La Importancia de la Formación Clásica en un Mundo Contemporáneo
Por Kristen Stevens
Cuando la gente piensa en un cantante de formación clásica, algunos tipos de estéreo pueden venir a la mente: ¿tal vez un músico chillón, cuadrado, con un ego del tamaño de Texas? Como educador musical que ha recibido formación clásica a través del programa universitario, estudió varios estilos y géneros, además de haber interpretado la mayoría de ellos; Estoy convencido de que una técnica clásica es la manera de triunfar en cualquier género. Al igual que el bailarín con formación clásica puede transferir su control del cuerpo para moverse de la manera que se requiere en la danza moderna, encontramos que es el bailarín moderno el que no puede ponerse un par de zapatos de punta y ejecutar los movimientos requeridos de una bailarina. Al igual que el bailarín clásico, el cantante clásico tiene la capacidad de transferir su técnica vocal a cualquier género o estilo que se solicite. La cantante clásica Kathleen Battle canta la pieza de jazz, Summertime, de Gershwin.
Mi experiencia está arraigada en la tradición contemporánea y clásica. Cuando se me pide que actúe para varios eventos, mi voz debe ser lo suficientemente maleable para cantar con una inflexión estilística correcta y un sonido genuino, toda la música que se me pide; puedo hacer esto con facilidad debido a mi formación clásica. Desafortunadamente, es raro que el cantante contemporáneo transfiera su técnica para adaptarse al estilo clásico, y a veces su técnica es tan limitada que incluso puede restringirlos a un estilo de música singular. Incluso los artistas contemporáneos más talentosos luchan por mantener la corrección estilística cuando intentan cantar en el estilo clásico.
El oído puede distinguir fácilmente que hay grandes diferencias entre los géneros, sin embargo, la mayoría de las personas que no han sido formalmente entrenadas en música tienen dificultades para expresar en palabras las diferencias que el oído identifica. A continuación, mostraremos algunas de las diferentes diferencias y también explicaremos un poco por qué las cosas se hacen de la manera en que se hacen.
Amplificación y mejora electrónica
Una de las diferencias más notables entre el cantante clásico y el cantante contemporáneo es el uso de equipos electrónicos para amplificar y mejorar el sonido de la voz. El cantante clásico rara vez usa un micrófono o cualquier otro potenciador electrónico debido al entrenamiento, la colocación y la técnica a la que se asocian. La mayoría de las veces, si un micrófono/ micrófonos se ven en una actuación, generalmente es para fines de grabación en lugar de amplificación. Sin embargo, debido al creciente tamaño de los lugares de actuación, se está volviendo cada vez más aceptable usar el micrófono para estadios muy grandes y eventos al aire libre. También es muy difícil para los ingenieros de audio/ equipos de sonido obtener un buen sonido para el cantante porque la música, la ópera o la canción artística, a menudo requieren dinámicas extremas y a veces en terrazas (cambios rápidos entre un sonido extremadamente suave y extremadamente fuerte), también es difícil lograr un buen tono sin que el cantante suene demasiado descarado o puntiagudo. Este tipo de voz se aprecia mejor cuando se está al menos a 20 pies del cantante.
Los vocalistas contemporáneos a menudo dependen en gran medida de la amplificación electrónica. Esto se debe principalmente a la colocación y entonación del sonido, también el uso de instrumentos amplificados contribuye a la necesidad de equilibrio entre vocalistas e instrumentistas. (Antes de hacer la siguiente declaración, por favor entiendan que me doy cuenta de que hay vocalistas contemporáneos muy talentosos en el mundo, desafortunadamente, rara vez son los que se escuchan en la radio.) Los artistas contemporáneos a menudo usan mejoras vocales y sintonizadores automáticos para corregir sus fallas vocales, creando así la grabación de estudio, que luego se limpia y procesa para crear el producto que escucha en la radio u otro dispositivo de música portátil. Esta es la razón por la que las personas a veces pueden decepcionarse cuando escuchan a su banda/ artista intérprete o ejecutante favorito en vivo o conjuntos acústicos.
