maar op het scherm voelde het alsof zijn leven-reis was onafscheidelijk van dezelfde bedwelmende idealen die stuurde me af op mijn eigen vagabonding pad op ongeveer hetzelfde moment in het leven. Net als Chris sprong ik in de trein en zwierf door het Amerikaanse Westen toen ik begin twintig was.ik Putte mijn inspiratie uit boeken met hondenoren van Thoreau, Whitman en Edward Abbey. Net als Chris was ik verslaafd aan nieuwheid en mogelijkheden.Ik maakte talloze zelfinitiatieven door in de wildernis en vond iets heiligs in mijn geleidelijke opeenstapeling van avonturen.

Ik heb vaak gezegd dat Vagabonding, het boek dat voortkwam uit mijn jeugdige omzwervingen, bedoeld was als een soort brief aan mijn 17-jarige zelf-en na het kijken naar de wildernis werd ik eraan herinnerd hoe, als je jong bent, er twee inherente gevaren zijn aan de jeugdige drang naar vrijheid en zuiverheid. De ene is dat je te timide zult zijn om daadwerkelijk los te breken en rond te dwalen — maar de andere is dat je de reis te veel romantiseert als hij eenmaal onderweg is, wat minder-dan-ideaal kan zijn voor zowel jezelf als de mensen die je achterlaat. Into the Wild, zowel het boek als de film, dienen als een soort waarschuwend verhaal tegen deze onstuimige, eigenwijze, zelf-mythologiserende romantiek — zelfs als Chris ‘ verhaal een hoop pelgrims en navolgers blijft inspireren.Into the Wild is een duister coming-of-age verhaal, maar Eddie Vedder ‘s folky score — en in het bijzonder zijn soulvolle cover van Gordon Peterson’ s “Hard Sun” in de laatste scène — ondersteunt het verhaal met een hoopvol gevoel van existentieel verlangen.Freedy Johnstons “Bad Reputation,” from Kicking and Screaming

rond het begin van de jaren negentig werden een aantal zelfbewuste Hippe films gemaakt met de “Generation X” youth market in mind-think Reality Bites, Singles, Empire Records, enz. – maar weinigen waren zo grappig en aangrijpend als schoppen en schreeuwen, Indie auteur Noah Baumbach ‘ s debuut uit 1995. Plot-wise, de film niet veel-het gaat over een groep van vier vrienden die niet helemaal kunnen verlaten college na zijn afgestudeerd — maar zijn loquaciously depressieve (en minzaam clueless) personages belichaamt de existentiële stasis die jonge mannen kan greep op het moment dat ze verondersteld worden om iets van zichzelf te maken in het leven.

een sentimenteel deel van mij is ervan overtuigd dat ik deze zeer relateerbare film heb gezien in exact dezelfde fase van het leven als Grover, Max, Otis en Skippy, het kwartet van pas afgestudeerde personages. In werkelijkheid, Ik zag het bijna drie jaar na de universiteit afstuderen, terwijl ik zat vast in een persoonlijke/professionele dode plek tussen de succesvolle voltooiing van mijn eerste vagabonding reis, en mijn uiteindelijke verhuizing naar Korea om Engels te onderwijzen (en verlengen mijn vagabonding avonturen).Schoppen en schreeuwen gaat deels over het plotselinge verlies in sociale status die gepaard gaat met het afstuderen, wanneer men uit de kleine vijver van de universiteit wordt gegooid en in de kolkende oceaan van het leven — en op de een of andere manier de personages zelf opgelegde verlamming en lijden in het aangezicht van de rest van hun leven maakte mijn eigen situatie een beetje draaglijker. De vier hoofdpersonen dragen allemaal sportjacks — alsof het, zoals Baumbach heeft opgemerkt, kinderen zijn die spelen als volwassenen-en ik was zo onder de indruk van deze affectatie dat ik een sportjack kocht om te dragen op het werk toen ik eind 1996 naar Korea vertrok.Veruit de meest volwassen personages in Kicking and Screaming zijn de lijdende vriendinnen van de hoofdrolspelers, en het hoogtepunt van de film komt wanneer Grover (gespeeld door Josh Hamilton) eindelijk de beslissing neemt om naar zijn vroegere minnaar Jane (Olivia d ‘ Abo) in Praag te gaan. “Het zal een goed verhaal van mijn jonge volwassen leven te maken,” Grover zegt als hij psyches zichzelf op aan de balie van de luchtvaartmaatschappij. “Je weet wel, de tijd dat ik koos om naar Praag te gaan.”

