The Importance of Classical Training in a Contemporary World

door Kristen Stevens

wanneer mensen denken aan een klassiek opgeleide zanger, kunnen een paar stereo-types te binnen schieten: misschien een squawky, square, muzikant met een ego zo groot als Texas? Als een muziek opvoeder die klassieke opleiding heeft ondergaan door middel van het college programma, bestudeerde verschillende stijlen en genres, evenals de meeste van hen hebben uitgevoerd; Ik ben ervan overtuigd dat een klassieke techniek de manier is om te slagen in elk genre. Net zoals de klassiek getrainde danser zijn controle over het lichaam kan overdragen om te bewegen op de manier die in de moderne dans wordt vereist, vinden we dat het de moderne danser is die geen paar pointeschoenen kan aantrekken en de bewegingen van een ballerina kan uitvoeren. Net als de klassieke danser heeft de klassieke zanger de mogelijkheid om zijn vocale techniek over te brengen naar welk genre of stijl ook wordt gevraagd. Klassieke zangeres Kathleen Battle zingt het jazzstuk Summertime van Gershwin.Mijn ervaring is geworteld in zowel de hedendaagse als de klassieke traditie. Als ik gevraagd word om op te treden voor verschillende evenementen, moet mijn stem kneedbaar genoeg zijn om te zingen met de juiste stilistische buiging en echte klank, alle muziek die van mij gevraagd wordt; ik kan dit met gemak doen door mijn klassieke training. Helaas komt het zelden voor dat de hedendaagse zanger zijn techniek aanpast aan de klassieke stijl, en soms is zijn techniek zo beperkt dat hij zich zelfs beperkt tot een bijzondere muziekstijl. Zelfs de meest getalenteerde hedendaagse performers worstelen om stilistische correctheid te behouden wanneer ze proberen te zingen in de klassieke stijl.

het oor kan gemakkelijk onderscheiden dat er grote verschillen zijn tussen de genres, maar de meeste mensen die niet formeel zijn opgeleid in muziek hebben moeite om de verschillen die het oor identificeert onder woorden te brengen. Hieronder zullen we een aantal van de verschillende verschillen te proeven en ook ingaan op een beetje waarom dingen worden gedaan op de manier waarop ze zijn.

elektronische versterking

een van de meest opvallende verschillen tussen de klassieke en de hedendaagse zanger is het gebruik van elektronische apparatuur om het geluid van de stem te versterken en te verbeteren. De klassieke zanger maakt zelden gebruik van een microfoon of andere elektronische versterkers als gevolg van de opleiding, plaatsing, en techniek waarmee ze zich associëren. De meeste van de tijd als een microfoon/ microfoons worden gezien bij een optreden, is het meestal voor opname doeleinden in plaats van versterking. Door de groeiende omvang van de podia wordt het echter steeds acceptabeler om de microfoon te gebruiken voor zeer grote arena ‘ s en buitenevenementen. Het is ook een hele uitdaging voor audiotechnici/ geluidscrews om een goed geluid voor de zanger te verkrijgen, want de muziek, opera of kunstlied, zal vaak vragen om extreme en soms terrasvormige dynamiek (snelle verschuivingen tussen extreem zacht en extreem hard geluid) het is ook moeilijk om een goede toon te bereiken zonder dat de zanger te brassy of puntig klinkt. Dit type stem wordt meestal het best gewaardeerd terwijl het ten minste 20 meter van de zanger.

hedendaagse zangers vertrouwen vaak sterk op elektronische versterking. Dit komt vooral door de plaatsing en intonatie van het geluid, ook het gebruik van versterkte instrumenten draagt bij aan de behoefte aan evenwicht tussen vocalisten en instrumentalisten. (Voordat ik de volgende verklaring afleg, begrijp dat ik me realiseer dat er zeer getalenteerde hedendaagse vocalisten in de wereld zijn, helaas zijn zij zelden degenen die op de radio te horen zijn.) Hedendaagse kunstenaars vaak gebruik maken van vocal enhancement en auto tuners om hun vocale fouten te corrigeren, waardoor de studio-opname, die vervolgens wordt schoongemaakt en verwerkt om het product dat u hoort op de radio of andere draagbare muziek apparaat te maken. Dit is de reden waarom mensen soms teleurgesteld kunnen zijn als ze hun favoriete band/ artiest performer live shows of akoestische sets horen.

