12 great Coming-of-Age Movie final-Scene Songs

unul dintre proiectele de scriere pe care le-am lucrat în această iarnă este ultima nouă, un scenariu de vârstă pe care l-am tăiat de mai bine de un deceniu acum. Construit în jurul unui singur incident pe care mi-l amintesc din clasa mea de liceu spaniolă când aveam 17 ani, Last Nine spune povestea unui adolescent a cărui lume începe să se schimbe atunci când își face un nou grup de prieteni în săptămânile dinaintea absolvirii liceului.

deși știu că scenariștii au puțin control asupra coloanei sonore odată ce filmul a fost produs, am scris ultimele nouă cu sensul că coperta lui Woody Guthrie a familiei Carter “will you Miss Me When I ‘m Gone” va juca pe măsură ce personajele se adună pentru ultima dată, în scena finală. Acest cântec popular sumbru, sentimental, va stabili doar tonul potrivit — sau, mai exact, simțul corect al juxtapunerii ironice-pe măsură ce personajele pleacă de acasă (în felul lor, cu mize mici) pentru prima dată.

muzica joacă un rol important în toate filmele, dar cântecele individuale au avut întotdeauna o prezență ascuțită — și o rezonanță psihică — în filmele de vârstă. Unele dintre cele mai puternice amintiri ale mele ca cinefil au venit în acele momente inefabile în care o melodie aleasă strategic intensifică impactul emoțional al unui întreg film.

am enumerat aici cele 12 momente preferate ale melodiei de sfârșit de film, împreună cu gândurile mele despre motivul pentru care aceste alegeri muzicale au fost atât de eficiente. M-am concentrat mai degrabă pe melodii de sine stătătoare decât pe muzică de film, ceea ce lasă o mână de filme rezonante de vârstă care se termină cu variații ale muzicii tematice a poveștii (cum ar fi Maurice Jarre ‘s tema agitată la Dead Poets Society și Nicholas Britell’ s laitmotiv sfâșietor din lumina lunii). Le-am detaliat aici mai puțin prin “rang” decât prin modul în care am ajuns să le amintesc.

Simple Minds “Don’ t You (Forget About Me)”, de la Clubul de mic dejun

acesta este un cântec de sfârșit de film chintesențial, dintr-o scenă de final de film pentru Adolescenți, scrisă și regizată de autorul de film pentru Adolescenți, John Hughes. Îmi amintesc că m-am uitat la Breakfast Club pe VHS la vârsta de 15 ani, în 1986, și m-am gândit că Hughes a obținut ceva singular și adevărat pentru viața adolescenței.

ani mai târziu, se simte ca soliloquies confesionale (și brusc romantic pairing-off) printre personaje disparate ale Clubului de mic dejun au fost mai mult idealizate decât realiste. Cu toate acestea, nu există nicio îndoială că a fost un film revoluționar în ceea ce privește modul în care adolescenții americani — și temerile, speranțele și preocupările lor — au fost portretizate pe ecran. “Nu uitați de mine” subliniază miza (cine sunt acești copii și ce vor însemna unul pentru celălalt după ziua de azi?) în timpul momentului culminant al filmului de rebeliune simbolică: Brian citind eseul său” ne vezi așa cum vrei să ne vezi ” într-o voce în timp ce Bender își pompează pumnul în aer și creditele se rostogolesc.

interesant, trupa scoțiană de rock Simple Minds a fost inițial rezistentă la înregistrarea piesei, care a fost compusă de producătorul Keith Forsey și chitaristul Steve Schiff (Bryan Ferry și Billy Idol refuzaseră deja ocazia). În cele din urmă au cedat sub presiunea casei lor de discuri, iar trupa este acum amintită pentru această melodie — și modul în care evocă imaginea finală triumfătoare a Clubului de mic dejun.

