12 Excelentes Canciones de Escenas Finales de Películas para la Mayoría de Edad

Uno de los proyectos de escritura en los que he estado trabajando este invierno es Last Nine, un guion para la mayoría de edad en el que he estado trabajando durante más de una década. Construido en torno a un solo incidente que recuerdo de mi clase de español de la escuela secundaria cuando tenía 17 años, Last Nine cuenta la historia de un adolescente cuyo mundo comienza a cambiar cuando hace un nuevo grupo de amigos en las semanas justo antes de graduarse de la escuela secundaria.

Aunque sé que los guionistas tienen poco control sobre la banda sonora una vez que la película ha sido producida, he escrito Last Nine con el sentido de que la versión de Woody Guthrie de “Will You Miss Me When I’m Gone” de la familia Carter, se reproducirá mientras los personajes se reúnen por última vez, en la escena final. Esta canción folclórica sombría y sentimental establecerá el tono correcto, o, más exactamente, el sentido correcto de yuxtaposición irónica, a medida que los personajes se van de casa (a su manera de bajo riesgo) por primera vez.

La música juega un papel importante en todas las películas, pero las canciones individuales siempre han tenido una presencia puntiaguda y una resonancia psíquica en las películas de mayoría de edad. Algunos de mis recuerdos más fuertes como cinéfilo han llegado en esos momentos inefables en los que una canción elegida estratégicamente intensifica el impacto emocional de toda una película.

He enumerado mis 12 momentos favoritos de canciones al final de la película aquí, junto con mis pensamientos sobre por qué estas elecciones de música fueron tan efectivas. Me he centrado en canciones independientes en lugar de música de banda sonora de película, lo que deja fuera un puñado de películas resonantes de madurez que terminan con variaciones sobre la música temática de la historia (como el tema conmovedor de Maurice Jarre para Dead Poets Society, y el leitmotiv desgarrador de Nicholas Britell de Moonlight). Los he detallado aquí menos por “rango” que por cómo he llegado a recordarlos.

“Don’t You (Forget About Me)” de Simple Minds, de The Breakfast Club

Esta es una canción de final de película por excelencia, de una escena final de película para adolescentes por excelencia, escrita y dirigida por el autor de películas para adolescentes por excelencia John Hughes. Recuerdo haber visto el Club del Desayuno en VHS a los 15 años, en 1986, y pensar que Hughes había logrado algo singular y fiel a la vida adolescente.

Años más tarde, parece que los soliloquios confesionales (y el repentino emparejamiento romántico) entre los personajes dispares del Club del Desayuno eran más idealizados que realistas. Sin embargo, no hay duda de que fue una película innovadora en términos de cómo los adolescentes estadounidenses, y sus miedos, esperanzas y preocupaciones, fueron retratados en la pantalla. “No te olvides de mí” subraya lo que está en juego (¿quiénes son estos niños y qué significarán el uno para el otro después de hoy?) durante el momento culminante de rebelión simbólica de la película: Brian lee su ensayo” you see us as you want to see us ” en voz en off mientras Bender lanza su puño al aire y los créditos ruedan.

Curiosamente, la banda de rock escocesa Simple Minds inicialmente se resistió a grabar la canción, que fue compuesta por el productor Keith Forsey y el guitarrista Steve Schiff (Bryan Ferry y Billy Idol ya habían rechazado la oportunidad). Finalmente cedieron bajo la presión de su sello discográfico, y la banda ahora es recordada por esta canción, y la forma en que evoca la imagen final triunfante del Club de Desayuno.

Ben E. “Stand By Me” de King, de Stand By Me

, mientras que “Don’t You (Forget About Me)” tocó tanto al principio como al final de The Breakfast Club, diferentes variaciones de la melodía soul homónima de Ben E. King a lo largo de Stand By Me. Tenía 15 años yendo a los 16 cuando vi esta película por primera vez, y de alguna manera encontré que estos cuatro personajes (que tenían 12 años yendo a los 13) eran profunda y conmovedoramente identificables.