dictie

een groot verschil dat u zult merken tussen klassiek en hedendaags is het gebruik van dictie door elke entiteit. In de hedendaagse muziek, de taal is vaker conversationeel, in tegenstelling tot klassieke die vaak gebruik maakt van lange, legato stukken van woorden lopen in een ander, gescheiden door soms harde medeklinkers. De klinkers van de hedendaagse zanger worden soms ook aangepast om een eigenzinnig effect of idioom te creëren dat wordt gebruikt om een bepaalde emotie uit te beelden (d.w.z.; het woord “haar” uitgesproken als “hayyyer”), ook het verplaatsen naar de tweede klank van de diptong (twee klinkers die voorkomen in een enkele lettergreep, niet gescheiden door een medeklinker) eerder dan zou worden gebruikt in normale conversatie (d.w.z.; het woord “leven” uitgesproken als “lieeef”.)

in de klassieke zang, zoals eerder vermeld, zijn er meestal helder klinkende medeklinkers, dit is te wijten aan het gebrek aan elektronische versterking. De zanger gebruikt de medeklinkers om het geluid van het orkest of de begeleidende instrumenten door te snijden, zodat de taal kan worden geïdentificeerd en begrepen. De klassieke zanger streeft ernaar om te zingen op de klinker in plaats van de medeklinker, en stelt vaak de fonatie van de tweede klank van de diptong uit; dit is de standaard tenzij anders voorgeschreven in de muziekpartituur. De klassieke zanger leest ook zowel de muziek als het Internationaal Fenetisch alfabet (IPA) om te zorgen voor een correcte uitspraak van de verschillende talen waarin ze moeten zingen.

talen

het is vereist dat de klassieke zanger in meerdere talen optreedt om een authentieke, historische replicatie van het oorspronkelijke ontwerp van de componist te bieden. De zanger zal vaak cursussen volgen die de verschillende symbolen uitleggen die worden gebruikt om de fonemen (de kleinste eenheden van spraakgeluid) uit te drukken waaraan ze zijn gekoppeld (d.w.z.; een klassieke zanger zal lezen in de IPA transcriptie, en voor hen betekent het om de klinker “e” uit te spreken als in “me” of misschien zullen ze het symbool lezen en het uitspreken “uh” als in “karamel.”) Naast de juiste uitspraak moet de zanger ook de woord-voor-woord-vertaling en de poëtische vertaling onderzoeken om een juiste verbuiging van de tekst mogelijk te maken. Dit is waarschijnlijk net zo belangrijk als de juiste uitspraak, want vaak zal het publiek de taal niet begrijpen, en dus vertrouwen op de kunstenaar om de emotie van het stuk uit te drukken door middel van gezichtsuitdrukking en lichamelijke gebaren.

in de hedendaagse traditie worden liederen meestal in de volkstaal gezongen, tenzij het lied bedoeld is voor multicultureel publiek, in welk geval sommige zangers een deel van het concert, album, enz.zullen uitvoeren. in een bepaalde taal, dan verschuiven naar een andere taal voor een ander deel van de set. Zingen in de volkstaal zorgt ervoor dat de performer zich meer kan richten op de verbuiging en minder op de taal. Wat gebruikelijk is in beide stijlen is dat de muziek en de woorden moeten worden onthouden voordat publieke uitvoering wordt nagestreefd.Vibrato

Vibrato

Vibrato is de trilling of trilling die op een aanhoudende toonhoogte wordt geplaatst. Het wordt vaak beschreven als de glinsterende, trillende of fladderende kwaliteit van een bepaalde stem, en komt natuurlijk tot op zekere hoogte voor in elke gezonde stem. In de klassieke zang begint de vibrato direct na de medeklinker en blijft het constant. De uitzondering is als de zanger een Renaissance-of Barokwerk uitvoert, in welk geval een zuivere Toon meer stilistisch correct kan zijn. Vibrato is een belangrijk onderdeel van intonatie en algehele uitvoering voor de klassieke zanger.

de hedendaagse zanger maakt ook gebruik van vibrato, hoewel omdat de muziek meer conversationeel is, de vibrato meestal is gereserveerd voor het versieren van het einde van aanhoudende noten. Echter, er zijn gelegenheden dat de hedendaagse zanger gebruikt vibrato vaker, het is meestal zeer subtiel en kan dramatisch worden gebruikt tijdens de zachtere delen van het lied te zorgen voor een core geluid, in plaats van een luchtig geluid, met behoud van de gewenste dynamiek.

in deze video beschrijft instructeur Kerri Ho technieken die vaak worden gebruikt om consistente vibrato te ontwikkelen.