Dicción
Una gran diferencia que notará entre lo clásico y lo contemporáneo es el uso de dicción de cada entidad. En la música contemporánea, el lenguaje es más a menudo conversacional, a diferencia de la clásica, que a menudo emplea largos tramos de legato de palabras que se encuentran con otras, separadas por consonantes a veces duras. Las vocales del cantante contemporáneo también se modifican a veces para crear algún efecto peculiar o modismo que se usa para representar alguna emoción( es decir, la palabra “hair” pronunciada “hayyyer”), también el movimiento al segundo sonido del diptongo (dos sonidos de vocales que ocurren en una sola sílaba, separados por una consonante) antes de lo que se usaría en una conversación normal (es decir, el sonido de dos vocales que se producen en una sola sílaba, sin separar por una consonante).; la palabra “vida” se pronuncia “lieeef”.)
En el canto clásico, como se mencionó anteriormente, hay consonantes que suenan típicamente nítidas, esto se debe a la falta de amplificación electrónica. El cantante utiliza las consonantes para cortar el sonido de la orquesta o de los instrumentos de acompañamiento, a fin de que el lenguaje pueda identificarse y entenderse. El cantante clásico se esfuerza por cantar en la vocal en lugar de la consonante, y a menudo pospone la fonación del segundo sonido del diptongo; este es el estándar a menos que se indique lo contrario en la partitura musical. El cantante clásico también lee tanto la música como el Alfabeto Fenético Internacional (AFI) para garantizar la pronunciación correcta de los diversos idiomas en los que se le puede requerir cantar.
Idiomas
Se requiere que el cantante clásico actúe en varios idiomas para proporcionar una réplica auténtica y de período del diseño original del compositor. El cantante a menudo tomará cursos que explican los diversos símbolos que se utilizan para expresar los fonemas (las unidades más pequeñas de sonido del habla) a los que están asociados (p. ej.; un cantante clásico leerá en la transcripción del AFI, y para ellos significa pronunciar la vocal “e” como en “me” o tal vez leerán el símbolo y lo pronunciarán “uh” como en “caramelo”.”) Además de la pronunciación correcta, el cantante también debe investigar la traducción palabra por palabra, así como la traducción poética para permitir una inflexión adecuada del texto. Esto es probablemente tan crucial como la pronunciación correcta, porque a menudo el público no entiende el idioma y, por lo tanto, confía en el artista para expresar lo emotivo de la pieza a través de la expresión facial y los gestos corporales.
En la tradición contemporánea, las canciones se cantan típicamente en lengua vernácula, a menos que la canción esté destinada a audiencias multiculturales, en cuyo caso, algunos cantantes interpretarán parte del concierto, álbum, etc. en un idioma en particular, cambie a otro idioma para una parte diferente del conjunto. Cantar en lengua vernácula permite que el intérprete se centre más en la inflexión y menos en el lenguaje. Lo que es común en ambos estilos es que la música y las palabras deben memorizarse antes de continuar con la actuación pública.
Vibrato
Vibrato es la oscilación o vibración superpuesta en un tono sostenido. A menudo se describe como la cualidad reluciente, temblorosa o aleteante de una voz en particular, y ocurre naturalmente hasta cierto punto en cualquier voz saludable. En el canto clásico, el vibrato se inicia inmediatamente después de la consonante, y permanece constante en todo momento. La excepción es si el cantante está interpretando una obra de época renacentista o barroca, en cuyo caso, un tono puro puede ser más correcto estilísticamente. El vibrato es un componente clave de la entonación y el rendimiento general para el cantante clásico.
El cantante contemporáneo también emplea el uso del vibrato, aunque debido a que la música es más conversacional, el vibrato se reserva típicamente para adornar el final de las notas sostenidas. Sin embargo, hay ocasiones en que el cantante contemporáneo usa vibrato con más frecuencia, generalmente es muy sutil y se puede usar dramáticamente durante las partes más suaves de la canción para garantizar un sonido central, en lugar de un sonido aireado, mientras mantiene la dinámica deseada.
