12 Great Coming-Of-Age Movie Final-Scene Songs

Eines der Schreibprojekte, an denen ich diesen Winter gearbeitet habe, ist Last Nine, ein Coming-of-Age-Drehbuch, an dem ich seit mehr als einem Jahrzehnt arbeite. Last Nine basiert auf einem einzigen Vorfall, an den ich mich aus meinem Spanischunterricht an der High School erinnere, als ich 17 Jahre alt war, und erzählt die Geschichte eines Teenagers, dessen Welt sich zu verändern beginnt, als er in den Wochen kurz vor seinem Abitur eine neue Gruppe von Freunden findet.

Obwohl ich weiß, dass Drehbuchautoren nach der Produktion des Films wenig Kontrolle über den Soundtrack haben, habe ich Last Nine in dem Sinne geschrieben, dass Woody Guthrie’s Cover von The Carter Family’s “Will You Miss Me When I’m Gone” spielen wird, während sich die Charaktere in der letzten Szene zum letzten Mal versammeln. Dieses düstere, sentimentale Volkslied wird genau den richtigen Ton — oder genauer gesagt den richtigen Sinn für ironische Gegenüberstellung — setzen, wenn die Charaktere zum ersten Mal das Haus verlassen (auf ihre eigene Art und Weise).

Musik spielt in allen Filmen eine wichtige Rolle, aber einzelne Songs hatten schon immer eine starke Präsenz — und psychische Resonanz – in Coming-of-Age-Filmen. Einige meiner stärksten Erinnerungen als Kinogänger sind in diesen unbeschreiblichen Momenten entstanden, in denen ein strategisch ausgewählter Song die emotionale Wirkung eines ganzen Films verstärkt.

Ich habe hier meine 12 Lieblings-End-of-Movie-Song-Momente aufgelistet, zusammen mit meinen Gedanken darüber, warum diese Musikauswahl so effektiv war. Ich habe mich eher auf eigenständige Songs als auf Filmmusik konzentriert, die eine Handvoll resonanter Coming-of-Age-Filme auslässt, die mit Variationen der Titelmusik der Geschichte enden (wie Maurice Jarres mitreißendes Thema zu Dead Poets Society und Nicholas Britells herzzerreißendes Leitmotiv von Moonlight). Ich habe sie hier weniger nach “Rang” aufgeschlüsselt als nach der Art und Weise, wie ich mich an sie erinnere.

Simple Minds ‘ “Don’t You (Forget About Me)” aus dem Frühstücksclub

Dies ist ein typischer End-of-Movie-Song aus einer typischen Teen-Movie-Endszene, geschrieben und inszeniert von dem typischen Teen-Movie-Autor John Hughes. Ich erinnere mich, wie ich The Breakfast Club 1986 im Alter von 15 Jahren auf VHS gesehen habe und dachte, dass Hughes etwas Einzigartiges und dem Teenagerleben Getreues erreicht hatte.

Jahre später fühlt es sich an, als wären die konfessionellen Monologe (und die plötzliche romantische Paarung) unter den unterschiedlichen Charakteren des Frühstücksclubs eher idealisiert als realistisch. Dennoch steht außer Frage, dass es ein bahnbrechender Film war, wie amerikanische Teenager — und ihre Ängste, Hoffnungen und Sorgen — auf der Leinwand dargestellt wurden. “Don’t You (Forget About Me)” unterstreicht die Frage (wer sind diese Kinder und was werden sie nach dem heutigen Tag füreinander bedeuten?) während des Höhepunkts der symbolischen Rebellion des Films: Brian liest seinen Aufsatz “you see us as you want to see us” in einem Voice-Over, während Bender seine Faust in die Luft pumpt und der Abspann rollt.

Interessanterweise widersetzte sich die schottische Rockband Simple Minds zunächst der Aufnahme des Songs, der von Produzent Keith Forsey und Gitarrist Steve Schiff komponiert wurde (Bryan Ferry und Billy Idol hatten die Gelegenheit bereits abgelehnt). Sie gaben schließlich unter dem Druck ihres Plattenlabels nach, und die Band ist jetzt für diesen Song in Erinnerung — und die Art und Weise, wie er das triumphale endgültige Image des Frühstücksclubs hervorruft.

