12 Great Coming-Of-Age Movie Final-Scene Songs

One of the writing projects I ‘ve been working on this winter is Last Nine, a coming-of-age screenplay I’ ve been chipping away at for more over a decade now. Rakennettu yhden tapauksen muistan minun lukion Espanjan Luokka, kun olin 17 vuotta vanha, Last Nine kertoo tarinan teini jonka maailma alkaa muuttua, kun hän tekee uuden ryhmän ystäviä viikkoina juuri ennen kuin hän valmistuu lukiosta.

vaikka tiedän, että käsikirjoittajilla on vain vähän valtaa soundtrackiin elokuvan valmistuttua, olen kirjoittanut viimeisen yhdeksän sillä mielellä, että Woody Guthrien cover the Carter Familyn kappaleesta “Will you Miss Me When I ‘m Gone” soi hahmojen kokoontuessa viimeisen kerran, viimeisessä kohtauksessa. Tämä synkkä, sentimentaalinen kansanlaulu asettaa juuri oikean sävyn — tai oikeammin oikean ironisen vastakkainasettelun-kun hahmot lähtevät (omalla, pienellä panoksellaan) ensimmäistä kertaa kotoa.

musiikilla on tärkeä rooli kaikissa elokuvissa, mutta yksittäisillä kappaleilla on aina ollut terävä läsnäolo — ja psyykkinen resonanssi — coming-of-age-elokuvissa. Jotkut vahvimmista muistoistani elokuvantekijänä ovat tulleet niinä sanoin kuvaamattomina hetkinä, kun strategisesti valittu laulu voimistaa kokonaisen elokuvan tunnevaikutusta.

olen listannut tähän 12 suosikkiani elokuvan loppulauluhetkistä sekä ajatukseni siitä, miksi nämä musiikkivalinnat olivat niin tehokkaita. Olen keskittynyt stand-alone lauluja sijaan elokuva-partituuri musiikkia, joka jättää pois kourallinen kaikuva coming-of-age elokuvia, jotka päättyvät muunnelmia tarinan tunnusmusiikki (kuten Maurice Jarre sävähdyttävä teema Dead Poets Society, ja Nicholas Britell sydäntäsärkevä leitmotif Moonlight). En ole eritellyt heitä täällä “arvon” perusteella, – vaan sen perusteella, miten olen oppinut muistamaan heidät.

Simple Mindsin ” Don ‘t You (Forget About Me)” Breakfast Clubilta

tämä on pohjimmainen elokuvan loppukohtaus, jonka on käsikirjoittanut ja ohjannut pohjimmainen teinielokuva auteur John Hughes. Muistan katsoneeni Breakfast Clubia VHS: llä 15-vuotiaana, vuonna 1986, ja ajatelleeni, että Hughes oli saavuttanut jotain ainutlaatuista ja totta teinielämälle.

vuotta myöhemmin tuntuu siltä, että Breakfast Clubin hajanaisten hahmojen rippikoulumaiset yksinpuhelut (ja yhtäkkinen romanttinen parivaljakko) olivat enemmän idealisoituja kuin realistisia. Silti, ei ole epäilystäkään siitä, että se oli uraauurtava elokuva sen suhteen, miten amerikkalaiset teinit-Ja heidän pelkonsa, toiveensa ja huolensa — kuvattiin valkokankaalla. “Don’ t You (Forget About Me) ” alleviivaa panoksia (keitä nämä lapset ovat, ja mitä he merkitsevät toisilleen tämän päivän jälkeen?) elokuvan symbolisen kapinan huippuhetken aikana: Brian lukee” you see us as you want to see us ” -esseensä voice-Overissa, kun Bender pumppaa nyrkkinsä ilmaan ja lopputekstit rullaavat.

mielenkiintoista on, että skotlantilainen rockyhtye Simple Minds vastusti aluksi kappaleen äänittämistä, jonka sävelsivät tuottaja Keith Forsey ja kitaristi Steve Schiff (Bryan Ferry ja Billy Idol olivat jo kieltäytyneet tilaisuudesta). He taipuivat lopulta levy — yhtiönsä painostuksesta, ja yhtye muistetaan nyt tästä kappaleesta-ja siitä, miten se herättää Breakfast Clubin voitokkaan loppukuvan.

