Die klassische Periode der Musik

Die klassische Periode der Musik mag ihren Namen als populärer Deskriptor für die gesamte westliche anspruchsvolle Instrumentalkomposition gegeben haben, aber ihre tatsächliche Zeitleiste ist relativ kurz. Alle anderen abgegrenzten musikalischen Epochen erhalten mindestens ein ganzes Jahrhundert. Die klassische Ära wird jedoch oft als die zweite Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts zitiert. Am längsten dauerte die klassische Ära nur siebzig bis achtzig Jahre und endete spätestens 1820. Trotz der kurzen Laufzeit der klassischen Ära war ihr Einfluss auf die Instrumentalmusik enorm.

Die Periode erhält die Bezeichnung “Klassisch” aufgrund der philosophischen und kulturellen Rückkehr zu den klassischen Werten der Antike, die die musikalische Komposition stark beeinflussten. Die Barockzeit beendete Europas erste Rückkehr zu den philosophischen und künstlerischen Werten des klassischen Roms und Griechenlands. Die Klassik wiederum war ein klarer Bruch mit dem Barockstil. In diesem Artikel werden Sie die Hauptmerkmale der Musik der klassischen Ära entdecken, wie sie sich von dem unterscheidet, was vorher kam, und wie ihr Name als breiterer Begriff für westliche Instrumentalmusik verwendet wurde.

Kurze Beschreibung dessen, was klassische Musik ist

Die meisten modernen Musikfans würden es höchstwahrscheinlich seltsam finden zu erfahren, dass sich die Musik der Klassik aus der Suche nach einem einfacheren, saubereren und humanistischeren musikalischen Ausdruck mit universellen Qualitäten und Anziehungskraft entwickelt hat.

Als Teil ihres Strebens nach Universalität stützten sich Komponisten der klassischen Periode auf eine Kombination von Qualitäten, die jeweils in verschiedenen europäischen Traditionen vorherrschten. Komponisten aus ganz Europa nutzten die Formalität und Präzision der Deutschen, die lyrische Kunstfertigkeit Italiens und die in Frankreich geschätzte technische Handwerkskunst, um ihre Werke zu schaffen. Letztendlich entwickelten sie erkennbare Formen, die jedes Publikum überall identifizieren und schätzen konnte.

In der Tat war das Schreiben und Aufführen von Musik, die die meisten Menschen begeistern würde, ein vorrangiges Ziel der Komponisten der klassischen Ära. Sie strebten danach, Werke mit sauberem, ausgewogenem und elegantem Klang zu schaffen. Aus diesem Grund ist die Musik der klassischen Ära weitgehend homophon mit einfacheren Melodien, die von untergeordneten Harmonien und bedeutenderen Akkorden unterstützt werden. Komponisten verstärkten auch die Verwendung von Phrasen unterschiedlicher Länge, die deutlich von Kadenzen unterbrochen werden. Diese Änderung der Phrasierung und die zunehmende Verwendung von Kadenzen ermöglichten es den Komponisten, eine Vielzahl von Stimmungen und emotionalen Ausdrucksformen innerhalb desselben Werkes darzustellen.

Haydns Symphonie Nr. 14 A-Dur, ein repräsentatives Werk der frühklassischen Komposition.

Die klassische Periode sah auch die Formalisierung vieler musikalischer Formen, wie der Symphonie und des Konzerts, die immer noch die Grundlage der kleinen “c” klassischen Musik bilden. Mit dieser Standardisierung von Formen und einfacheren Melodien schlossen die Komponisten der Zeit mehr Notationen ein, wie ihre Werke aufgeführt werden sollten. Während die Ära des Virtuosen noch bevorstand, begann der einzelne Komponist in der klassischen Ära den Übergang vom Diener zur Kirche oder zum Hof zum gefeierten Künstler.

Ursprünge und Kontext der Klassik

Klassische Musik hat sich nicht im luftleeren Raum entwickelt. Musik entwickelte sich innerhalb der breiteren Kultur der Zeit, genannt das Zeitalter der Aufklärung, das einige Merkmale mit der Renaissance teilte, am offensichtlichsten seine Rückkehr in die Antike Griechenlands und Roms zur kulturellen Inspiration. Beiden Perioden gingen Zeiten voraus, in denen die Kirche eine dominierende Rolle in der Gesellschaft spielte und die Menschen ihrem Willen unterworfen waren.