Ben E. King ‘ s “Stand By Me”, de la Stand By Me

în timp ce “Don’ t You (Forget About Me)” a jucat atât la începutul, cât și la sfârșitul Clubului de mic dejun, diferite variante ale melodiei sufletești omonime a lui Ben E. King joacă pe tot parcursul Stand By Me. Am fost 15 merge pe 16 când am văzut prima dată acest film, și într-un fel am găsit aceste patru personaje (care au fost 12 merge pe 13) să fie profund, emoționant relatable.

eseistul Louis Menand a scris (în contextul lui Salinger ‘ s Catcher in the Rye) că nostalgia este cea mai puternică când suntem încă tineri și Stand By Me l-a lăsat pe tânărul de 15 ani să-mi dorească persoana pe care o aveam la vârsta de 12 ani. Acesta nu este un film deosebit de fericit — este, la urma urmei, despre un grup de băieți care pleacă să găsească un cadavru — dar ceva despre modul în care personajele se confruntă cu trecerea propriei tinereți prepubescente m-a făcut să-mi fie dor de al meu.

nu știam că Stand By Me se bazează pe o nuvelă a lui Stephen King când am văzut — o pentru prima dată, dar, retrospectiv, complotul său de bază — personaje tinere care pornesc singure, fără adulți, pentru a intra în aventuri și a se lupta cu demonii lor-se simte foarte fidel corpului său mai mare de muncă. Un fel de nostalgie sufocă narațiunea filmului, nu doar în faptul că priveliștile și cântecele sale evocă America orașelor mici la sfârșitul anilor 1950-ci și în faptul că povestea este povestită de adultul Gordie (Richard Dreyfuss), care se uită înapoi la tinerețe după ce a citit despre moartea prietenului său din copilărie.

la fel cum ” Don ‘t You (Forget About Me)” subliniază tenuozitatea Prieteniei în clubul de mic dejun, piesa “Stand By Me” servește în cele din urmă pentru a jeli evanescența legăturii dintre cei patru băieți din film, ajutând la articularea sentimentului de pierdere pe care King încearcă să-l descrie în liniile de deschidere ale nuvelei sale:

“cele mai importante lucruri sunt cele mai greu de spus. Acestea sunt lucrurile de care te rușinezi, pentru că cuvintele le diminuează… cele mai importante lucruri se află prea aproape de locul în care inima ta secretă este îngropată, ca repere către o comoară pe care dușmanii tăi ar dori să o fure. Și puteți face revelații care vă costă scump doar pentru ca oamenii să vă privească într-un mod amuzant, neînțelegând deloc ceea ce ați spus sau de ce ați crezut că este atât de important încât aproape că ați plâns în timp ce o spuneați. Asta e cel mai rău, cred. Când secretul rămâne blocat în interior nu din lipsa unui casier, ci din lipsa unei urechi înțelegătoare.”

“Slow Ride” a lui Foghat, de la Dazed and Confused

trecerea timpului a fost întotdeauna o obsesie tematică pentru regizorul Richard Linklater, de la filmul său Breakout Slacker (vezi mai jos), la trilogia lui Before Sunrise/Sunset/Midnight, la proiectul său inovator de vârstă multianuală Boyhood. Amețit și confuz în mare parte fără complot are loc pe parcursul unei singure perioade de 24 de ore, deoarece urmează mai multe grupuri interconectate de adolescenți din Texas în ultima zi a anului școlar 1976. Muzica de aici este specifică perioadei și perfectă, de la “emoția dulce” a lui Aerosmith în scena de deschidere, chiar prin imnul Foghat care explodează în căștile lui Mitch, în timp ce vedem Wooderson, Pink, Slater și Simone cruise pe o autostradă deschisă înainte de lansarea creditelor.

am văzut amețit și confuz săptămâna a ieșit, în toamna anului 1993, când locuiam în Seattle — și am ieșit din teatru într-o ceață, ca și cum aș fi fost transportat înapoi la tinerețea mea Kansas cinci ani mai devreme. Cumva, fictivul 1976 al lui Linklater a evocat perfect ceea ce mi s-a părut 1988 când eram în 1993. Acum-25 de ani mai târziu-amețit și confuz evocă 1993 pentru mine la fel de mult ca orice, chiar dacă continuă să evoce amintiri din 1988 (și 1976). Destul de ciudat, 1993 a fost un an incredibil de distinctiv pentru mine — aveam 22 de ani, tocmai absolvisem facultatea și lucram ca peisagist în Seattle la vârful grunge — totuși o parte din modul în care am experimentat-o a fost prin dorința pentru o perioadă diferită, mai provincială (și în multe feluri mai puțin interesantă) din propria mea viață.