En este video, la instructora Kerri Ho describe las técnicas utilizadas con frecuencia para desarrollar vibrato consistente.
Registros
En el canto clásico, la voz debe sonar como una entidad singular, con transiciones fluidas entre los registros. Con incontables horas de práctica y metodología que nos empujan, nos empujan, nos empujan, Julia nos hace pasar por el passagio (punto de transición entre registros) para crear una transición perfecta, la cantante clásica se esfuerza por la singularidad del sonido que viene cuando los espacios resonantes están equilibrados y hay acceso a los registros superior e inferior. Esencialmente, esto significa que se esfuerzan por mantener la voz sonando como si perteneciera a la misma persona en cualquier registro que estén cantando (i. e.; no sonaba como Idina Minzel en la voz de pecho, luego sonaba como Paris Hilton en la voz de cabeza.)
En contemporáneo, hay mucho menos énfasis en un passagio sin costuras, a menudo la voz del pecho se lleva al extremo creando el sonido denominado “cinturón”.”No es raro que un cantante tenga una voz de pecho fuerte, pero luego haga un salto notable hacia el sonido ligero y menos enfocado de la voz de la cabeza. Sin embargo, cuando un cantante contemporáneo pasa limpiamente por el passagio, la gente se da cuenta de lo talentosos que son estos individuos para tener un rango tan “fuerte y amplio”. El “break” (odio este término porque nada en tu voz está realmente roto, sino que se refiere al final de cierto registro) en los registros a veces es utilizado por artistas contemporáneos para crear un efecto dramático.
Espacios resonantes
El cuerpo humano contiene sus propios espacios resonantes que permiten que las vibraciones de la cuerda vocal se manifiesten y amplifiquen el sonido producido. El cuerpo contiene cuatro cámaras resonantes principales que todo cantante debe conocer: cabeza, boca, nariz y pecho. No deben confundirse con registros. Estos son los espacios que ayudan a crear cierta intensidad sin forzar la voz.
En la música clásica, el objetivo es crear tanto espacio como sea posible en todo el espacio resonante disponible. El único espacio que no se utiliza en el canto clásico es la resonancia de la boca, principalmente debido al tejido blando (mandíbulas y lengua) que actúa como una entidad absorbente de sonido. El acto de crear espacio se logra bajando la laringe y elevando el paladar blando para tener acceso completo a los otros tres resonadores. El uso adecuado de estos espacios resonantes da como resultado la independencia del cantante clásico de los dispositivos de amplificación.
Los géneros contemporáneos utilizan espacios resonantes de manera diferente. En la música popular, el intérprete a menudo canta con la resonancia de la boca, o la resonancia del habla, porque la música tiende a ser conversacional. En el teatro musical, la colocación tiende a estar en la resonancia nasal/máscara, y tiene un sonido muy hacia adelante. El rock, el alternativo, el rhythm and blues y el jazz dependen en gran medida del micrófono, al igual que la música popular y, de manera similar, la resonancia no es lo que se enfatiza, aunque es deseable un buen equilibrio.
Lectura de música
La lectura de música se requiere del cantante clásico, no solo la lectura de música (sabiendo que el segundo espacio de los agudos, o pentagrama de Sol, es una A), sino que se espera que el cantante clásico sea capaz de leer música a la vista (cantar lo que la página dirige sin un oído penetrante). La razón por la que encuentro que la lectura de música es una parte tan importante de la formación de cualquier músico, es porque tú, el artista, confías en ti mismo para crear e interpretar la música, y no tienes que confiar en la interpretación de otra persona.
Algunos cantantes contemporáneos leen música, esto suele ser el resultado del programa de música de la escuela pública o el estudio de música que impulsa la lectura de música como parte de su plan de estudios. Por lo general, los cantantes contemporáneos entienden los elementos básicos de la lectura de música, sin embargo, a menos que estén componiendo su propia música, no se enfatiza y rara vez se aprecia. Aunque la lectura de música es esencial, el desarrollo y la práctica de la audición (o audición interna) también deben aprenderse o la lectura de música no beneficiará al cantante. A veces, para compensar la falta de habilidad en la lectura de música, los cantantes contemporáneos pueden confiar más en la audición para aprender la música, pero generalmente pueden improvisar y improvisar con facilidad.
