importanța formării clasice într-o lume contemporană

de Kristen Stevens

când oamenii se gândesc la un cântăreț instruit clasic, câteva tipuri stereo pot veni în minte: poate un muzician squawky, pătrat, cu un ego de mărimea Texasului? În calitate de educator de muzică care a urmat o pregătire clasică prin programul Colegiului, a studiat diverse stiluri și genuri, precum și a efectuat majoritatea acestora; Sunt convins că o tehnică clasică este calea de a reuși în orice gen. La fel cum dansatorul instruit clasic își poate transfera controlul asupra corpului pentru a se deplasa în modul în care este solicitat în dansul modern, descoperim că dansatorul modern nu poate lega o pereche de pantofi pointe și poate executa mișcările necesare unei balerine. La fel ca dansatorul clasic, cântărețul clasic are capacitatea de a-și transfera tehnica vocală în orice gen sau stil este solicitat. Cântăreața clasică Kathleen Battle cântă piesa de jazz, Summertime, de Gershwin.

experiența mea este înrădăcinată atât în tradiția contemporană, cât și în cea clasică. Când mi se cere să cânt pentru diverse evenimente, vocea mea trebuie să fie suficient de maleabilă pentru a cânta cu o inflexiune stilistică corectă și un sunet autentic, toată muzica care mi se cere; pot face acest lucru cu ușurință datorită pregătirii mele clasice. Din păcate, este rar ca cântărețul contemporan să-și transfere tehnica pentru a se potrivi stilului clasic și, uneori, tehnica lor este atât de limitată încât poate chiar să le limiteze la un stil singular de muzică. Chiar și cei mai talentați interpreți contemporani se luptă să mențină corectitudinea stilistică atunci când încearcă să cânte în stilul clasic.

urechea poate distinge cu ușurință că există diferențe majore între genuri, cu toate acestea majoritatea oamenilor care nu au fost instruiți formal în muzică au dificultăți în a pune în cuvinte diferențele pe care urechea le identifică. Mai jos vom proba unele dintre diferitele diferențe și, de asemenea, du-te într-un pic de ce lucrurile se fac așa cum sunt.

amplificare și îmbunătățire Electronică

una dintre cele mai vizibile diferențe dintre cântărețul clasic și cântărețul contemporan este utilizarea echipamentelor electronice pentru amplificarea și îmbunătățirea sunetului vocii. Cântărețul clasic folosește rar un microfon sau orice alt amplificator electronic datorită instruirii, plasării și tehnicii la care se asociază. De cele mai multe ori, dacă un microfon/ microfoane sunt văzute la o performanță, este de obicei în scopuri de înregistrare, mai degrabă decât de amplificare. Cu toate acestea, datorită dimensiunii crescânde a locurilor de spectacol, devine încet mai acceptabil să folosiți microfonul pentru arene foarte mari și evenimente în aer liber. De asemenea, este foarte dificil pentru inginerii audio/ echipajele de sunet să obțină un sunet bun pentru cântăreț, deoarece muzica, opera sau cântecul de artă, vor necesita adesea dinamici extreme și uneori terasate (schimbări rapide între sunetul extrem de moale și extrem de puternic), este, de asemenea, dificil să se atingă un ton bun fără ca cântăreața să sune prea aramă sau ascuțită. Acest tip de voce este de obicei cel mai bine apreciat în timp ce se află la cel puțin 20 de metri de cântăreață.

vocaliștii contemporani se bazează adesea foarte mult pe amplificarea electronică. Acest lucru se datorează în primul rând plasării și intonării sunetului, de asemenea, utilizarea instrumentelor amplificate contribuie la nevoia de echilibru între vocaliști și instrumentiști. (Înainte de a face următoarea declarație, vă rog să înțelegeți că îmi dau seama că există vocaliști contemporani foarte talentați în lume, din păcate, ei sunt rareori cei auziți la radio.) Artiștii contemporani folosesc adesea îmbunătățiri vocale și tunere automate pentru a-și corecta defectele vocale, creând astfel înregistrarea de studio, care este apoi curățată și procesată pentru a crea produsul pe care îl auziți la radio sau la alt dispozitiv muzical portabil. Acesta este motivul pentru care oamenii pot uneori dezamăgit atunci când aud lor preferat trupa/ artist interpret spectacole live sau seturi acustice.