El ensayista Louis Menand ha escrito (en el contexto de El guardián entre el centeno de Salinger) que la nostalgia está en su punto más agudo cuando todavía somos jóvenes, y Stand By Me dejó a la niña de 15 años anhelando a la persona que era a los 12 años. Esta no es una película particularmente feliz — después de todo, se trata de un grupo de niños que salen a buscar un cadáver—, pero algo sobre la forma en que los personajes enfrentan el fallecimiento de su propia juventud prepúberes me hizo extrañar a la mía.

No tenía ni idea de que Stand By Me estaba basada en una novela corta de Stephen King cuando la vi por primera vez, pero en retrospectiva, su trama principal — personajes jóvenes que parten solos, sin adultos, para adentrarse en aventuras y luchar contra sus demonios — se siente muy fiel a su gran obra. Una especie de nostalgia impregna la narrativa de la película, no solo en el hecho de que sus vistas y canciones evocan un pequeño pueblo de Estados Unidos a finales de la década de 1950, sino también en el hecho de que la historia es narrada por el adulto Gordie (Richard Dreyfuss), que mira hacia atrás a su juventud después de leer sobre la muerte de su amigo de la infancia.

Así como ” Don’t You (Forget About Me)” subraya la tenacidad de la amistad en el Club del Desayuno, la canción “Stand By Me” en última instancia sirve para llorar la evanescencia del vínculo entre los cuatro chicos de la película, ayudando a articular el sentido de pérdida que King trata de describir en las primeras líneas de su novela corta:

“Las cosas más importantes son las más difíciles de decir. Son las cosas de las que te avergüenzas, porque las palabras las disminuyen The Las cosas más importantes están demasiado cerca de donde está enterrado tu corazón secreto, como puntos de referencia de un tesoro que a tus enemigos les encantaría robar. Y usted puede hacer revelaciones que le cuestan caro solo para que la gente lo mire de una manera divertida, sin entender lo que ha dicho en absoluto, o por qué pensó que era tan importante que casi lloró mientras lo decía. Eso es lo peor, creo. Cuando el secreto permanece encerrado no por falta de un cajero, sino por falta de un oído comprensivo.”

El “Paseo lento” de Foghat, de Aturdido y Confundido

El paso del tiempo siempre ha sido una obsesión temática para el director Richard Linklater, desde su película Slacker (ver más abajo), a su trilogía Antes del amanecer/Atardecer/Medianoche, a su innovador proyecto de varios años de madurez Boyhood. El Aturdido y confuso, en gran parte sin trama, tiene lugar en el transcurso de un solo período de 24 horas, ya que sigue a varios grupos interconectados de adolescentes de Texas en el último día del año escolar de 1976. La música aquí es específica del período y perfecta para el tono, desde “Sweet Emotion” de Aerosmith en la escena de apertura, hasta el embriagador himno de Foghat que suena en los auriculares de Mitch mientras vemos a Wooderson, Pink, Slater y Simone cruzar en una carretera abierta antes de que comiencen los créditos.

Vi Aturdido y Confundido la semana que salió, en el otoño de 1993, cuando vivía en Seattle, y salí del teatro en una neblina, como si hubiera sido transportado de regreso a mi juventud de Kansas cinco años antes. De alguna manera, el 1976 ficticio de Linklater evocaba perfectamente lo que me sentía en 1988 cuando estaba en 1993. Ahora, 25 años después, Aturdido y confundido evoca 1993 para mí tanto como cualquier otra cosa, a pesar de que continúa evocando recuerdos de 1988 (y 1976). Curiosamente, 1993 fue un año increíblemente distintivo para mí, tenía 22 años, acababa de graduarme de la universidad y trabajaba como paisajista en Seattle en la cima del grunge, pero parte de la forma en que lo experimenté fue anhelando un momento diferente, más provincial (y de muchas maneras menos interesante) de mi propia vida.