deze voorlaatste (en uiteindelijk, voor Grover, niet-helemaal-geactualiseerde) vertrekscène op de luchthaven wordt gevolgd door een van mijn favoriete filmuiteinden-een ingetogen flashback die details geeft over de momenten voor Grover en Jane ‘ s eerste kus vele maanden eerder. Het klinkt afgezaagd, zelfs als je het hier typt, maar op een of andere manier — op het moment net voordat Johnston ‘ s “slechte reputatie” inslaat — Grover ‘s soliloquy aan Jane over het wensen dat ze een oud koppel waren (gevolgd door Jane’ s zelfbewustzijn over het al dan niet uit te schakelen van haar beugel) slaat de ideale toon van romantische onhandigheid.Led Zeppelin ‘ s “Tangerine,” uit bijna beroemde

Cameron Crowe ‘ s grotendeels autografische verhaal over reizen Amerika via rock-N-roll tour-bus als een 15-jarige Rolling Stone journalist is niet zo direct relateerbaar als de andere coming-of-age films die ik heb genoemd, maar het is net zo leuk. Veel van de beste momenten van de film hangen af van muziek — misschien niet zo extatisch als wanneer de hele cast mee schreeuwt naar Elton John ‘ s “Tiny Dancer” na een band fallout (en reünie) in Topeka — en Led Zeppelin ‘ s “Tangerine” zorgt voor een mooie coda op het moment dat Will Miller (Patrick Fugit) en Russell Hammond (Billy Crudup) eindelijk — na zoveel kilometers samen op reis — bij Will thuis zitten om op een openhartige manier over muziek te praten.The Faces’ “Ooh La La” from Rushmore

er is veel gezegd over de visuele stijl van regisseur Wes Anderson, maar zijn muzikale keuzes zijn net zo onderscheidend — en in Rushmore, Anderson ‘s iconische tweede album uit 1998, is de soundtrack van de film net zo goed een karakter als Jason Schwartzman’ s overijverige Tiener Max Fischer, of Bill Murray ‘ s middelbare leeftijd mogul Herman Blume. Onze introductie tot Max ‘S overdreven buitenschoolse ambities zou niet hetzelfde zijn zonder de Jaarboek montage ingesteld op Creation’ s “Making Time, “en de Max-versus-Herman revenge sequentie bereikt zijn bittere hoogtepunt op de melodie van The Who’ s “a Quick One, While He’ s Away.”Rushmore’ s laatste scène vindt zijn volmaakte toon dankzij de Bittersweet 1973 tune van The Faces ” Ooh La La.”

The Magnetic Fields” Saddest Story Ever Told, “from The Myth of the American Sleepover

David Robert Mitchell’ s breakout movie was een griezelige tiener-seks horrorfilm uit 2014 genaamd It Follows-maar zijn filmische debuut kwam drie jaar eerder, met de release van The Myth of the American Sleepover, die werd opgenomen in Michigan op een klein budget en nooit ging in brede theatrale release. Ik toevallig te zien door domme kans op Angelika Film Center tijdens een bezoek aan New York in de zomer van 2011, en ik was gecharmeerd door de manier waarop deze ingetogen film (vol met onbekende acteurs) iets tastbaars en resonant over het tienerleven vastgelegd.De ironie hier is dat er een opzettelijke vaagheid is in de mythe van het Amerikaanse logeerpartijtje, omdat het niet lijkt te gebeuren tijdens een bepaalde periode. Het voelt enigszins hedendaags, bijvoorbeeld, maar geen van de personages gebruiken mobiele telefoons of het Internet — en de late-zomer “logeerpartijtjes” impliciet door de titel voelen schilderachtig en anachronistisch, zelfs als de ervaringen die de personages hebben er voelen emotioneel specifiek en relevant. Logeerpartij heeft geen epifanisch einde zoals The Breakfast Club( of een ebullient een zoals versuft en verward), maar The Magnetic Fields’ “droevigste verhaal ooit verteld,” in combinatie met Balthrop, Alabama ‘ s “Love to Love You,” slaan de juiste emotionele noot aan deze verrassend invloedrijke film zodra de aftiteling. (Beide nummers komen ook voor in de trailer van de film.)

Horst Wende and His Orchestra ‘s” Skokiaan, “from Slacker

Richard Linklater’ s tweede langspeelfilm geldt nauwelijks als een coming-of-age film, aangezien de camera van Slacker zelden erg lang op één personage blijft hangen, en geen van hen lijkt te transformeren op een waarneembare manier. Toch is er iets vreugdevol en energiek over de laatste reeks van de film, wanneer een groep jeugdige personages film zichzelf rijden (en dan klimmen) naar de top van Mount Bonnell in de buurt van Austin. Skokiaan is een popnummer uit 1947 van de Zimbabwaanse muzikant August Musarurwa, en de beroemdste versie is waarschijnlijk Louis Armstrong ‘s 1954 versie-maar de Duitse bandleider Horst Wende’ s peppy 1958 cover slaat een mooie retro toon voor de laatste frames van Slacker.

