Stockhausen, Duchamp y letreros de salida – entrevista con Cerith Wyn Evans

Cerith Wyn Evans ha llenado el HangarBicocca de Pirelli en Milán con sus esculturas de neón a gran escala y otras instalaciones. Habla con Gabrielle Schwarz sobre su interés por la música y la complicada influencia de Marcel Duchamp

Esta exposición presenta obras que van desde la década de 1990 hasta la actualidad. ¿Cómo ha sido instalarlos uno junto al otro en el espacio cavernoso del HangarBicocca de Pirelli?

Bueno, este ha sido el verdadero desafío de la exposición, darme cuenta de que me dio la oportunidad de crear una ocasión. Es más como escenificar algo, es casi teatral. Se puede hacer un evento de la presencia de una serie de cosas que han surgido a lo largo de un período de años, que tienen una cierta unidad, aunque solo sea formalmente, que emerge de una especie de paleta atenuada de materiales. La mayoría de las obras de neón, a pesar de que están a diferentes escalas, provienen del mismo lugar. Están fabricados literalmente por las mismas personas, y tienen casi uniformemente la misma temperatura de color, 6500 kelvin, y varios diámetros de tubos de vidrio, de 8 mm a 15 mm. Por lo que es posible facilitar el paso y la conversación entre varias piezas diferentes. Aunque se siente como una red de cosas diferentes de diferentes períodos, la gran mayoría del espectáculo, diría que el 80 por ciento, proviene de los últimos dos años.

Neon Forms (Después de Noh) (2015-19), Cerith Wyn Evans. Vista de instalación de ‘Cerith Wyn Evans:” …el gas iluminador “‘ en Pirelli HangarBicocca, Milán, 2019. Foto: Agostino Osio. Cortesía de the artist; White Cube; Marian Goodman Gallery, Nueva York, París y Londres; y Pirelli HangarBicocca

Comenzó su carrera trabajando en el cine. ¿Crees que hay algo cinematográfico en tu trabajo reciente?

Gran parte de mi trabajo trata de interrogar a la óptica, de desintegrar de alguna manera el modelo científico de la óptica. Creo que si tomas un libro de física, un libro de óptica, un libro de notación musical, un libro de coreología, un libro de yoga, y analizas sus diagramas entre sí, terminas con algunas de las formas que son la base, conceptual y formalmente, de muchas de las obras de esta exposición.

La gente considera que las cosas son cinematográficas si parecen caer bajo la rúbrica de ciertos tipos de estética, que están ampliamente asociados con los regímenes escópicos estereotipados que se consideran cinematográficos, y eso tiene que ver en gran medida con los formatos. Dado que estamos viviendo una revolución tecnológica que está explotando estos formatos y rompiendo estas estructuras jerárquicas, estamos entrando en un espacio que probablemente no ha sido explorado por los artistas de los últimos 100 años, desde que el modernismo y las dos guerras mundiales se interpusieron, y el capitalismo desenfrenado lo mercantilizó todo. Creo que, tal vez, estoy mirando a través de la lente que Duchamp captó hace unos 100 años, cuando comenzó a mirar cosas como la cuarta dimensión y el teseracto.

Las referencias a Duchamp se encuentran a lo largo de su trabajo. ¿Cómo describiría su influencia en usted?

Se ha escrito mucho sobre Duchamp – Duchamp es un idioma, es un territorio, es una geografía, es un continente, es muchas, muchas cosas, para mucha gente, y se le ha utilizado para promover una amplia gama de posiciones e ideas diferentes. Soy como muchas otras personas que se han visto atrapadas en el encanto que Duchamp – como alquimista, como mago, si se quiere-era capaz de transmitir a través de las cosas, y en la ansiedad que era capaz de introducir a la recepción de algo como el objeto, y su interrogación sobre el valor de uso dentro del sistema del arte. su ligereza de tacto y su juego de palabras, y su rechazo a ser acorralado de alguna manera y ser hecho para representar una especie de mascul a falta de un mejor término, masculinidad.

Vista de instalación de los formularios de Cerith Wyn Evans en Space…by Light (en el tiempo), encargado por y mostrado por primera vez en la Tate Britain, Londres, en 2017. Foto: Joe Humphreys / © Tate, Londres 2018; cortesía de White Cube; © Cerith Wyn Evans

¿Qué puede decirnos sobre las nuevas obras que creó para esta muestra?

Hay algunos, aunque en realidad no aparecen como obras nuevas. Quería producirlas con el fin de calzar las obras existentes – una de las grandes piezas fue el encargo para las Galerías Duveen en la Tate Britain – en una relación con el edificio . Quería producir algo que saliera de la pieza Tate para estrechar la mano con el resto del edificio HangarBicocca, especialmente porque estamos a punto de caer por el borde del acantilado en el Brexit.

Pienso en las nuevas obras como una especie de coda – como algo que añadirías al final – porque quería preguntar: ¿qué encontraríamos al final? ¿Encontraremos el presente, el aquí y el ahora? Hasta cierto punto, se compone de una especie de repetición, en la que se resuelven algunos de los leitmotiv, los temas. Lo tienes en una de las grandes obras maestras para mí: Mantra, el dúo de piano de Karlheinz Stockhausen. Stockhausen es fácilmente una influencia tan grande como Duchamp en esta exposición. Tal vez esto también nos acerque a la noción de que existe un llamamiento de mi parte para que se extienda a través de los medios y se involucre con arquitectos y músicos, todas las personas que están interesadas en extender un experimento social, político, emocional y psicológicamente.

También está el pequeño letrero de salida, la obra más antigua del espectáculo, que también trata, a nivel cómico, de comienzos y finales. Este letrero de salida vino de haber sido bloqueado accidentalmente fuera de un cine en Leicester Square en los años 80. No quería pasar por el cine para salir de la película. Atravesé las puertas de salida y me di cuenta de que las puertas de la calle estaban atornilladas, así que tuve que sentarme y ver el resto de la película desde una posición donde lo único que podía ver era una señal de salida de atrás hacia delante.

Mantra (2016), Cerith Wyn Evans. Foto: George Darrell; cortesía de White Cube; © Cerith Wyn Evans

¿De dónde viene su interés en jugar con el lenguaje?

Es difícil sacar eso sin sentir que de alguna manera estoy traicionando algo que es innato. Sin embargo, tampoco siento que deba decir que la obra habla por sí misma. Cuando era estudiante en Saint Martins, a finales de la década de 1970, en el curso de Escultura A, esto era algo que sentía que era una verdadera afrenta a mi identidad, a mi ser. Cuando la gente decía, ‘ ¿Por qué lo etiquetan con todas estas cosas diferentes, y por qué están surgiendo todas estas pequeñas meta-narrativas y pequeños bucles y pequeñas retroalimentaciones y pequeñas cosas que lo despistan?”Dijeron,” Llamemos a las cosas por su nombre ” – bueno, Magritte nunca hizo eso, y Marcel Broodthaers o Elaine Sturtevant nunca hicieron eso. Muchos de los artistas que tengo en la más alta estima siempre tuvieron dudas al respecto. Encuentro cierto espacio de genuina integridad en el concepto de dudar del mundo material, de dudar de la percepción.

” Cerith Wyn Evans: “…el gas iluminador “‘ se encuentra en Pirelli HangarBicocca, Milán, hasta el 26 de julio de 2020 (fechas de exposición ampliadas).

De la edición de noviembre de 2019 de Apollo. Previsualice y suscríbase aquí.