Ben E. King’s “Stand By Me” aus Stand By Me

Während “Don’t You (Forget About Me)” sowohl am Anfang als auch am Ende von The Breakfast Club gespielt wurde, spielen verschiedene Variationen von Ben E. Kings gleichnamiger Soul-Melodie in Stand By Me. Ich war 15 auf 16, als ich diesen Film zum ersten Mal sah, und irgendwie fand ich diese vier Charaktere (die 12 auf 13 waren) tief, bewegend zuordenbar.

Der Essayist Louis Menand hat (im Kontext von Salingers Catcher in the Rye) geschrieben, dass Nostalgie am schärfsten ist, wenn wir noch jung sind, und Stand By Me ließ den 15-jährigen mich nach der Person sehnen, die ich im Alter von 12 Jahren war. Dies ist kein besonders glücklicher Film — es ist, Letztendlich, über eine Gruppe von Jungen, die sich auf den Weg machen, um eine Leiche zu finden – aber etwas an der Art und Weise, wie die Charaktere mit dem Tod ihrer eigenen vorpubertären Jugend konfrontiert sind, hat mich dazu gebracht, meine eigene zu vermissen.

Ich hatte keine Ahnung, dass Stand By Me auf einer Stephen-King-Novelle basiert, als ich sie zum ersten Mal sah, aber im Nachhinein fühlt sich die Kernhandlung — junge Charaktere, die sich ohne Erwachsene auf den Weg machen, um Abenteuer zu erleben und ihre Dämonen zu bekämpfen — sehr wahr an sein größeres Werk. Eine Art Nostalgie durchdringt die Erzählung des Films, nicht nur in der Tatsache, dass seine Sehenswürdigkeiten und Lieder an das Kleinstadt-Amerika der späten 1950er Jahre erinnern — sondern auch in der Tatsache, dass die Geschichte von dem erwachsenen Gordie (Richard Dreyfuss) erzählt wird, der auf seine Jugend zurückblickt, nachdem er vom Tod seines Freundes aus Kindertagen gelesen hat.

So wie “Don’t You (Forget About Me)” die Hartnäckigkeit der Freundschaft im Frühstücksclub unterstreicht, dient der Song “Stand By Me” letztendlich dazu, das Verschwinden der Bindung zwischen den vier Jungen im Film zu betrauern und das Gefühl des Verlusts zu artikulieren, das King in den ersten Zeilen seiner Novelle zu beschreiben versucht:

” Die wichtigsten Dinge sind am schwersten zu sagen. Es sind die Dinge, für die du dich schämst, weil Worte sie schmälern … Die wichtigsten Dinge liegen zu nahe an der Stelle, an der dein geheimes Herz begraben ist, wie Orientierungspunkte für einen Schatz, den deine Feinde gerne stehlen würden. Und Sie können Enthüllungen machen, die Sie teuer zu stehen kommen, nur damit die Leute Sie auf lustige Weise ansehen, ohne zu verstehen, was Sie überhaupt gesagt haben, oder warum Sie dachten, es sei so wichtig, dass Sie fast geweint hätten, während Sie es sagten. Das ist das Schlimmste, denke ich. Wenn das Geheimnis in sich verschlossen bleibt, nicht aus Mangel an einem Erzähler, sondern aus Mangel an einem verständnisvollen Ohr.”