Ben E. Kingin kappale” Stand By Me “albumilta” Stand By Me “

kun taas” Don ‘t You (Forget About Me)” soi sekä Breakfast Clubin alussa että lopussa, Ben E. Kingin samannimisen soul tune-näytelmän eri variaatioita koko Stand By Me: n ajan. Olin 15 menossa 16 Kun näin ensimmäisen kerran tämän elokuvan, ja jotenkin löysin nämä neljä merkkiä (jotka olivat 12 menossa 13) on syvästi, liikuttavan relatable.

esseisti Louis Menand on kirjoittanut (Salingerin Sieppari ruispellossa), että nostalgia on kiivaimmillaan, kun olemme vielä nuoria, ja Stand By Me jätti 15-vuotiaan ME: n kaipaamaan sitä ihmistä, joka olin 12-vuotiaana. Tämä ei ole erityisen iloinen elokuva – se on loppujen lopuksi noin ryhmä poikia lähdössä etsimään kuollutta ruumista-mutta jotain, miten hahmot kohtaavat poismenon Oman prepubescent nuoruutensa sai minut kaipaamaan omani.

minulla ei ollut aavistustakaan, että Stand By Me perustui Stephen Kingin romaaniin, kun näin sen ensimmäisen kerran, mutta jälkeenpäin ajateltuna sen ydinjuoni — nuoret hahmot, jotka lähtevät omille teilleen, ilman aikuisia, seikkailemaan ja taistelemaan demoneitaan vastaan — tuntuu hyvin uskolliselta hänen suuremmalle teokselleen. Eräänlaista nostalgiaa elokuvan kerrontaan riittää paitsi siinä, että sen nähtävyydet ja laulut tuovat mieleen 1950-luvun lopun pikkukaupungin Amerikan — myös siinä, että tarinan kertoo AIKUINEN Gordie (Richard Dreyfuss), joka muistelee nuoruuttaan luettuaan lapsuudenystävänsä kuolemasta.

aivan kuten ” Don ‘t You (Forget About Me)” alleviivaa ystävyyden sitkeyttä Breakfast Clubissa, kappale “Stand By Me” lopulta suree elokuvan neljän pojan välisen sidoksen evanescenssia, auttaen ilmaisemaan menetyksen tunteen, jota kuningas yrittää kuvata romaaninsa alkusäkeissä:

“tärkeimmät asiat ovat vaikeimpia sanoa. Ne ovat asioita, joita häpeät, koska sanat vähentävät niitä… tärkeimmät asiat ovat liian lähellä salaista sydäntäsi, kuten maamerkkejä aarteelle, jonka vihollisesi haluaisivat varastaa. Ja saatat tehdä paljastuksia, jotka tulevat kalliiksi sinulle vain siksi, että ihmiset katsovat sinua oudolla tavalla ymmärtämättä, mitä olet sanonut lainkaan, tai miksi pidit sitä niin tärkeänä, että melkein itkit sanoessasi sitä. Se on pahinta. Kun salaisuus pysyy sisällä, ei virkailijan puutteessa, – vaan ymmärtäväisen korvan puutteessa.”

Foghatin “Slow Ride”, Dazed and Confused

the passage of time on aina ollut ohjaaja Richard Linklaterin temaattinen pakkomielle, hänen breakout-elokuvastaan Slacker (katso alla), hänen Before Sunrise/Sunset/Midnight-trilogiastaan, hänen innovatiivisesta monivuotisesta coming-of-age-projektistaan Boyhood. Paljolti juoneton Dazed and Confused tapahtuu yhden vuorokauden aikana, kun se seuraa useita toisiinsa kytkeytyneitä texasilaisia teiniryhmiä kouluvuoden 1976 viimeisenä päivänä. Musiikki on aikakausikohtaista ja pitch-täydellinen, alkaen Aerosmithin “Sweet Emotion” avauskohtauksessa, suoraan läpi huumaava Foghat hymni, joka räjäyttää Mitchin kuulokkeet näemme Wooderson, Pink, Slater, ja Simone cruise avoimella valtatiellä ennen lopputekstien roll.

näin pökerryksissä ja hämmentyneenä sen ilmestymisviikolla, syksyllä 1993, kun asuin Seattlessa-ja kävelin ulos teatterista sumussa, aivan kuin minut olisi kuljetettu takaisin Kansasin nuoruuteeni viisi vuotta aiemmin. Jotenkin Linklaterin fiktiivinen 1976 toi täydellisesti mieleen sen, miltä vuosi 1988 minusta tuntui, kun olin 1993. Nyt — 25 vuotta myöhemmin-Dazed ja sekava tuo mieleen 1993 minulle yhtä paljon kuin mitään, vaikka se edelleen herättää muistoja 1988 (ja 1976). Kumma kyllä, 1993 oli uskomattoman erottuva vuosi minulle – olin 22, olin juuri valmistunut college, ja olin työskennellyt maisemasuunnittelija Seattlessa huipulla grunge — vielä osa siitä, miten koin sen oli kaipuu eri, enemmän maakunnallinen (ja monin tavoin vähemmän mielenkiintoinen) aika oman elämäni.