TRANSFERENCIA DE TÉCNICA
Puede ser una sorpresa que a menudo se me exija cantar música contemporánea. También debo admitir que antes de cantar en la universidad, no había tenido ninguna formación clásica, lo que hacía que la escuela de música fuera mucho más desafiante. Antes de mi experiencia universitaria, con frecuencia había dirigido la adoración para mi iglesia y había hecho algunos conciertos con algunos amigos cantando música alternativa/rock, y sí, hice TODO MAL: Ni siquiera sabía que tenía un registro superior, todo era voz de pecho. No hace falta decir que mi primer semestre de voz privada fue una gran lucha. Sin embargo, después de que mi técnica fuera sólida, pude transferir los conceptos de canto vocal clásico a mi estilo contemporáneo de música, y para mi sorpresa, sonaba mucho mejor. Para mí, los beneficios de la formación clásica se manifestaron en otros géneros además del repertorio clásico. Los beneficios del canto contemporáneo incluían: una gama más amplia, lo que significaba que podía cantar una variedad más amplia de música, cantar correctamente en los diferentes registros durante largos períodos de tiempo sin fatiga o tensión en el cuello como resultado de una técnica defectuosa.
También pensé que incluiría algunas verdades que todo cantante, clásico o contemporáneo, debe aceptar si quiere convertirse en un músico exitoso e independiente.
- No sonarás (y no deberías) como el artista que ha hecho famoso tu repertorio. Necesitas sentirte lo suficientemente cómodo con tu propio sonido único, y necesitas hacer que ese sonido suceda lo mejor que puedas cada vez que cantes. Siempre es una buena idea registrar sus lecciones y compararse a sí mismo en una etapa anterior, y evaluar su rendimiento en función de su propia mejora.
- Leer la partitura es importante. Esta es una habilidad invaluable porque te convierte en un músico independiente. ¿Alguna vez has visto un pedazo de papel que ha sido copiado y re-copiado? Se vuelve cada vez más borroso con cada copia – en cierto sentido, eso es lo que le sucede a la música cuando no obtenemos los datos musicales para nosotros mismos – escuchamos la interpretación de otra persona – o una copia, por lo tanto, todo lo que podemos esperar lograr con esto es una imagen ligeramente más distorsionada del concepto que el compositor estaba tratando de transmitir originalmente. In contemporary music lib. es aceptable, pero antes de crear una variación, necesita conocer el tema, y ese conocimiento se obtiene en la página.
- Debes conocer los rasgos estilísticos del género que cantas. Sé que esto puede parecer obvio, pero escucha a los mejores artistas del género y observa los rasgos de estilo que muestran. ¿En qué período de tiempo se escribió esto? ¿Hacen “corridas” frecuentes o ornamentación no escrita? Se liberan. en caso afirmativo, ¿cuándo es apropiado desde el punto de vista estilístico hacerlo? Alteran su dicción? ¿Usan sílabas sin palabras? ¿Cantan o hablan rítmicamente en tono? Es importante escuchar críticamente la música para determinar qué hace que el género sea diferente de otro.
Al pasar de una formación no clásica a la formación clásica, he descubierto que es más beneficioso aprender el método clásico. Si decide que la música es su ocupación deseada, el programa de música más común que encontrará en el nivel universitario requiere cierto grado de capacitación clásica, la mayoría de sus compañeros de clase habrán tenido esta experiencia en cierta medida a través de UIL, competiciones en solitario en todo el estado, y algunos incluso pueden competir en las competiciones de la Asociación Nacional de Maestros de Cantantes (NATS). Recomiendo el entrenamiento clásico porque equipa al cantante con lo esencial para tener éxito en su viaje musical al proporcionar: habilidades de lectura de música, entrenamiento auditivo, técnica versátil y, lo más importante, la independencia para cantar lo que sea que lo haga feliz.