Foghats “Slow Ride” von Dazed and Confused

The passage of time war schon immer eine thematische Obsession für Regisseur Richard Linklater, von seinem Breakout-Film Slacker (siehe unten) über seine Before Sunrise / Sunset /Midnight-Trilogie bis hin zu seinem innovativen mehrjährigen Coming-of-Age-Projekt Boyhood. Das weitgehend handlungsfreie Dazed and Confused spielt sich über einen Zeitraum von 24 Stunden ab und folgt mehreren miteinander verbundenen Gruppen von Teenagern aus Texas am letzten Tag des Schuljahres 1976. Die Musik hier ist zeitspezifisch und perfekt, von Aerosmiths “Sweet Emotion” in der Eröffnungsszene bis hin zu der berauschenden Foghat-Hymne, die in Mitchs Kopfhörern explodiert, als wir Wooderson, Pink, Slater und Simone auf einer offenen Autobahn kreuzen sehen, bevor die Credits rollen.

Ich sah Dazed and Confused in der Woche, als es herauskam, im Herbst 1993, als ich in Seattle lebte — und ich verließ das Theater im Dunst, als wäre ich fünf Jahre zuvor in meine Jugend in Kansas zurückversetzt worden. Irgendwie erinnerte Linklaters fiktives 1976 perfekt daran, wie sich 1988 für mich anfühlte, als ich 1993 war. Jetzt – 25 Jahre später – erinnert Dazed and Confused für mich genauso an 1993 wie an alles andere, auch wenn es weiterhin Erinnerungen an 1988 (und 1976) hervorruft. Seltsamerweise war 1993 ein unglaublich unverwechselbares Jahr für mich — ich war 22, hatte gerade das College abgeschlossen und arbeitete als Landschaftsgärtner in Seattle auf dem Höhepunkt des Grunge — doch ein Teil der Art, wie ich es erlebte, war die Sehnsucht nach einer anderen, provinzielleren (und in vielerlei Hinsicht weniger interessanten) Zeit meines eigenen Lebens.

Die kultigste Zeile in Dazed and Confused stammt von dem seit langem absolvierten Wooderson (gespielt von einem damals unbekannten Matthew McConaughey), der sagt: “Das ist es, was ich an diesen Highschool-Mädchen liebe, Mann. Ich werde älter, sie bleiben gleich alt.” Ein Vierteljahrhundert später könnte man dasselbe für die Charaktere des Films sagen, einschließlich Wooderson: Die Kinder, die ich auf dem Bildschirm sehe, altern nicht, was nur die Art und Weise unterstreicht, wie Dazed mich weiterhin an mehrere Male meines eigenen Lebens erinnert — mehrere, weit entfernte Momente des Lebens -, wenn ich älter werde.

Als Fußnote hier, Foghat’s “Slow Ride” war nicht dazu gedacht, den Abschluss track zu Dazed and Confused, aber Linklater konnte nicht sichern Sie sich die Rechte an Led Zeppelin’s “Rock and Roll” (wie die Geschichte geht, Gitarrist Jimmy Page war in Ordnung mit ihm, aber Sänger Robert Plant würde nicht abmelden). Man kann verstehen, warum Linklater diesen Song für den Film haben möchte (der selbst nach einem Led Zeppelin-Song benannt wurde), obwohl “Slow Ride” im Nachhinein ein ziemlich perfekter Weg ist, den Film zu beenden.

Eddie Vedders “Hard Sun” aus Into the Wild

Ich kam zu spät zu Sean Penns Verfilmung von Into the Wild — zum großen Teil, weil ich nicht dachte, dass es viel Neues zu bieten hätte, nachdem ich Jon Krakauers Buch bereits gelesen und genossen hatte. Als ich es mir endlich angesehen habe, hat mich die Darstellung von Alexander Supertramps zum Scheitern verurteilter amerikanischer Pilgerreise auf eine Weise beeinflusst, die weitaus intuitiver und persönlicher war als das Buch. Das ist die Kraft von Filmen, denke ich, zumindest wenn sie gut funktionieren: Sie erfassen Gefühle auf eine Weise, die über sachliche oder intellektuelle Inhalte hinausgeht.