Im Gegensatz dazu hielt die Antike an einer humanistischeren Vision fest. Es bot Raum für Individualität im Kontext eines universellen Ideals, das alle in der gemeinsamen Menschheit verband. Diese universellen Ideale wurden durch objektive Wahrheiten ausgedrückt, auf die alle durch Vernunft, Logik und Dialektik zugreifen konnten. Newtons Schriften waren sehr einflussreich, da sie einen Rahmen und eine Grundlage für formale, rationale Untersuchungen definierten, mit denen wissenschaftliche Entdeckungen vorangetrieben werden konnten. Durch empirische Untersuchungen gesammelte Informationen könnten durch Kategorisierung und Hierarchie organisiert werden, Verbesserung des gemeinsamen Verständnisses der Welt. In der politischen Philosophie sprachen Schriftsteller wie Locke und Montesquieu über unveränderliche individuelle Rechte, die nicht von einer externen Autorität wie der Kirche oder der Monarchie gewährt wurden, sondern in der Natur existierten.

Auf künstlerischer Ebene präsentierten sich Werte der Organisation und Logik durch eine geordnetere Ästhetik des Gleichgewichts und der Eleganz. Die bildende Kunst der Zeit wird oft als “neoklassisch” bezeichnet, weil sie die Antike als kreativen Prüfstein verwendet.

Ein Beispiel für neoklassizistische Architektur in der Glyptothek, Königsplatz, München, Deutschland. Foto von Diego Delso, mit freundlicher Genehmigung von Wikicommons.

Skulptur der Ära konzentrierte sich auf eine neoklassische Vision einer idealisierten, heroischen menschlichen Form. Houdon war berühmt für seine neoklassischen Büsten zeitgenössischer Größen wie George Washington und Voltaire. Der italienische Bildhauer Canova schuf vollfigurige Werke, die oft auf der antiken Mythologie basieren, wie die Drei Grazien und seine Faustkämpfer. Diese bildenden Künstler sowie die Komponisten der Klassik glaubten, dass Schönheit selbst durch die Ausführung logischer, objektiver Regeln wie Proportion und Gleichgewicht erreicht werden könne.

Canovas Die drei Grazien. Foto von Yair Haklai, mit freundlicher Genehmigung von Wikicommons.

Die philosophische Wiederbelebung der Vernunft und des Individuums sowie eine wachsende, gebildetere Mittelschicht begannen, die Macht und Kontrolle der traditionellen Behörden zu untergraben. Verbesserungen im Druck verbreiteten Wissen außerhalb der Kontrolle der Kirche oder der Monarchien an die Öffentlichkeit. Die Menschen könnten anfangen, politische Kritik an lokalen Mächten zu üben und ihre eigenen Freizeitentscheidungen zu treffen.

In einem musikalischen Kontext bedeutete dies, dass die Kirche nicht mehr ein primärer Patron von Musikern und Komponisten war, noch waren Adelshöfe. Aristokratische Häuser waren wichtige musikalische Gönner in der klassischen Ära, aber eine Mittelschicht mit wachsendem Reichtum wollte auch Musik in ihren Häusern und Leben. Öffentliche Musikfestivals und Aufführungen begannen ebenfalls zu wachsen. Die Mittelschicht interessierte sich dafür, Amateurmusiker und Gastgeber zu werden, nicht nur Zuschauer. Diese sozialen Verschiebungen waren die anderen Kräfte, die zu einem stetigen Strom einfacherer, zugänglicherer Musik führten.

Für die professionellen Komponisten und Musiker wurde der Schwerpunkt auf Wissenschaft und Organisation auf die Musik gelegt, indem Kompositionsregeln kodifiziert wurden, was zur Etablierung vieler der klassischen Musikformen führte, die heute noch verwendet werden.