La línea más icónica de Dazed and Confused viene de Wooderson (interpretado por un entonces desconocido Matthew McConaughey), que dice: “Eso es lo que me encanta de estas chicas de secundaria, hombre. Me hago mayor, ellos tienen la misma edad.”Un cuarto de siglo después, lo mismo podría decirse de los personajes de la película, Wooderson incluido: Los niños que veo en pantalla no envejecen, lo que solo subraya la forma en que Aturdido continúa recordándome múltiples veces de mi propia vida, múltiples y lejanos momentos de estar vivo, a medida que envejezco.

Como nota al pie de página, “Slow Ride” de Foghat no estaba destinado a ser la canción de cierre de Dazed and Confused, pero Linklater no pudo asegurar los derechos de “Rock and Roll” de Led Zeppelin (según cuenta la historia, el guitarrista Jimmy Page estaba de acuerdo, pero el cantante Robert Plant no quiso firmar). Uno puede entender por qué Linklater querría esta canción para la película (que a su vez fue nombrada por una canción de Led Zeppelin), aunque en retrospectiva “Slow Ride” es una forma bastante perfecta de terminar la película.

“Hard Sun” de Eddie Vedder, de Into the Wild

Llegué tarde a la adaptación cinematográfica de Into the Wild de Sean Penn, en gran parte porque no pensé que tendría mucho nuevo que ofrecer, ya que había leído y disfrutado el libro de Jon Krakauer. Cuando finalmente lo vi, la representación de la película de la condenada peregrinación estadounidense de Alexander Supertramp me afectó de una manera mucho más intuitiva y personal que el libro. Ese es el poder de las películas, creo, al menos cuando funcionan bien: capturan sentimientos de una manera que va más allá del contenido factual o intelectual.

Lo que quiere decir que, mientras el libro de Krakauer era fascinante, la versión cinematográfica de Into the Wild era identificable de una manera que no esperaba que fuera. En la página escrita pude ver cómo la vida de Christopher MacCandless podría ser similar a la mía (tenía 21 años el mes en que murió, y había hecho caminatas en solitario en la Península Olímpica de Washington ese mismo verano), pero en la pantalla sentí que su viaje por la vida era inseparable de los mismos ideales embriagadores que me enviaron a mi propio camino vagabundo en la misma época de la vida. Al igual que Chris, salté de trenes y vagé por el oeste americano cuando tenía veinte años, inspirándome en volúmenes con orejas de perro de Thoreau, Whitman y Edward Abbey. Al igual que Chris, yo era adicta a la novedad y la posibilidad; me puse a través de innumerables pequeñas iniciativas en el desierto, y encontré algo sagrado en mi acumulación gradual de aventuras.

A menudo he dicho que Vagabundeo, el libro que resultó de mis andanzas juveniles, fue concebido como una especie de carta para mi yo de 17 años, y después de ver Into the Wild me acordé de cómo, cuando eres joven, hay dos peligros inherentes al impulso juvenil de libertad y pureza. Una es que serás demasiado tímido para liberarte y vagar, pero la otra es que sobre romantizarás el viaje una vez que esté en marcha, lo que puede ser menos que ideal tanto para ti como para las personas que dejas atrás. Into the Wild, tanto el libro como la película, sirven como una especie de cuento con moraleja contra este romanticismo impetuoso, presuntuoso y mitológico, incluso mientras la historia de Chris continúa inspirando a una gran cantidad de peregrinos e imitadores.

Teniendo en cuenta lo que le pasó a MacCandless/Supertramp, Into the Wild es una historia de madurez decididamente oscura, pero de alguna manera la partitura folky de Eddie Vedder, y en particular, su conmovedora versión de “Hard Sun” de Gordon Peterson en la escena final, sustenta la historia con un sentido esperanzador de anhelo existencial.