dicție

o diferență uriașă pe care o veți observa între clasic și contemporan este utilizarea de către fiecare entitate a dicției. În muzica contemporană, limbajul este mai des conversațional, spre deosebire de clasic, care folosește adesea întinderi lungi, legato, de cuvinte care intră în altul, separate de consoane uneori dure. Vocalele cântăreței contemporane sunt, de asemenea, uneori modificate pentru a crea un efect ciudat sau un idiom care este folosit pentru a descrie o anumită emoție( adică; cuvântul “păr” pronunțat “hayyyer”), de asemenea trecerea la al doilea sunet al dipthong (două sunete vocale care apar într-o singură silabă, neseparate de o consoană) mai devreme decât ar fi folosit în conversația normală (adică.; cuvântul” viață “pronunțat ” lieeef”.)

în cântarea clasică, așa cum s-a menționat mai sus, există de obicei consoane sonore clare, acest lucru se datorează lipsei de amplificare electronică. Cântărețul folosește consoanele pentru a tăia sunetul Orchestrei sau al instrumentelor însoțitoare, pentru ca limba să poată fi identificată și înțeleasă. Cântărețul clasic se străduiește să cânte mai degrabă pe vocală decât pe consoană și, adesea, amână fonarea celui de-al doilea sunet al dipthong; acesta este standardul, cu excepția cazului în care este instruit altfel în partitura muzicală. Cântărețul clasic citește, de asemenea, atât muzica, cât și alfabetul Fenetic internațional (IPA) pentru a asigura pronunția corectă a diferitelor limbi în care li se poate cere să cânte.

limbi

este necesar ca cântărețul clasic să cânte în mai multe limbi pentru a oferi o reproducere autentică, de epocă, a designului original al compozitorului. Cântăreața va lua adesea cursuri care explică diferitele simboluri care sunt folosite pentru a exprima fonemele (cele mai mici unități de sunet de vorbire) la care sunt asociate (adică.; un cântăreț clasic va citi în transcrierea IPA, iar pentru ei înseamnă să pronunți vocala “e” ca în “eu” sau poate vor citi simbolul și îl vor pronunța “uh” ca în “caramel.”) Pe lângă pronunția corectă, cântărețul trebuie să cerceteze și traducerea cuvânt cu cuvânt, precum și traducerea poetică pentru a permite o flexiune corectă a textului. Acest lucru este probabil la fel de crucial ca pronunția corectă, deoarece adesea publicul nu va înțelege limba și, prin urmare, se va baza pe artist pentru a exprima emoția piesei prin expresie facială și gesturi corporale.

în tradiția contemporană, cântecele sunt de obicei cântate în limba populară, cu excepția cazului în care piesa este destinată publicului multicultural, caz în care unii cântăreți vor interpreta o parte din concert, album etc. într-o anumită limbă, apoi treceți spre o altă limbă pentru o porțiune diferită a setului. Cântarea în limba populară permite interpretului să se concentreze mai mult pe inflexiune și mai puțin pe limbă. Ceea ce este comun în ambele stiluri este că muzica și cuvintele ar trebui memorate înainte de a urmări performanța publică.

Vibrato

Vibrato este oscilația sau vibrația suprapusă pe un pas susținut. Este adesea descrisă ca calitatea strălucitoare, tremurătoare sau fluturând a unei anumite voci și apare în mod natural într-o oarecare măsură în orice voce sănătoasă. În cântarea clasică, vibrato-ul debutează imediat după consoană și rămâne consecvent pe tot parcursul. Excepția este dacă cântăreața interpretează o lucrare din perioada renascentistă sau barocă, caz în care un ton pur poate fi mai corect din punct de vedere stilistic. Vibrato este o componentă cheie a intonației și a performanței generale pentru cântăreața clasică.

cântărețul contemporan folosește și vibrato, deși, deoarece muzica este mai conversațională, vibrato este de obicei rezervat pentru ornamentarea sfârșitului notelor susținute. Cu toate acestea, există ocazii în care cântărețul contemporan folosește vibrato mai frecvent, este de obicei foarte subtil și poate fi folosit dramatic în porțiunile mai moi ale melodiei pentru a asigura un sunet de bază, mai degrabă decât un sunet aerisit, menținând în același timp dinamica dorită.