in de dvd commentaar track van de film, Linklater zegt dat deze laatste reeks — die lijkt te voorspellen hoe jongeren in de smartphone leeftijd hyper-documenteren hun eigen leven — werd geïnspireerd door een Bill Daniel korte film. Linklater had gehoopt om de film af te sluiten met Peggy Lee ‘s 1969 vertolking van Leiber en Stoller’ s ” Is That All There Is?”maar moest genoegen nemen met” Skokiaan “en de Butthole Surfer ‘s” Strangers Die Everyday ” toen hij de rechten op het lied Lee niet kon veiligstellen. Voor mijn oor, de griezelige stammen van “Strangers Die Everyday” zorgen voor een betere emotionele textuur als de Slacker credits roll, want ” Is dat alles wat er Is?”voelt een beetje op de neus voor zo’ n eigenzinnige film.Third Eye Blind ‘ s “Semi-Charmed Life,” from American Pie

hoewel Paul en Chris Weitz ‘ tienersekskomedie American Pie in 1999 uitkwam, lijkt het wel een film uit de jaren tachtig – en het was waarschijnlijk de laatste keer dat ik een tienerfilm met een zwak tienergevoel zag. De meest ware hommage aan het Amerikaanse tienerleven dat in 1999 uitkwam was geen film — het was de TV-show Freaks and Geeks (die, naar mijn mening, was de meest ware op het scherm evocatie van Midden-Amerikaanse adolescentie ooit gemaakt). Maar terwijl de komische hyperboles van American Pie niet zo waar klinken als Freaks en Geeks, was het een heerlijk vermakelijke coming-of-age-by-trying-to-lose-your-maagdelijkheid film.

ik was het grootste deel van 1999 door Azië en Oost — Europa aan het backpacken, en hoewel ik waarschijnlijk een beetje te oud was, waardeerden de songs in de laatste scène van de film-Third Eye Blind’ s “Semi — Charmed Life” en Bare Naked Ladies ‘”One Week”-me terug naar dat jaar dat ik door het Oosten trok (net als andere one-hit wonders uit die tijd, zoals Fatboy Slim’ S “The Rockafeller Skank,” Blink-182 ‘ s “All the Small Things,” Chumbawamba ‘ s “Tubthumping,” Smash Mouth ‘ s “Walkin’ On The Sun,” en The Verve ‘ s “Bitter Sweet Symphony.”

Yello ‘s” Oh Yeah, “from Ferris Bueller’ s Day Off

I positief hield Ferris Bueller ‘ s Day Off toen het uitkwam in 1986, en het blijft een van mijn favoriete tienerfilms. Mensen hebben, achteraf gezien, de Ferris Bueller karakter minachtte als een beetje een bevoorrechte snot — maar het was duidelijk voor mij, zelfs als tiener dat Ferris Bueller ‘ s vrije dag was minder een realistische commentaar op het tienerleven dan een grillige fantasy film die erop gericht om zoveel mogelijk plezier te hebben met zijn premisse.Bovendien is het achteraf gemakkelijk om te vergeten hoe bijzonder een personage Ferris was: in een tijd waarin tienerfilms al generaties lang protagonisten karakteriseerden in termen van clique-gedreven stereotypen, was Ferris uniek voor zichzelf — een slimme, eigenzinnige, hyper-articuleren (en niet noodzakelijkerwijs atletisch of hyper-mannelijk) vriend-aan-iedereen die door de wereld liep op de onstuitbare kracht van zijn eigen charisma. “Oh Yeah, “Yello’ s singularly weird instrumental track, set the perfect end-of-movie texture as the credits rolled and Principal Rooney got his comeuppance (en Ferris zelf schoot ons uit het theater).

David Bowie ‘ s “Heroes,” from The Perks of Being a Wallflower

om redenen die ik niet volledig kan uitleggen, ontdekte en las (en hield van) Stephen Chbosky ‘ s 1999 ya-market roman The Perks of Being a Wallflower toen ik eind dertig was. Op een logisch niveau heeft het verhaal zelf niet helemaal zin — de protagonist is een eerstejaars buitenbeentje die naadloos valt in met een stelletje Hippe senioren (en een of andere manier bovenmenselijke fysieke kracht heeft). Toch, vreemd genoeg, op emotioneel niveau is het verhaal spot-on in zijn evocatie van adolescente verlangens, met name zoals uitgedrukt door songs als The Smiths’ “Asleep.”

de filmversie van Wallflower, geregisseerd door Chbosky zelf, werkte niet echt voor mij, hoewel de laatste scène (wanneer Charlie door Pittsburgh ‘s Fort Pitt Tunnel races in de achterkant van een pick — up, verklaren, in voice-over, dat” we are infinite”) zorgt voor een geweldig einde. In het boek speelt deze scène zich af naar Fleetwood Mac ‘ s “Landslide”; in de film wordt het nummer omgewisseld met David Bowie ‘s” Heroes ” — en het is een keuzes die de perfecte toon slaat als de film naar credits snijdt.