La “mala reputación” de Freedy Johnston, de Patear y gritar

Alrededor de principios y mediados de la década de 1990, se hicieron varias películas de moda autoconscientemente con el mercado juvenil de la “Generación X” en mente: piense en Bocados de realidad, Singles, Empire Records, etc. – pero pocos eran tan divertidos y conmovedores como el debut del autor independiente Noah Baumbach en 1995, Pateando y gritando. En cuanto a la trama, la película no es mucho, se trata de un grupo de cuatro amigos que no pueden dejar la universidad después de graduarse, pero sus personajes locuazmente deprimidos (y afablemente despistados) personifican la estasis existencial que puede atrapar a los jóvenes en el mismo momento en que se supone que deben hacer algo por sí mismos en la vida.

Una parte sentimental de mí está convencida de que vi esta película altamente identificable en la misma fase de la vida que Grover, Max, Otis y Skippy, su cuarteto de personajes recién graduados. En verdad, lo vi casi tres años después de graduarme de la universidad, mientras estaba atrapado en un punto muerto personal/profesional entre la finalización exitosa de mi primer viaje de vagabundos y mi eventual traslado a Corea para enseñar inglés (y prolongar mis aventuras de vagabundo).

Patadas y gritos se trata en parte de la repentina pérdida de estatus social que acompaña a la graduación, cuando uno es arrojado fuera del pequeño estanque de la universidad y en el agitado océano de la vida, y de alguna manera la parálisis autoimpuesta de los personajes y el sufrimiento frente al resto de sus vidas hicieron que mi propia situación se sintiera un poco más tolerable. Los cuatro personajes principales llevan chaquetas deportivas, como si, como ha señalado Baumbach, fueran niños jugando a ser adultos — y esta afectación me cautivó tanto que compré una chaqueta deportiva para usar en el trabajo cuando me fui a Corea a finales de 1996.

De lejos, los personajes más maduros de Patadas y gritos son las sufridas novias de los protagonistas, y el momento culminante de la película llega cuando Grover (interpretado por Josh Hamilton) finalmente toma la decisión de ir y unirse a su antigua amante Jane (Olivia D’Abo) en Praga. “Será una buena historia de mi vida adulta joven”, dice Grover mientras se tranquiliza en el mostrador de la aerolínea. “Ya sabes, la hora que elegí para ir a Praga.”

Esta penúltima (y en última instancia, para Grover, no del todo actualizada) escena de salida del aeropuerto es seguida por uno de mis finales de película favoritos de todos los tiempos, un discreto flashback que detalla los momentos antes del primer beso de Grover y Jane muchos meses antes. Suena cursi incluso simplemente escribiéndolo aquí, pero de alguna manera, en el momento justo antes de que la “Mala Reputación” de Johnston entre en escena, el soliloquio de Grover a Jane sobre desear que fueran una pareja de ancianos (seguido de la autoconciencia de Jane sobre si sacar o no su retenedor) golpea el tono ideal de incomodidad romántica.

“Tangerine” de Led Zeppelin, de la casi Famosa

La historia en gran parte autográfica de Cameron Crowe de viajar por América en un autobús de gira de rock-n-roll como periodista de la revista Rolling Stone de 15 años, no es tan directamente identificable como las otras películas de mayoría de edad que he mencionado, pero es igual de divertida. Muchos de los mejores momentos de la película dependen de la música, tal vez ninguno tan extático como cuando todo el elenco grita junto a “Tiny Dancer” de Elton John después de una reunión de la banda en Topeka, y “Tangerine” de Led Zeppelin proporciona una buena coda al momento en que Will Miller (Patrick Fugit) y Russell Hammond (Billy Crudup) finalmente, después de tantos kilómetros en el camino juntos, se sientan en casa de Will para discutir música de una manera abierta.