Das heißt, während Krakauers Buch fesselnd war, war die Filmversion von Into the Wild auf eine Weise zuordenbar, die ich nicht erwartet hatte. Auf der geschriebenen Seite konnte ich sehen, wie Christopher maccandlessdas Leben könnte meinem eigenen ähnlich sein (ich war 21 in dem Monat, in dem er starb, und hatte im selben Sommer Solo-Treks auf Washingtons Olympic Peninsula unternommen), aber auf dem Bildschirm fühlte es sich an, als wäre seine Lebensreise untrennbar mit den gleichen berauschenden Idealen verbunden, die mich ungefähr zur gleichen Zeit im Leben auf meinen eigenen vagabundierenden Weg geschickt haben. Wie Chris bin ich mit Anfang zwanzig in Züge gesprungen und durch den amerikanischen Westen gewandert, wobei ich mich von Eselsohren von Thoreau und Whitman und Edward Abbey inspirieren ließ. Wie Chris, Ich war süchtig nach Neuheit und Möglichkeit; Ich habe mich in der Wildnis unzähligen kleinen Selbstinitiativen unterzogen, und ich fand etwas Heiliges in meiner allmählichen Anhäufung von Abenteuern.

Ich habe oft gesagt, dass Vagabunding, das Buch, das aus meinen jugendlichen Wanderungen resultierte, als eine Art Brief an mein 17-jähriges Ich gedacht war – und nachdem ich Into the Wild beobachtet hatte, wurde ich daran erinnert, wie, wenn du jung bist, gibt es zwei inhärente Gefahren für den jugendlichen Drang nach Freiheit und Reinheit. Eine davon ist, dass Sie zu schüchtern sein werden, um sich tatsächlich zu befreien und zu wandern — aber die andere ist, dass Sie die Reise über romantisieren werden, sobald sie im Gange ist, was für Sie selbst und die Menschen, die Sie zurücklassen, weniger als ideal sein kann. Into the Wild, sowohl das Buch als auch der Film, dienen als eine Art warnende Geschichte gegen diese ungestüme, schwanzlutschende, sich selbst mythologisierende Romantik – auch wenn Chris ‘Geschichte weiterhin eine Menge Pilger und Nachahmer inspiriert.

In Anbetracht dessen, was mit MacCandless / Supertramp passiert ist, ist Into the Wild eine ausgesprochen dunkle Coming-of-Age—Geschichte, aber irgendwie untermauert Eddie Vedders folkige Partitur — und insbesondere sein gefühlvolles Cover von Gordon Petersons “Hard Sun” in der letzten Szene – die Geschichte mit einem hoffnungsvollen Gefühl existenzieller Sehnsucht.

Freedy Johnstons “Bad Reputation” from Kicking and Screaming

Anfang bis Mitte der 1990er Jahre wurden eine Reihe von selbstbewusst angesagten Filmen mit Blick auf den Jugendmarkt der “Generation X” gedreht – denken Sie an Reality Bites, Singles, Empire Records usw. – aber nur wenige waren so lustig und ergreifend wie Kicking and Screaming, das Debüt des Indie-Autors Noah Baumbach von 1995. In Bezug auf die Handlung macht der Film nicht viel aus – es geht um eine Gruppe von vier Freunden, die das College nach ihrem Abschluss nicht ganz verlassen können —, aber seine geschwätzig depressiven (und leutselig ahnungslosen) Charaktere verkörpern die existenzielle Stase, die junge Männer in dem Moment ergreifen kann, in dem sie im Leben etwas aus sich machen sollen.

Ein sentimentaler Teil von mir ist überzeugt, dass ich diesen höchst zuordenbaren Film in genau derselben Lebensphase gesehen habe wie Grover, Max, Otis und Skippy, sein Quartett kürzlich graduierter Charaktere. In Wahrheit sah ich es fast drei Jahre nach dem College-Abschluss, während ich in einer persönlichen / beruflichen Sackgasse zwischen dem erfolgreichen Abschluss meiner ersten Vagabunding-Reise und meinem eventuellen Umzug nach Korea steckte, um Englisch zu unterrichten (und meine Vagabunding-Abenteuer zu verlängern).