Markenzeichen der klassischen Musik

Klassische Werte wie Rationalismus, Universalität, Kosmopolitismus und Eleganz waren die künstlerischen Inspirationen für die Musik der klassischen Ära. Diese klassischen Ideale manifestierten sich in der Musik.:

• Homophone melodien zu schaffen sauber, einfach, textur publikum könnte verbinden mit
• harmonien komponiert basierend auf formalisierten regeln der harmonischen funktion, die unterstützung und arbeit mit der melodie zu bereichern die textur in eine ausgewogene, gesteuert weise
• langsamer, mehr gesteuert dynamik, wie die verwendung von crescendo, diminuendo, und sforzando, zu bieten eine zurückhaltende emotionale ausdruck und mehr anmutig übergänge
• eine lineare Erzählung mit klaren, ausgewogenen Phrasen, unterbrochen von einer Kadenz
• gemusterte, thematische Entwicklung, oft durch eine Dialektik zwischen kontrastierenden Themen oder Progressionen durch Themenvariationen
• große Vielfalt innerhalb eines Stücks durch Änderungen in Tonart, Dynamik und Melodien

Ein großartiges Beispiel für ein Gerät der klassischen Ära, das die ästhetischen und philosophischen Werte des Tages kapselt: Verwendung der Antecedent / consequent Melody, die eine deutliche, lineare Melodie präsentiert, die durch eine harmonische Balance und eine klare Auflösung, die das Ende des Teils markiert, unterstrichen wird. Hier ist ein Beispiel aus dem ersten Satz von Mozarts Symphonie in C-Dur, K. 551

Wie sich die Musik der Klassik von der Barockmusik trennte

Einige große künstlerische Verschiebungen treten als Entwicklungen von dem auf, was vorher kam, während andere aus einer Ablehnung des Präzedenzstils entstehen. Vieles von dem, was die Musik der klassischen Ära definierte, kann als Ablehnung der ästhetischen Werte und Markenzeichen der Barockzeit angesehen werden.

Galante oder “Sensible” Musik als Sprungbrett zwischen Barock und Klassik

Barock und Klassik existierten eine zeitlang nebeneinander. Der Musikgeschmack durchlief verschiedene Übergangsphasen, bevor die Barockzeit wirklich endete. Die Spätbarockzeit wurde von einem neuen künstlerischen Stil namens “Rokoko” dominiert.” Das Rokoko hat sich von der Barockkunst als leichterer, verspielterer Stil verabschiedet. Barocke Kunst und Architektur sind hoch mit großen ornamentalen Schnörkeln verziert.

In der Musik wurde der Rokokostil als Galanter Stil oder sensibler Stil bezeichnet. Eleganter und zurückhaltender als Barockmusik, aber auch weniger ernst. Komponisten genossen den modischen Stil für seinen harmonischeren Aspekt. Doch das wachsende Gefühl, dass die Ornamentik im Galanten Stil flach und lediglich dekorativ war, stimmte nicht gut mit den philosophischen, geordneten Vorlieben der Aufklärung überein. Daher der endgültige stärkere Bruch mit barocken künstlerischen Werten und Formen.

Klare Unterscheidung zwischen Barock und Klassik

Sie können die Merkmale der Klassik, die sich durch ihren natürlichen, einfacheren Stil auszeichnen, der einen objektiven Standard des guten Geschmacks widerspiegelt, im Vergleich zur Barockmusik deutlich erkennen:

• Die Barockmusik war kunstvoller, hauptsächlich polyphon mit einer komplizierteren Textur, die ihr einen zutiefst unnatürlichen Klang verlieh, während die Musik der klassischen Ära ihre einfacheren Texturen verwendete, um ein natürlicheres, melodischeres Ambiente zu schaffen.

• Während klassische Musik eine lineare Grundlage hat, unterbrochen von klaren, getrennten Phrasen, die jeweils ihr eigenes emotionales Zentrum haben können, Barocke Komposition mit zyklisch durch melodische und rhythmische Muster, die sich auf eine Stimmung konzentrierten.

• Die Komponisten der Klassik haben den Basso Continuo abgeschafft, die feste, kontinuierliche Begleitung, die die rhythmische und harmonische Grundlage der Barockkomposition bildete. Komponisten schrieben spezifische begleitende Basslinien und Harmonien mit jedem Werk, das in Equipoise zur Melodie existierte.

• Komponisten der klassischen Periode stellten erhöhte Notationen zur Verfügung, da viel von den künstlerischen Schnörkeln aus Tempo und Dynamik stammte, und da alle Teile geschrieben wurden, um sich während des gesamten Werkes zu zusammenhängenden Phrasen zu verbinden.