Registers

bij klassiek zingen moet de stem klinken als een enkelvoudige entiteit, met naadloze overgangen tussen de registers. Met talloze uren van oefening en methodologie die ons prikken, trekken, duwen, Julia Child-ing ons door het passagio (overgangspunt tussen registers) om een naadloze overgang te creëren, de klassieke zanger streeft naar de singulariteit van geluid dat komt wanneer de resonante ruimtes zijn gebalanceerd en er toegang is tot zowel de bovenste en onderste registers. In wezen betekent dit dat ze ernaar streven om de stem te laten klinken alsof het van dezelfde persoon is in elk register dat ze zingen (d.w.z.; niet klinken als Idina Minzel terwijl in de borst stem, dan klinken als Paris Hilton in de hoofd stem.)

in de hedendaagse tijd is er veel minder nadruk op een naadloze passagio, vaak wordt de borststem tot het uiterste gedragen waardoor het geluid wordt aangeduid als ” belting.”Het is niet ongewoon dat een zanger een sterke borststem heeft, maar dan een merkbare sprong maakt naar het lichte, minder gefocuste geluid van de hoofdstem. Echter, wanneer een hedendaagse zanger netjes door het passagio gaat, merken mensen hoe getalenteerd deze individuen zijn om zo ‘ n “sterk en breed” bereik te hebben. De” break ” (ik haat deze term omdat niets in je stem eigenlijk gebroken is, maar verwijst naar het einde van een bepaald register) in de registers wordt soms gebruikt door hedendaagse kunstenaars om dramatisch effect te creëren.

Resonantieruimtes

het menselijk lichaam bevat zijn eigen resonantieruimtes die het mogelijk maken dat de trillingen van de vocale vouw het geproduceerde geluid manifesteren en versterken. Het lichaam bevat vier belangrijke resonante kamers die elke zanger moet weten over: hoofd, mond, nasale, en borst. Deze moeten niet worden verward met registers. Dit zijn de ruimtes die helpen bij het creëren van een bepaalde luidheid zonder de stem te belasten.

in de klassieke muziek is het doel zoveel mogelijk ruimte te creëren in alle beschikbare resonantieruimte. De enige ruimte die niet wordt gebruikt in de klassieke zang is de mond resonantie, voornamelijk als gevolg van het zachte weefsel (kaken en tong) dat fungeert als een geluidsabsorberende entiteit. De handeling van het creëren van ruimte wordt bereikt door het strottenhoofd te verlagen en het zachte gehemelte te verhogen om volledige toegang tot de andere drie resonatoren te hebben. Het juiste gebruik van deze resonantieruimtes resulteert in de onafhankelijkheid van de klassieke zanger van versterkingsapparatuur.

de hedendaagse genres gebruiken elk resonantieruimtes anders. In populaire muziek zingt de performer vaak met de mondresonantie, of de sprekende resonantie, omdat de muziek de neiging heeft om conversationeel te zijn. In muziektheater ligt de plaatsing meestal in de nasale/maskerresonantie, en heeft het een zeer voorwaartse klank. Rock, alternatieve, rhythm en blues, en jazz zijn allemaal sterk afhankelijk van de microfoon, net als populaire muziek en op dezelfde manier is resonatie niet zoals benadrukt, hoewel een goede balans wenselijk is.

Muzieklezen

Muzieklezen is vereist van de klassieke zanger, niet alleen muzieklezen (wetende dat de tweede ruimte van de treble, of G-notenbalk een A is), maar er wordt verwacht dat de klassieke zanger in staat is om muziek te lezen (zing wat de pagina stuurt zonder een doorleesbaar gehoor). De reden dat ik het lezen van muziek zo ‘ n belangrijk onderdeel vind van de opleiding van elke muzikant, is omdat jij, de artiest, op jezelf vertrouwt om de muziek te maken en te interpreteren, en niet hoeft te vertrouwen op de interpretatie van iemand anders.

sommige hedendaagse zangers lezen Muziek, dit is meestal het resultaat van het muziekprogramma van de openbare school of de muziekstudio dat muzieklezen als onderdeel van het curriculum duwt. Meestal begrijpen hedendaagse zangers de basiselementen van het lezen van muziek, maar tenzij ze hun eigen muziek componeren, wordt het niet benadrukt en wordt het zelden gewaardeerd. Hoewel het lezen van muziek essentieel is, moet ook de ontwikkeling en de praktijk van het horen (of innerlijk gehoor) worden geleerd, anders komt het lezen van muziek de zanger niet ten goede. Soms, om te compenseren voor gebrek aan vaardigheid in het lezen van muziek, hedendaagse zangers kunnen meer vertrouwen op het gehoor om de muziek te leren, maar over het algemeen kan vaak kunnen improviseren en ad lib met gemak.