cea mai iconică replică din Dazed and Confused vine de la cuierul Wooderson (interpretat de un necunoscut pe atunci Matthew McConaughey), care spune: “asta îmi place la aceste fete de liceu, omule. Eu îmbătrânesc, ei rămân la aceeași vârstă.”Un sfert de secol mai târziu, același lucru se poate spune și despre personajele filmului, inclusiv Wooderson: copiii pe care îi văd pe ecran nu îmbătrânesc, ceea ce subliniază doar modul în care Dazed continuă să — mi amintească de mai multe ori din propria mea viață-momente multiple și îndepărtate de a fi în viață — pe măsură ce îmbătrânesc.

ca o notă de subsol aici, “Slow Ride” a lui Foghat nu a fost menit să fie piesa de închidere pentru Dazed and Confused, dar Linklater nu a putut să-și asigure drepturile asupra “Rock and Roll-ului” lui Led Zeppelin (după cum spune povestea, chitaristul Jimmy Page a fost în regulă, dar cântărețul Robert Plant nu a semnat). Se poate înțelege de ce Linklater și-ar dori această melodie pentru film (care în sine a fost numită pentru o melodie Led Zeppelin), deși retrospectiv “Slow Ride” este un mod destul de perfect de a încheia filmul.

“soarele greu” al lui Eddie Vedder, din Into the Wild

am venit târziu la adaptarea filmului lui Sean Penn Into the Wild — în mare parte pentru că nu credeam că va avea multe noi de oferit, după ce am citit deja și m-am bucurat de cartea lui Jon Krakauer. Când în sfârșit l-am urmărit, descrierea filmului despre pelerinajul american condamnat al lui Alexander Supertramp m-a afectat într-un mod mult mai intuitiv și mai personal decât cartea. Aceasta este puterea filmelor, cred, cel puțin atunci când funcționează bine: captează sentimentul într-un mod care depășește conținutul faptic sau intelectual.

ceea ce înseamnă că, în timp ce cartea lui Krakauer era captivantă, versiunea filmului Into the Wild era relatabilă într-un mod la care nu mă așteptam să fie. Pe pagina scrisă am putut vedea cum viața lui Christopher MacCandless ar putea fi similară cu a mea (aveam 21 de ani în luna în care a murit și plecasem în călătorii solo în Peninsula olimpică din Washington în aceeași vară), dar pe ecran se simțea că călătoria sa de viață era inseparabilă de aceleași idealuri amețitoare care m-au trimis pe propria mea cale de vagabondare cam în același timp în viață. La fel ca Chris, am sărit trenurile și am rătăcit vestul American când aveam douăzeci de ani, inspirându-mă din volumele cu urechi de câine din Thoreau și Whitman și Edward Abbey. La fel ca Chris, eram dependent de noutate și posibilitate; m-am pus prin nenumărate mici inițiative de sine în pustie și am găsit ceva sacru în acumularea mea treptată de aventuri.

am spus adesea că Vagabonding, cartea care a rezultat din rătăcirile mele tinerești, a fost menită ca un fel de scrisoare către sinele meu de 17 ani-și după ce am privit în sălbăticie mi-am amintit cum, când ești tânăr, există două pericole inerente pentru dorința tinerească de libertate și puritate. Una este că vei fi prea timid pentru a te elibera și a rătăci — dar cealaltă este că vei romantiza excesiv călătoria odată ce este în curs de desfășurare, ceea ce poate fi mai puțin decât ideal atât pentru tine, cât și pentru oamenii pe care îi lași în urmă. Into the Wild, atât cartea, cât și filmul, servesc ca un fel de poveste de avertizare împotriva acestui romantism impetuos, sigur, auto-mitologizant — chiar dacă povestea lui Chris continuă să inspire o mulțime de pelerini și imitatori.

având în vedere ce s-a întâmplat cu MacCandless/Supertramp, Into the Wild este o poveste decisiv întunecată de vârstă, dar cumva scorul popular al lui Eddie Vedder-și, în special, coperta sa plină de suflet a “soarelui dur” al lui Gordon Peterson în scena finală — stă la baza poveștii cu un sentiment plin de speranță de dorință existențială.