• Die reich strukturierte Barockmusik, im Ton vom Cembalo dominiert, kontrastiert mit natürlicheren Instrumenten, die vom Publikum der klassischen Ära bevorzugt werden, wie Streicher und Holzbläser.

Von der Manheimer Schule zur Wiener Klassik

Die Manheimer Schule mit Sitz am deutschen Königshof wuchs in dieser Zeit der Überschneidung von Barock und Klassik und ihrer Übergangsstile. Jahrhunderts, waren frühe Anwender und Innovatoren der Normen der klassischen Musik, die später in der klassischen Ära weiter entwickelt und kodifiziert wurden. Der Komponist der Manheimer Schule Carl Stamitz ist ein hervorragendes Beispiel für diese Zeit; Seine Werke zeigen einige Elemente des galanten Stils sowie die Verwendung der Sonatenform.

Stamitz ‘Violakonzert Nr. 1 in D-Dur

Im späten achtzehnten Jahrhundert kam der Höhepunkt der Klassischen Ära mit dem Wiener Klassischen Stil, der manchmal als Erste Wiener Schule bezeichnet wird. Wien war das künstlerische und kulturelle Epizentrum Europas. Dort versammelten sich alle großen und guten Komponisten, darunter Mozart, Haydn und Beethoven.

In der mittleren und späten Phase der Klassik wurden die kodifizierten musikalischen Formen wie Symphonie und Sonatenform festgelegt. Dies war auch der Höhepunkt der Musikwerte der klassischen Ära, wie Beethovens Streichquartett in F-Dur, Op. 59, Nr. 1 (1806) belegt.

Evolution der musikalischen Formen

Statt einer örtlichen Kirche oder eines königlichen Hofes mit nahezu unbegrenzten Ressourcen gab es für klassische Komponisten oft weniger Musiker mit unterschiedlichem Können. Diese relative Knappheit passte gut zu den Werten des Zeitalters der Aufklärung der einfacheren, universellen Musik, die von Musikliebhabern der Mittelklasse genossen und sogar aufgeführt werden konnte. Das Ergebnis war das Wachstum der Kammermusik während der klassischen Ära. Beispiele hierfür sind:

• Formen der Kammermusik, die im Volksmund bei Konzerten und Festivals im Freien gespielt werden, wie Divertimenti, Serenaden und Nocturnes

Mozart’s Eine kleine Nachtmusik KV 525

• Das Streichquartett, das aus der barocken Triosonate, aber in der klassischen Evolution hervorgegangen ist, gab jedem der vier Instrumente eine klare Stimme.

Haydns Streichquartett Op. 33, Nr. 3 (Der Vogel)

Haydn standardisierte auch das Symphonieformat in vier Sätze (obwohl Mozart normalerweise bei drei blieb):

• erster Satz: oft in Sonatenform, im Allegro
• zweiter Satz: langsamer und lyrischer, vielleicht in Sonatenform
• Dritter Satz: Menuett und Trio-Format oder Scherzo und Trio; ein weiterer lebhafter Satz, der an Tanz erinnert, wobei das Trio vom Menuett oder Scherzo umschlossen wird
• vierter Satz: das energiegeladene Finale, typischerweise in Sonaten- oder Rondoform

Die Standardisierung der Sonatenform war ein notwendiger Bestandteil der Formalisierung der viersätzigen Symphonie. In dieser Zeit wurde die Sonatenform in ihr Expositions– Entwicklungs– Rekapitulations-Design der thematischen Erkundung kodifiziert.

Zwei andere musikalische Formen entwickelten sich während der klassischen Ära, die das barocke Concerto grosso ersetzten, eine Form kleinerer Instrumentengruppen, die gegen ein größeres Orchester auftraten:

• Das Solokonzert, das die Fähigkeiten eines einzelnen Solisten hervorhob und ein attraktiver Anziehungspunkt für öffentliche Konzerte war. Das Solokonzert existierte während der Barockzeit, wurde aber aufgrund seiner Beliebtheit in der Klassik für eine breitere Palette von Instrumenten komponiert.

• Die Symphonie concertante (oder Sinfonia concertante), die mehrere Gruppen von Solisten verwendet, die sich gegenseitig und das Orchester kontrastieren.