TECHNIQUE TRANSFER

het kan als een verrassing komen dat ik vaak hedendaagse muziek moet zingen. Ik moet ook toegeven dat ik voorafgaand aan collegiale zang geen klassieke opleiding had gehad, waardoor muziekschool zoveel uitdagender werd. Voorafgaand aan mijn college ervaring, Ik had vaak geleid aanbidding voor mijn kerk en deed een paar optredens met een aantal vrienden zingen wat alternatieve/rock muziek, en ja, ik deed alles verkeerd: ik wist niet eens dat ik een hogere register – het was allemaal Borst stem. Onnodig te zeggen, mijn eerste semester van private voice was nogal de strijd. Maar nadat mijn techniek solide was, kon ik de concepten van de klassieke vocale zang omzetten in mijn hedendaagse muziekstijl, en tot mijn verbazing klonk ik veel beter. Voor mij manifesteerden de voordelen van klassieke training zich in andere genres naast het klassieke repertoire. De hedendaagse zang voordelen omvatten: een breder bereik, waardoor ik een grotere verscheidenheid aan muziek kon zingen, correcte zang in de verschillende registers voor langere tijd zonder vermoeidheid of spanning in mijn nek als gevolg van defecte techniek.

ik dacht ook een paar waarheden op te nemen waar elke zanger, klassiek of hedendaags, mee moet leren leven als hij een succesvolle, onafhankelijke muzikant wil worden.

• u zult niet (en zou niet) klinken als de artiest die uw repertoire beroemd heeft gemaakt. U moet comfortabel genoeg zijn met uw eigen unieke geluid, en je nodig hebt om dat geluid gebeuren om de beste van uw vermogen elke keer dat je zingt. Het is altijd een goed idee om je lessen op te nemen en jezelf te vergelijken met jezelf in een eerder stadium, en je prestaties te beoordelen op basis van je eigen verbetering.
• het lezen van de bladmuziek is belangrijk. Dit is een onschatbare vaardigheid om te hebben, want het maakt je een onafhankelijke muzikant. Heb je ooit een stuk papier gezien dat is gekopieerd, en opnieuw gekopieerd? Het wordt meer en meer wazig met elke kopie – in zekere zin, dat is wat er gebeurt met muziek als we niet de muzikale gegevens voor onszelf verkrijgen – we luisteren naar de interpretatie van iemand anders – of een kopie, dus alles wat we kunnen bereiken door dit is een iets meer vervormd beeld van het concept dat de componist oorspronkelijk probeerde over te brengen. In de hedendaagse muziek lib. is aanvaardbaar, maar voordat u een variatie, je nodig hebt om het thema te weten, en die kennis wordt verkregen op de pagina.
• u moet de stilistische eigenschappen kennen van het genre dat u zingt. Ik weet dat dit lijkt misschien een no-brainer, maar luister naar de top performers van het genre en observeer de stijlkenmerken die ze weergeven. In welke periode werd dit geschreven? Doen ze vaak “runs” of ongeschreven versiering? Doen ze lib. zo ja, wanneer is dit stilistisch gezien passend? Veranderen ze hun dictie? Gebruiken ze lettergrepen zonder woorden? Zingen ze, of spreken ze ritmisch op de toonhoogte? Het is belangrijk om kritisch naar de muziek te luisteren om te bepalen wat het genre onderscheidt van het andere.

de overgang van een niet-klassieke achtergrond naar de klassieke opleiding, heb ik ontdekt dat het het meest nuttig is om de klassieke methode te leren. Als u besluit dat Muziek uw gewenste beroep is, vereist het meest voorkomende muziekprogramma dat u zult tegenkomen op collegiaal niveau een zekere mate van klassieke opleiding, de meeste van uw klasgenoten zullen deze ervaring hebben gehad tot op zekere hoogte hetzij door UIL, all-state solo wedstrijden, en sommige kunnen zelfs concurreren op de Nationale Vereniging van leraren van zangers (NATS) wedstrijden. Ik raad klassieke training aan omdat het de zanger uitrust met de essentie om succesvol te zijn op hun muzikale reis door het verstrekken van: muziek leesvaardigheden, gehoortraining, veelzijdige techniek, en vooral, de onafhankelijkheid om te zingen wat hen gelukkig maakt.