“reputația proastă” a lui Freedy Johnston, de la lovituri și țipete

la începutul-mijlocul anilor 1990, au fost realizate o serie de filme de șold în mod conștient, având în vedere piața tineretului “Generația X”-gândiți — vă la mușcături de realitate, single-uri, Empire Records etc. – dar puțini au fost atât de amuzanți și emoționanți ca Kicking and Screaming, debutul auteurului indie Noah Baumbach în 1995. Din punct de vedere al complotului, filmul nu se ridică la prea mult-este vorba despre un grup de patru prieteni care nu pot părăsi Colegiul după ce au absolvit — dar personajele sale deprimate (și afabil de clueless) rezumă staza existențială care poate prinde tinerii chiar în momentul în care ar trebui să facă ceva din ei înșiși în viață.

o parte sentimentală din mine este convinsă că am urmărit acest film extrem de relatabil în exact aceeași fază a vieții ca Grover, Max, Otis și Skippy, cvartetul său de personaje recent absolvite. Într-adevăr, am văzut-o la aproape trei ani după absolvirea facultății, în timp ce eram blocat într-un punct mort personal/profesional între finalizarea cu succes a primei mele călătorii vagabonding și eventuala mea Mutare în Coreea pentru a preda limba engleză (și pentru a-mi prelungi aventurile vagabonding).

a lovi cu piciorul și a țipa este în parte despre pierderea bruscă a statutului social care însoțește absolvirea, când cineva este aruncat din micul iaz al colegiului și în Oceanul agitat al vieții — și cumva paralizia autoimpusă a personajelor și suferința în fața restului vieții lor au făcut ca situația mea să se simtă puțin mai tolerabilă. Cele patru personaje principale poartă jachete sport — ca și cum, a remarcat Baumbach, sunt copii care se joacă la adulți — și am fost atât de luat de această afecțiune încât am cumpărat o jachetă sport pe care să o port la serviciu când am plecat în Coreea la sfârșitul anului 1996.

de departe cele mai mature personaje din Kicking and Screaming sunt prietenele îndelungate ale protagoniștilor, iar momentul culminant al filmului vine atunci când Grover (interpretat de Josh Hamilton) ia în sfârșit decizia de a se alătura fostului său iubit Jane (Olivia d’ Abo) la Praga. “Va fi o poveste bună despre viața mea de adult tânăr”, spune Grover în timp ce se psyches la ghișeul companiei aeriene. “Știi, timpul am ales să merg la Praga.”

această penultimă (și, în cele din urmă, pentru Grover, nu chiar actualizată) scenă de plecare a aeroportului este urmată de unul dintre finalurile mele preferate din toate timpurile-un flashback subevaluat care detaliază momentele dinaintea primului sărut al lui Grover și Jane cu multe luni mai devreme. Sună ciudat chiar și tastând — o aici, dar cumva — în momentul în care “reputația proastă” a lui Johnston începe-solilocviul lui Grover către Jane despre dorința de a fi un cuplu în vârstă (urmat de conștiința de sine a lui Jane despre dacă să-și scoată sau nu reținerea) lovește tonul ideal al stângăciei romantice.

“Tangerine” de Led Zeppelin, din aproape celebrul

povestea în mare parte autografică a lui Cameron Crowe despre călătoria Americii prin rock-n-roll tour-bus ca jurnalist Rolling Stone în vârstă de 15 ani nu este la fel de direct relatabilă ca celelalte filme de vârstă pe care le-am menționat, dar este la fel de distractivă. Multe dintre cele mai bune momente ale filmului se bazează pe muzică — poate nici unul chiar atât de extatic ca atunci când întreaga distribuție strigă de — a lungul “Tiny Dancer” a lui Elton John după o fallout (și Reuniune) în Topeka — și “Tangerine” de Led Zeppelin oferă o codă frumoasă momentului Will Miller (Patrick Fugit) și Russell Hammond (Billy Crudup) în cele din urmă — după atât de mulți kilometri pe drum împreună-stai la casa lui Will pentru a discuta despre muzică într-un mod deschis.