Bei Kicking and Screaming geht es zum Teil um den plötzlichen Verlust des sozialen Status, der mit dem Abschluss einhergeht, wenn man aus dem kleinen Teich des Colleges in den aufgewühlten Ozean des Lebens geworfen wird — und irgendwie hat die selbst auferlegte Lähmung und das Leiden der Charaktere angesichts des Restes ihres Lebens meine eigene Situation etwas erträglicher gemacht. Die vier Hauptcharaktere tragen alle Sportjacken – als wären es, wie Baumbach bemerkt hat, Kinder, die als Erwachsene spielen — und ich war von dieser Affektiertheit so angetan, dass ich mir eine Sportjacke kaufte, die ich bei der Arbeit tragen konnte, als ich Ende 1996 nach Korea aufbrach.

Die mit Abstand reifsten Charaktere in Kicking and Screaming sind die langmütigen Freundinnen der Protagonisten, und der Höhepunkt des Films kommt, als Grover (gespielt von Josh Hamilton) endlich die Entscheidung trifft, sich seiner ehemaligen Geliebten Jane (Olivia D’Abo) in Prag anzuschließen. “Es wird eine gute Geschichte meines jungen Erwachsenenlebens sein”, sagt Grover, während er sich am Schalter der Fluggesellschaft aufrafft. “Weißt du, die Zeit, die ich gewählt habe, um nach Prag zu gehen.”

Auf diese vorletzte (und letztendlich für Grover nicht ganz aktualisierte) Abflugszene am Flughafen folgt eines meiner Lieblingsfilmenden aller Zeiten – eine dezente Rückblende, die die Momente vor Grovers und Janes erstem Kuss viele Monate zuvor beschreibt. Es klingt kitschig, wenn man es nur hier tippt, aber irgendwie — in dem Moment, kurz bevor Johnstons “schlechter Ruf” einsetzt — Grovers Monolog mit Jane darüber, dass sie sich wünschen, sie wären ein altes Paar (gefolgt von Janes Selbstbewusstsein, ob sie ihren Halter herausnehmen sollen oder nicht) schlägt den idealen Ton romantischer Unbeholfenheit an.

Led Zeppelins “Tangerine” aus Almost Famous

Cameron Crowes weitgehend autografische Geschichte über das Reisen Amerikas mit dem Rock-n-Roll-Tourbus als 15-jähriger Rolling Stone-Journalist ist nicht so direkt zuordenbar wie die anderen Coming-of-Age-Filme, die ich erwähnt habe, aber es macht genauso viel Spaß. Viele der besten Momente des Films hängen von der Musik ab — vielleicht keiner ganz so ekstatisch wie wenn die gesamte Besetzung nach einem Band—Fallout (und einer Reunion) in Topeka zu Elton Johns “Tiny Dancer” schreit — und Led Zeppelins “Tangerine” bietet eine schöne Coda für den Moment, in dem Will Miller (Patrick Fugit) und Russell Hammond (Billy Crudup) sich endlich – nach so vielen gemeinsamen Kilometern – bei Will zu Hause setzen, um offenherzig über Musik zu diskutieren.

The Faces ‘ “Ooh La La” aus Rushmore

Über den visuellen Stil von Regisseur Wes Anderson wurde viel gesagt, aber seine musikalischen Entscheidungen sind genauso unverwechselbar — und in Rushmore, Andersons ikonischem zweiten Versuch von 1998, ist der Soundtrack des Films genauso ein Charakter wie Jason Schwartzmans übererfüllter Teenager Max Fischer oder Bill Murrays Mogul mittleren Alters Herman Blume. Unsere Einführung in Max’übertriebene außerschulische Ambitionen wäre nicht die gleiche ohne die Jahrbuchmontage, die auf Creations “Making Time” eingestellt ist, Und die Max-versus-Herman-Rachesequenz erreicht ihren bitteren Höhepunkt mit der Melodie von The Who “A Quick One, Während er weg ist.” Rushmores letzte Szene findet ihren vollendeten Ton dank der bittersüßen Melodie von 1973 “Ooh La La.”