în acest videoclip, instructorul Kerri Ho descrie tehnicile utilizate frecvent pentru a dezvolta vibrato consecvent.

registre

în cântarea clasică, vocea trebuie să sune ca o entitate singulară, cu tranziții fără sudură între registre. Cu nenumărate ore de practică și metodologie care ne împing, ne trag, ne împing, Julia ne copilărește prin passagio (punctul de tranziție între registre) pentru a crea o tranziție perfectă, cântăreața clasică se străduiește pentru singularitatea sunetului care vine atunci când spațiile rezonante sunt echilibrate și există acces atât la registrele superioare, cât și la cele inferioare. În esență, acest lucru înseamnă că se străduiesc să păstreze vocea sunând ca și cum ar aparține aceleiași persoane în orice registru pe care îl cântă (adică.; nu sună ca Idina Minzel în timp ce în vocea pieptului, apoi sună ca Paris Hilton în vocea capului.)

în contemporan, se pune mult mai puțin accent pe un passagio fără sudură, adesea vocea pieptului este dusă la extrem creând sunetul denumit “centură.”Nu este neobișnuit ca un cântăreț să aibă o voce puternică în piept, dar apoi să facă un salt vizibil până la sunetul ușor, mai puțin concentrat al vocii capului. Cu toate acestea, atunci când un cântăreț contemporan trece curat prin passagio, oamenii observă cât de talentați sunt acești indivizi să aibă o gamă atât de “puternică și largă”. “Pauza” (urăsc acest termen pentru că nimic din vocea ta nu este de fapt rupt, ci se referă mai degrabă la sfârșitul unui anumit registru) din registre este uneori folosit de artiștii contemporani pentru a crea un efect dramatic.

spații rezonante

corpul uman conține propriile spații rezonante care permit vibrațiilor din pliul vocal să manifeste și să amplifice sunetul produs. Corpul conține patru camere rezonante principale despre care fiecare cântăreț ar trebui să știe: cap, gură, nazal și piept. Acestea nu trebuie confundate cu registrele. Acestea sunt spațiile care ajută la crearea unei anumite zgomote fără a tensiona vocea.

în muzica clasică, obiectivul este de a crea cât mai mult spațiu posibil în tot spațiul rezonant disponibil. Singurul spațiu care nu este folosit în cântarea clasică este rezonanța gurii, în primul rând datorită țesutului moale (fălcile și limba) care acționează ca o entitate absorbantă a sunetului. Actul de a crea spațiu se realizează prin coborârea laringelui și ridicarea palatului moale pentru a avea acces deplin la celelalte trei rezonatoare. Utilizarea corectă a acestor spații rezonante are ca rezultat independența cântărețului clasic față de dispozitivele de amplificare.

genurile contemporane folosesc fiecare spații rezonante diferit. În muzica populară, interpretul cântă adesea cu rezonanța gurii sau rezonanța vorbirii, deoarece muzica tinde să fie conversațională. În teatrul muzical, plasarea tinde să se afle în rezonanța nazală/mască și are un sunet foarte înainte. Rockul, alternativa, ritmul și blues-ul și jazz-ul se bazează foarte mult pe microfon, la fel ca muzica populară și, în mod similar, rezonanța nu este la fel de accentuată, deși este de dorit un echilibru bun.

citirea muzicii

citirea muzicii este necesară cântărețului clasic, nu numai citirea muzicii (știind că al doilea spațiu al treble, sau personalul G este un A), dar este de așteptat ca cântărețul clasic să poată citi muzica la vedere (cântă ceea ce direcționează pagina fără o audiere pervioasă). Motivul pentru care consider că lectura muzicală este o parte atât de importantă a pregătirii oricărui muzician, este pentru că tu, artistul, te bazezi pe tine însuți pentru a crea și interpreta muzica și nu trebuie să te bazezi pe interpretarea altcuiva.

unii cântăreți contemporani citesc Muzică, acesta este de obicei rezultatul programului de muzică al școlii publice sau al studioului de muzică care împinge citirea muzicii ca parte a curriculumului său. De obicei, cântăreții contemporani înțeleg elementele de bază ale lecturii muzicale, cu toate acestea, cu excepția cazului în care își compun propria muzică, nu este stresată și rareori este apreciată. Deși citirea muzicii este esențială, dezvoltarea și practica audierii (sau a auzului interior) trebuie învățate, de asemenea, sau citirea muzicii nu va aduce beneficii cântărețului. Uneori, pentru a compensa lipsa de pricepere în citirea muzicii, cântăreții contemporani se pot baza mai mult pe auz pentru a învăța muzica, dar, în general, pot improviza și ad lib cu ușurință.