“Ooh La La” de The Faces de Rushmore

Se ha hablado mucho sobre el estilo visual del director Wes Anderson, pero sus opciones musicales son igual de distintivas, y en Rushmore, el icónico trabajo de segundo año de Anderson de 1998, la banda sonora de la película es tan de un personaje como el exitoso adolescente Max Fischer de Jason Schwartzman, o el magnate de mediana edad de Bill Murray, Herman Blume. Nuestra introducción a las exageradas ambiciones extracurriculares de Max no sería la misma sin el montaje del anuario de Creation’s “Making Time”, y la secuencia de venganza de Max contra Herman logra su amarga culminación al son de The Who’s “A Quick One, While He’s Away”.”La escena final de Rushmore encuentra su tono consumado gracias a la melodía agridulce de 1973 de The Faces” Ooh La La.”

La “Historia más triste jamás contada” de The Magnetic Fields, de The Myth of the American Sleepover

La película de David Robert Mitchell fue una espeluznante película de terror sexual para adolescentes de 2014 llamada It Follows, pero su debut cinematográfico se produjo tres años antes, con el lanzamiento de The Myth of the American Sleepover, que se rodó en Michigan con un presupuesto reducido y nunca se estrenó en cines. Lo vi por casualidad en el Angelika Film Center mientras visitaba Nueva York en el verano de 2011, y me encantó la forma en que esta película discreta (llena de actores desconocidos) capturó algo tangible y resonante sobre la vida adolescente.

La ironía aquí es que hay una vaguedad deliberada en el Mito de la fiesta de pijamas estadounidense, ya que no parece tener lugar durante ningún período de tiempo específico. Se siente algo contemporáneo, por ejemplo, pero ninguno de los personajes usa teléfonos celulares o Internet — y las “pijamadas” de finales de verano implícitas en el título se sienten pintorescas y anacrónicas, incluso cuando las experiencias que los personajes tienen allí se sienten emocionalmente específicas y relevantes. La fiesta de pijamas no tiene un final epifánico como The Breakfast Club (o uno alegre como Dazed and Confused), pero la “Historia más triste jamás contada” de The Magnetic Fields, junto con “Love to Love You” de Balthrop, Alabama, marcan la nota emocional correcta en esta película sorprendentemente conmovedora una vez que salen los créditos. (Ambas canciones también aparecen en el tráiler de la película.)

“Skokiaan” de Horst Wende y Su orquesta, de Slacker

El segundo largometraje de Richard Linklater apenas califica como una película de mayoría de edad, ya que la cámara de Slacker rara vez permanece en un personaje durante mucho tiempo, y ninguno de ellos parece transformarse de una manera discernible. Sin embargo, hay algo alegre y energizante en la secuencia final de la película, cuando un grupo de personajes jóvenes se filman conduciendo (y luego subiendo) a la cima del Monte Bonnell, cerca de Austin. “Skokiaan” es una melodía pop de 1947 del músico zimbabuense August Musarurwa, y su interpretación más famosa es probablemente la versión de 1954 de Louis Armstrong, pero la versión animada de 1958 del líder de banda alemán Horst Wende tiene un bonito tono retro para los fotogramas finales de Slacker.

En la pista de comentarios en DVD de la película, Linklater dice que esta secuencia final, que parece presagiar la forma en que los jóvenes en la era de los teléfonos inteligentes documentan sus propias vidas, se inspiró en un cortometraje de Bill Daniel. Linklater esperaba terminar la película con la interpretación de 1969 de Peggy Lee de Leiber y Stoller de ” Is That All There Is?”pero tuvo que conformarse con “Skokiaan” y “Strangers Die Everyday” de The Butthole Surfer cuando no pudo asegurar los derechos de la canción de Lee. Para mi oído, las espeluznantes cepas de” Strangers Die Everyday ” proporcionan una mejor textura emocional a medida que los créditos Vagos ruedan, ya que “Is That All There Is?”se siente un poco en la nariz para una película tan peculiar.