Joseph Boulognes, Chevalier de Saint Georges, Symphonie concertante in G-Dur

Ein weiteres populäres Musikformat, das während der klassischen Ära auftrat, war die komische Oper. Nicht, dass ernsthafte Oper in dieser Zeit nicht vorherrschte. Es war und zeichnete oft von Geschichten aus der griechischen Mythologie, wie Glucks Orfeo ed Euridice.

Die komische Oper, oder Opera buffa, erzählte die Geschichten alltäglicher Menschen unter verrückten Umständen oder auf der epischen Suche nach Liebe – nicht anders als im Sitcom-Stil des Fernsehens, aber mit mehr Musik. Zum Beispiel gibt es Mozarts Cosi Fan Tutte, wo zwei Soldaten wetten, ob ihre Freundinnen treu bleiben können.

Entwicklung von Orchestern und Instrumenten in der Klassik

Eine der wichtigsten Abweichungen von der Barockzeit war das Verschwinden des Cembalos aus der Komposition der Klassik. Jahrhunderts, aber es war kein zentrales Instrument in den Werken wie das Cembalo. Das Aussehen des Klaviers, wie wir es heute kennen, kam jedoch im späten achtzehnten Jahrhundert an, und klassische Komponisten liebten es und schrieben viele Konzerte und Sonaten.

Die Streicher gewannen aufgrund ihrer besonderen Fähigkeit, die menschliche Stimme am besten widerzuspiegeln, eine größere Bedeutung. Dieses menschliche, natürliche Element sprach das klassische Publikum an. Mozart formalisierte die Violinsonate mit Klavierbegleitung während der klassischen Ära, die im Allgemeinen zwei Sätze enthielt. Mozarts Violinsonate Nr. 21 E-Moll

Die Holzbläser nahmen ebenfalls eine auffällige Rolle ein und wurden erstmals zu einer eigenständigen Sektion innerhalb des Orchesters. Wie Streicher wurden Holzbläser für ihre Fähigkeit geschätzt, natürliche, elegante Töne zu erzeugen. Die Anzahl und Art der Holzbläser- und Horninstrumente, die in einem Orchester zum Standard wurden, wuchs.

Das gesamte Orchester wuchs und wurde in der Klassik standardisiert. Das Grundformat von vier Instrumentalabschnitten wurde von Komponisten der Manheimer Schule festgelegt. Später während der klassischen Periode wuchs die Standardorchestergröße durch Hinzufügen von Multiples zu vorhandenen Instrumenten, insbesondere in den Holzbläser- und Hornsektionen. Die Aufnahme neuer Instrumente wie Posaune und Waldhorn trug ebenfalls zum größeren Orchester bei.

Erkundung der Komponisten der Klassik und ihrer Werke

Sie haben bereits einen Vorgeschmack auf die drei großen Persönlichkeiten der Klassik erhalten: Haydn, Mozart und Beethoven. So wichtig sie für die Wertschätzung der Musik der klassischen Ära sind, Es gab andere talentierte Komponisten und Werke, die aus dieser Zeit erwähnenswert waren. Schauen Sie sich unsere Liste der 10 klassischen Komponisten an, die Sie kennen müssen, um einen tieferen Einblick in ein breiteres Spektrum klassischer Komponisten zu erhalten.

Wenn die musikalischen Samples hier nicht ausreichen (und das sind sie auch nicht), haben wir auch 20 der besten klassischen Kompositionen aller Zeiten zusammengestellt.

Wie ist das für einige klassische Symmetrie und Einfachheit!

Die Klassik legt den Grundstein für eine persönlichere Erforschung der Romantik

Das Schöne an der Standardisierung von Formen ist, dass sie als fruchtbarer Ausgangspunkt für weitere Innovationen dienen. Selbst in den späteren Stadien der klassischen Periode selbst spielten klassische Komponisten bereits mit den Formen, die sie organisierten.

Zum Beispiel wurde das größere Orchester zu einem Vehikel für intensiven, großartigen Ausdruck. So, mit etwas Hilfe von Beethoven, Es war ein Katalysator für den Beginn der Romantik. Hören Sie seine Symphonie Nr. 3 Es-Dur (Eroica).