The Magnetic Fields’ “Saddest Story Ever Told” aus The Myth of the American Sleepover

David Robert Mitchells Breakout-Film war ein gruseliger Teen—Sex-Horrorfilm aus dem Jahr 2014 namens It Follows – aber sein Filmdebüt gab er drei Jahre zuvor mit der Veröffentlichung von The Myth of the American Sleepover, der mit einem knappen Budget in Michigan gedreht wurde und nie in die Kinos kam. Ich habe es zufällig im Angelika Film Center gesehen, als ich im Sommer 2011 New York besuchte, und ich war verliebt in die Art und Weise, wie dieser zurückhaltende Film (voller unbekannter Schauspieler) etwas Greifbares und Resonantes über das Teenagerleben einfing.

Die Ironie hier ist, dass der Mythos des amerikanischen Sleepover absichtlich unbestimmt ist, da er in keinem bestimmten Zeitraum zu erfolgen scheint. Es fühlt sich zum Beispiel etwas zeitgemäß an, aber keiner der Charaktere benutzt Handys oder das Internet — und die spätsommerlichen “Übernachtungen”, die der Titel impliziert, fühlen sich urig und anachronistisch an, auch wenn sich die Erfahrungen der Charaktere dort emotional spezifisch und relevant anfühlen. Sleepover hat kein epiphanisches Ende wie The Breakfast Club (oder ein überschwängliches wie Dazed and Confused), aber die “traurigste Geschichte, die jemals erzählt wurde” von Magnetic Fields, gepaart mit Balthrop, Alabamas “Love to Love You”, trifft die richtige emotionale Note zu diesem überraschend bewegenden Film, sobald die Credits rollen. (Beide Songs sind auch im Trailer des Films enthalten.)

Horst Wende und sein Orchester “Skokiaan” aus Slacker

Richard Linklaters zweiter Spielfilm ist kaum als Coming-of-Age-Film zu qualifizieren, da Slackers Kamera selten sehr lange auf einer Figur verweilt und keine von ihnen sich erkennbar zu transformieren scheint. Dennoch hat die letzte Sequenz des Films etwas Freudiges und Anregendes, wenn eine Gruppe jugendlicher Charaktere sich selbst filmt, wie sie auf den Gipfel des Mount Bonnell in der Nähe von Austin fahren (und dann klettern). “Skokiaan” ist ein 1947er Pop—Song des simbabwischen Musikers August Musarurwa, und seine berühmteste Wiedergabe ist wahrscheinlich Louis Armstrongs Version von 1954 – aber das peppige Cover des deutschen Bandleaders Horst Wende von 1958 trifft einen schönen Retro-Ton für die letzten Frames von Slacker.

Im DVD-Kommentar zum Film sagt Linklater, dass diese letzte Sequenz – die die Art und Weise vorwegzunehmen scheint, wie junge Menschen im Smartphone—Zeitalter ihr eigenes Leben hyperdokumentieren – von einem Bill Daniel-Kurzfilm inspiriert wurde. Linklater hatte gehofft, den Film mit Peggy Lees 1969er Wiedergabe von Leiber und Stollers “Is That All There Is?” musste sich aber mit “Skokiaan” und “Strangers Die Everyday” des Butthole Surfers zufrieden geben, als er sich die Rechte am Lee-Song nicht sichern konnte. Zu meinem Ohr, Die gruseligen Stämme von “Strangers Die Everyday” bieten eine bessere emotionale Textur, wenn die Slacker-Credits rollen, seit “Ist das alles?” fühlt sich ein bisschen auf der Nase für solch einen schrulligen Film an.