“Semi-Charmed Life” de Third Eye Blind, de American Pie

Aunque la comedia de sexo adolescente de Paul y Chris Weitz American Pie salió en 1999, se parece mucho a una película de la década de 1980, y probablemente fue la última vez que vi una película para adolescentes con una sensibilidad ligeramente adolescente. El homenaje más verdadero a la vida adolescente estadounidense que salió en 1999 no fue una película, sino el programa de televisión Freaks and Geeks (que, en mi opinión, fue la evocación en pantalla más verdadera de la adolescencia estadounidense media que se haya hecho). Sin embargo, aunque las hipérboles cómicos de American Pie no suenan tan ciertas como los monstruos y los Geeks, fue una película deliciosamente entretenida sobre la mayoría de edad tratando de perder la virginidad.

Había estado viajando con mochila por Asia y Europa del Este durante la mayor parte de 1999, y aunque probablemente era un poco mayor, aprecié adecuadamente la banda sonora, las canciones que aparecen en la escena final de la película, “Semi — Charmed Life” de Third Eye Blind y “One Week” de Bare Naked Ladies, me remontan a ese año que pasé vagando por el Este (al igual que otras maravillas de un solo éxito de alrededor de ese mismo tiempo, como “The Rockafeller Skank” de Fatboy Slim, “Blink-182” All The Small Cosas, “Chumbawamba” Tubthumping, “Smash Mouth” Walkin’ On The Sun, “y la Sinfonía Dulce Amarga de The Verve.”

“Oh Yeah” de Yello, del Día Libre de Ferris Bueller

Me encantó el día Libre de Ferris Bueller cuando salió en 1986, y sigue siendo una de mis películas favoritas para adolescentes. En retrospectiva, la gente ha menospreciado al personaje de Ferris Bueller como un mocoso privilegiado, pero me quedó claro, incluso cuando era adolescente, que el día libre de Ferris Bueller era menos un comentario realista sobre la vida adolescente que una película de fantasía caprichosa que se proponía divertirse lo más posible con su premisa.

Además, es fácil en retrospectiva olvidar lo singular que era un personaje Ferris: En una época en que las películas para adolescentes durante generaciones habían caracterizado a los protagonistas en términos de estereotipos impulsados por camarillas, Ferris era único para sí mismo: un amigo inteligente, extravagante, hiper articulado (y no necesariamente atlético o hiper masculino) para todos que caminaba por el mundo con la fuerza incontenible de su propio carisma. “Oh Yeah”, la canción instrumental singularmente rara de Yello, estableció la textura perfecta para el final de la película a medida que los créditos rodaban y el director Rooney recibía su merecido (y el propio Ferris nos echó del teatro).

“Héroes” de David Bowie, de Los Beneficios de Ser un Alhelí

Por razones que no puedo explicar completamente, descubrí y leí (y me encantó) La novela de Stephen Chbosky de 1999, Los Beneficios de Ser un Alhelí cuando tenía treinta años. A un nivel lógico, la historia en sí no tiene mucho sentido: el protagonista es un inadaptado de primer año que encaja perfectamente con un grupo de personas mayores de la cadera (y de alguna manera tiene una fuerza física sobrehumana). Sin embargo, extrañamente, a nivel emocional, la historia es perfecta en su evocación de anhelos adolescentes, particularmente expresados a través de canciones como “Dormido” de The Smiths.

La versión cinematográfica de Wallflower, que fue dirigida por el propio Chbosky, no funcionó para mí, aunque la escena final (cuando Charlie corre a través del túnel Fort Pitt de Pittsburgh en la parte trasera de una camioneta, declarando, en voz en off, que “somos infinitos”) es un gran final. En el libro, esta escena tiene lugar con “Landslide” de Fleetwood Mac; en la película, la canción se intercambia con “Heroes” de David Bowie, y es una elección que golpea el tono perfecto a medida que la película se reduce a créditos.