The Faces “Ooh La La” din Rushmore

s — au spus multe despre stilul vizual al regizorului Wes Anderson, dar alegerile sale muzicale sunt la fel de distinctive-iar în Rushmore, efortul iconic al lui Anderson din anul 1998, coloana sonoră a filmului este la fel de mult ca adolescentul lui Jason Schwartzman, max Fischer, sau mogulul de vârstă mijlocie al lui Bill Murray, Herman Blume. Introducerea noastră în ambițiile extrașcolare exagerate ale lui Max nu ar fi aceeași fără montajul anuarului setat la “timpul de realizare” al creației, iar secvența de răzbunare Max-versus-Herman își atinge punctul culminant amar în tonul cine este “unul rapid, în timp ce este plecat.”Scena finală a lui Rushmore își găsește tonul desăvârșit datorită melodiei “Ooh La La” the Faces ” din 1973.”

the Magnetic Fields'” cea mai tristă poveste spusă vreodată”, din mitul Sleepover-ului American

filmul breakout al lui David Robert Mitchell a fost un film de groază înfiorător din 2014 numit it follow — dar debutul său cinematografic a venit cu trei ani mai devreme, odată cu lansarea mitului Sleepover-ului American, care a fost filmat în Michigan cu un buget redus și nu a intrat niciodată în lansare cinematografică largă. S-a întâmplat să-l văd din întâmplare la Angelika Film Center în timp ce vizitam New York în vara anului 2011 și am fost îndrăgostit de modul în care acest film subevaluat (plin de actori necunoscuți) a surprins ceva tangibil și rezonant despre viața adolescenței.

ironia este că există o vagă deliberată a mitului Sleepover-ului American, deoarece nu pare să aibă loc într-o anumită perioadă de timp. Se simte oarecum contemporan, de exemplu, dar niciunul dintre personaje nu folosește telefoane mobile sau Internet — iar “dormitoarele” de la sfârșitul verii implicate de titlu se simt ciudate și anacronice, chiar dacă experiențele pe care personajele le au acolo se simt specifice și relevante din punct de vedere emoțional. Sleepover nu are un final epifanic precum The Breakfast Club (sau unul ebullient precum Dazed and Confused), dar “cea mai tristă poveste spusă vreodată” a câmpurilor magnetice, cuplată cu “Love To Love You” a lui Balthrop, Alabama, lovește nota emoțională potrivită pentru acest film care afectează în mod surprinzător odată ce creditele se rostogolesc. (Ambele melodii apar și în trailerul filmului.)

Horst Wende și “Skokiaan” al Orchestrei sale, din Slacker

al doilea lungmetraj al lui Richard Linklater abia se califică drept un film major, deoarece camera lui Slacker rar persistă pe un personaj foarte mult timp și niciunul dintre ei nu pare să se transforme într-un mod perceptibil. Totuși, există ceva vesel și energizant în secvența finală a filmului, când un grup de personaje tinere se filmează conducând (și apoi urcând) în vârful muntelui Bonnell, lângă Austin. “Skokiaan” este o melodie pop din 1947 a muzicianului din Zimbabwe August Musarurwa, iar cea mai faimoasă interpretare este probabil versiunea lui Louis Armstrong din 1954 — dar liderul trupei Germane Horst Wendecoperta plină de viață din 1958 lovește un ton retro frumos pentru cadrele finale ale Slacker.

în piesa de comentarii DVD a filmului, Linklater spune că această secvență finală — care pare să prezică modul în care tinerii din epoca smartphone-urilor își hiper — documentează propriile vieți-a fost inspirată de un scurtmetraj Bill Daniel. Linklater sperase să încheie filmul cu interpretarea lui Peggy Lee din 1969 a lui Leiber și Stoller ” Is That All there is?”dar a trebuit să se mulțumească cu “Skokiaan” și cu “Strangers Die Everyday” al surferului Butthole, când nu și-a putut asigura drepturile asupra piesei Lee. Pentru urechea mea, tulpinile înfiorătoare ale “străinilor mor în fiecare zi” oferă o textură emoțională mai bună pe măsură ce creditele Slacker se rostogolesc, deoarece “asta este tot ce există?”se simte un pic pe nas pentru un astfel de film ciudate.