transfer de tehnică

poate fi o surpriză faptul că mi se cere adesea să cânt muzică contemporană. De asemenea, trebuie să recunosc că, înainte de a cânta colegial, nu avusesem nicio pregătire clasică, ceea ce face școala de muzică mult mai provocatoare. Înainte de experiența mea colegiu, am condus frecvent cult pentru Biserica Mea și a făcut câteva concerte cu niște prieteni cântând unele alternative/muzica rock, si da, am făcut totul greșit: nici măcar nu știam că am avut un registru superior – a fost tot voce piept. Inutil să spun, primul meu semestru de voce privată a fost destul de luptă. Cu toate acestea, după ce tehnica mea a fost solidă, am reușit să transfer conceptele cântării vocale clasice în stilul meu contemporan de muzică și, spre surprinderea mea, am sunat mult mai bine. Pentru mine, beneficiile formării clasice s-au manifestat și în alte genuri, pe lângă repertoriul clasic. Beneficiile cântării contemporane includeau: o gamă lărgită, ceea ce însemna că puteam cânta o varietate mai largă de muzică, corectând cântarea în diferite registre pentru perioade lungi de timp, fără oboseală sau tensiune în gât ca urmare a unei tehnici defecte.

m-am gândit, de asemenea, să includ câteva adevăruri cu care fiecare cântăreț, clasic sau contemporan, trebuie să se împace, dacă vrea să devină un muzician de succes, independent.

• nu vei suna (și nu ar trebui) ca artistul care ți-a făcut repertoriul celebru. Trebuie să fii suficient de confortabil cu propriul tău sunet unic și trebuie să faci ca acel sunet să se întâmple cât mai bine de fiecare dată când cânți. Este întotdeauna o idee bună să vă înregistrați lecțiile și să vă comparați cu dvs. într-o etapă anterioară și să vă evaluați performanța pe baza propriei îmbunătățiri.
• citirea partiturilor este importantă. Aceasta este o abilitate neprețuită de a avea, deoarece te face un muzician independent. Ați văzut vreodată o bucată de hârtie care a fost copiată și re-copiată? Devine din ce în ce mai neclară cu fiecare copie – într – un sens, asta se întâmplă cu muzica atunci când nu obținem datele muzicale pentru noi înșine – ascultăm interpretarea altcuiva-sau o copie, prin urmare tot ce putem spera să obținem prin aceasta este o imagine puțin mai distorsionată a conceptului pe care compozitorul încerca inițial să-l transmită. În muzica contemporană lib. este acceptabil, dar înainte de crafting o variație, trebuie să știți tema, și că cunoștințele sunt obținute pe pagina.
• trebuie să cunoașteți trăsăturile stilistice ale genului pe care îl cântați. Știu că acest lucru poate părea ca un nu-brainer, dar asculta performerii de top ale genului și să respecte trăsăturile de stil pe care le afișează. În ce perioadă a fost scris acest lucru? Fac “alergări” frecvente sau ornamente nescrise? Fac ei lib., dacă da, când este potrivit din punct de vedere stilistic să faceți acest lucru? Își modifică dicția? Folosesc silabe non-cuvânt? Cântă sau vorbesc ritmic pe teren? Este important să ascultați critic muzica pentru a determina ce face genul diferit de altul.

trecerea de la un fundal non-clasic în formarea clasică, am constatat că este cel mai benefic pentru a învăța metoda clasică. Dacă decideți că muzica este ocupația dorită, cel mai comun program de muzică pe care îl veți întâlni la nivel colegial necesită un anumit grad de pregătire clasică, majoritatea colegilor dvs. de clasă vor fi avut această experiență într-o oarecare măsură fie prin UIL, concursuri solo de stat, iar unii pot chiar concura la Asociația Națională a profesorilor de cântăreți (NATS) concursuri. Recomand antrenamentul clasic, deoarece echipează cântărețul cu elementele esențiale pentru a avea succes în călătoria lor muzicală, oferind: abilități de citire a muzicii, antrenament pentru urechi, tehnică versatilă și, cel mai important, independența de a cânta orice îi face fericiți.