Third Eye Blinds “Semi-Charmed Life” von American Pie

Obwohl Paul und Chris Weitz ‘Teenie-Sex—Komödie American Pie 1999 herauskam, fühlt es sich sehr an wie ein Film aus den 1980er Jahren – und es war wahrscheinlich das letzte Mal, dass ich einen Teenie-Film mit einer schwach jugendlichen Sensibilität gesehen habe. Die wahrste Hommage an das amerikanische Teenagerleben, die 1999 herauskam, war kein Film — es war die TV-Show Freaks and Geeks (die meiner Meinung nach die wahrste Evokation der mittelamerikanischen Jugend auf dem Bildschirm war, die jemals gemacht wurde). Doch während die komischen Übertreibungen von American Pie nicht ganz so wahr klingen wie Freaks und Geeks, Es war ein herrlich unterhaltsamer Coming-of-Age-by-trying-to-lose-your-Virginity-Film.

Ich war den größten Teil des Jahres 1999 mit dem Rucksack durch Asien und Osteuropa gereist, und obwohl ich wahrscheinlich ein bisschen zu alt war, um den Soundtrack richtig zu schätzen, nehmen mich die Songs, die in der letzten Szene des Films zu sehen sind — Third Eye Blinds “Semi-Charmed Life” und Bare Naked Ladies “One Week” — zurück in das Jahr, in dem ich durch den Osten wanderte (wie auch andere One-Hit-Wunder aus der gleichen Zeit, wie Fatboy Slims “The Rockafeller Skank”, Blink-182s “All The Small Things ,”Chumbawambas “Tubthumping,”Smash Mouth “Walkin’On The Sun,”Und Die Verve “Bitter Sweet Symphony.”

Yellos “Oh Yeah” von Ferris Buellers Day Off

Ich habe Ferris Buellers Day Off positiv geliebt, als es 1986 herauskam, und es bleibt einer meiner Lieblingsfilme für Teenager. Die Leute haben im Nachhinein den Ferris Bueller-Charakter als einen privilegierten Rotz verunglimpft – aber mir war schon als Teenager klar, dass Ferris Buellers freier Tag weniger ein realistischer Kommentar zum Teenagerleben war als ein skurriler Fantasy-Film, der mit seiner Prämisse so viel Spaß wie möglich haben wollte.

Darüber hinaus vergisst man im Nachhinein leicht, wie einzigartig ein Charakter Ferris war: In einer Zeit, in der Teenie-Filme seit Generationen Protagonisten in Bezug auf Clique—getriebene Stereotypen charakterisierten, war Ferris einzigartig für sich selbst – ein kluger, schrulliger, hyperartikulierter (und nicht unbedingt athletischer oder hyper-männlicher) Freund für alle, der mit der unbändigen Kraft seines eigenen Charismas durch die Welt ging. “Oh Yeah”, Yellos einzigartig seltsamer Instrumentaltrack, setzte die perfekte End-of-Movie-Textur, als der Abspann rollte und Principal Rooney sein Comeuppance bekam (und Ferris selbst hat uns aus dem Theater gescheucht).

David Bowies “Heroes,” from The Perks of Being a Wallflower

Aus Gründen, die ich nicht vollständig erklären kann, entdeckte und las (und liebte) ich Stephen Chboskys 1999 YA-Fi-Roman The Perks of Being a Wallflower, als ich Ende dreißig war. Auf logischer Ebene macht die Geschichte selbst keinen Sinn — der Protagonist ist ein Neuling, der sich nahtlos in ein paar hippe Senioren einfügt (und irgendwie übermenschliche körperliche Stärke hat). Noch, seltsam, Auf emotionaler Ebene ist die Geschichte in ihrer Evokation jugendlicher Sehnsüchte genau richtig, vor allem durch Lieder wie The Smiths “Asleep.”

Die Filmversion von Wallflower, die von Chbosky selbst inszeniert wurde, hat bei mir nicht ganz funktioniert — obwohl die letzte Szene (als Charlie hinten in einem Pickup durch Pittsburghs Fort Pitt Tunnel rast und im Voice-Over erklärt, dass “wir unendlich sind”) für ein großartiges Ende sorgt. Im Buch spielt diese Szene zu Fleetwood Macs “Landslide”; Im Film wird das Lied mit David Bowies “Heroes” vertauscht — und es ist eine Szene, die den perfekten Ton trifft, wenn der Film zu Credits schneidet.