Third Eye Blind “Semi-Charmed Life”, din American Pie

deși comedia americană American Pie a lui Paul și Chris Weitz a apărut în 1999, se simte foarte mult ca un film din anii 1980-și a fost probabil ultima dată când am vizionat un film pentru adolescenți cu o sensibilitate slabă la adolescenți. Cel mai adevărat omagiu adus vieții adolescenților americani care a apărut în 1999 nu a fost un film — a fost emisiunea TV Freaks and Geeks (care, în opinia mea, a fost cea mai adevărată evocare pe ecran a adolescenței americane mijlocii făcută vreodată). Cu toate acestea, în timp ce hiperbolele comice ale American Pie nu sună la fel de adevărat ca Ciudații și Geeks, a fost un film încântător de distractiv care vine de vârstă încercând să-ți pierzi virginitatea.

am fost backpacking în jurul Asia și Europa de Est pentru cea mai mare parte din 1999, și în timp ce am fost, probabil, un pic prea vechi aprecia în mod corespunzător coloana sonora, melodiile care apar în scena finală a filmului — al treilea ochi orb “semi-Charmed Life” și goale Naked Ladies “o săptămână” — du-mă înapoi la acel an am petrecut rătăcind est (la fel ca și alte minuni un hit din jurul același timp, cum ar fi Fatboy Slim “The Rockafeller Skank,” Blink-182 lui “toate lucrurile mici,” Tubthumping-ul lui Chumbawamba”,” Walkin’ on the sun “al lui Smash Mouth și” bitter sweet Symphony “al vervei.”

“Oh da” de Yello, din Ferris Bueller ‘ s Day Off

mi-a plăcut pozitiv ziua liberă a lui Ferris Bueller când a apărut în 1986 și rămâne unul dintre filmele mele preferate pentru Adolescenți. Oamenii au, în retrospectivă, disprețuit caracterul Ferris Bueller ca un pic de un muci privilegiat — dar a fost clar pentru mine, chiar ca un adolescent că ziua liberă Ferris Bueller a fost mai puțin un comentariu realist asupra vieții adolescente decât un film fantezie capricios, care a stabilit să se distreze cât mai mult posibil cu premisa sa.

mai mult decât atât, este ușor în retrospectivă să uităm cât de singular era un personaj Ferris: într-un moment în care filmele pentru Adolescenți caracterizau de generații protagoniști în termeni de stereotipuri bazate pe clică, Ferris era unic pentru el însuși — un prieten inteligent, ciudat, hiper-articulat (și nu neapărat atletic sau hiper-masculin) tuturor celor care au umblat prin lume cu puterea irepresibilă a propriei sale carisme. “Oh, da”, piesa instrumentală deosebit de ciudată a lui Yello, a stabilit textura perfectă a sfârșitului filmului, pe măsură ce creditele s-au rostogolit și directorul Rooney și-a luat venirea (iar Ferris însuși ne-a scos din teatru).

“eroii” lui David Bowie, din avantajele de a fi o floare de perete

din motive pe care nu le pot explica pe deplin, am descoperit și am citit (și l-am iubit) pe Stephen Chboskyromanul ya-market din 1999 avantajele de a fi o floare de perete când aveam treizeci de ani. La un nivel logic, povestea în sine nu prea are sens — protagonistul este un inadaptat de boboc care se încadrează perfect cu o grămadă de seniori de șold (și are cumva o forță fizică supraomenească). Cu toate acestea, în mod ciudat, la nivel emoțional, povestea este spot-on în evocarea dorințelor adolescenților, în special așa cum este exprimată prin cântece precum The Smiths “adormit.”

versiunea filmului Wallflower, care a fost regizat de Chbosky însuși, nu prea a funcționat pentru mine — deși scena finală (când Charlie aleargă prin tunelul Fort Pitt din Pittsburgh în spatele unui pickup, declarând, în voce, că “suntem Infiniti”) face un final grozav. În carte, această scenă are loc la Fleetwood Mac “alunecare de teren”; în film piesa este schimbată cu “eroii” lui David Bowie — și este o alegere care lovește tonul perfect pe măsură ce filmul se reduce la credite.