Dazedin ja hämmentyneen ikonisin repliikki tulee kauan sitten valmistuneelta henkarilta Woodersonilta (jota esitti tuolloin tuntematon Matthew McConaughey), joka sanoo: “That’ s what I love about these high school girls, man. Kun vanhenen, he pysyvät samanikäisinä.”Neljännesvuosisata myöhemmin, sama asia voitaisiin sanoa elokuvan merkkiä, Wooderson mukana: lapset näen ruudulla eivät vanhene, joka vain alleviivaa tapaa Dazed edelleen muistuttaa minua useita kertoja oman elämäni — useita, kaukaisia hetkiä elossa-vanhetessani.

alaviitteenä tässä foghatin ” Slow Ride “ei ollut tarkoitettu Dazedin ja Confusedin päätösraidaksi, mutta Linklater ei saanut Led Zeppelinin” Rock and rollin ” oikeuksia (kuten tarina kertoo, kitaristi Jimmy Page ei suostunut siihen, mutta laulaja Robert Plant ei suostunut). Voidaan ymmärtää, miksi Linklater haluaisi tämän kappaleen elokuvaan (joka itse sai nimensä Led Zeppelinin kappaleesta), vaikka jälkikäteen katsottuna “Slow Ride” on melko täydellinen tapa lopettaa elokuva.

Eddie Vedderin “kova aurinko” Into The Wildista

tulin myöhään Sean Pennin elokuvasovitukseen Into The Wildista-suurelta osin siksi, etten uskonut sillä olevan paljon uutta tarjottavaa, koska olin jo lukenut ja nauttinut Jon Krakauerin kirjasta. Kun lopulta katsoin sen, elokuvan kuvaus Alexander Supertrampin tuhoon tuomitusta Amerikan pyhiinvaelluksesta vaikutti minuun tavalla, joka oli paljon intuitiivisempi ja henkilökohtaisempi kuin kirja. Se on mielestäni elokuvien voima, ainakin silloin kun ne toimivat hyvin: ne vangitsevat tunteen tavalla, joka menee faktaa tai älyllistä sisältöä pidemmälle.

, mikä tarkoittaa sitä, että vaikka Krakauerin kirja kiehtoi, Into The Wild-elokuvan elokuvaversio oli samaistuttava tavalla, jota en odottanut sen olevan. Kirjoitetulla sivulla saatoin nähdä, miten Christopher Maccandlessin elämä voisi olla samanlainen kuin omani (olin 21-vuotias hänen kuolinkuukautensa aikana, ja hän oli lähtenyt Sooloretkille Washingtonin Olympialaisten niemimaalle samana kesänä), mutta valkokankaalla tuntui kuin hänen elämänmatkansa olisi erottamaton samoista huumaavista ihanteista, jotka lähettivät minut kulkuripolulle samoihin aikoihin elämässä. Kuten Chris, hyppäsin juniin ja vaelsin Amerikan lännessä ollessani parikymppinen, ammentaen inspiraationi koirankorvuisista Thoreaun, Whitmanin ja Edward Abbeyn teoksista. Chrisin tavoin olin riippuvainen uutuudesta ja mahdollisuudesta; tein lukemattomia pieniä itsealoitteita erämaassa, ja löysin jotain pyhää vähitellen kertyvistä seikkailuistani.

olen usein sanonut, että nuorekkaasta vaelluksestani syntynyt kirja Vagabonding oli tarkoitettu eräänlaiseksi kirjeeksi 17-vuotiaalle minälleni-ja Katseltuani Into The Wildia minua muistutettiin siitä, miten nuorena nuorekkaaseen vapauden ja puhtauden tarpeeseen liittyy kaksi luontaista vaaraa. Yksi on se, että olet liian arka irrottautumaan ja vaeltamaan-mutta toinen on se, että yliromantisoit matkan, kun se on käynnissä, mikä voi olla vähemmän kuin ihanteellinen sekä itsellesi että ihmisille, jotka jätät jälkeesi. Into The Wild, sekä kirja että elokuva, toimivat eräänlaisena varoittavana esimerkkinä tätä malttamatonta, itsevarmaa, itseään mytologisoivaa romantiikkaa vastaan-vaikka Chrisin tarina edelleen inspiroi liuta pyhiinvaeltajia ja jäljittelijöitä.

ottaen huomioon, mitä Maccandlessille/Supertrampille tapahtui, Into The Wild on selvästi synkkä coming-of-age — tarina, mutta jotenkin Eddie Vedderin folkmaiset pisteet — ja erityisesti hänen sielukas coverinsa Gordon Petersonin “Hard Sunista” loppukohtauksessa-tukevat tarinaa toiveikkaalla eksistentiaalisen kaipuun tunteella.

Freedy Johnstonin “huono maine” Kicking and Screaming

1990-luvun puolivälin tienoilla “Generation X: n” nuorisomarkkinoilla tehtiin useita itsetietoisia hip-elokuvia — ajattele Reality Bites, singlet, Empire Records jne. – mutta harva oli aivan niin hauska ja koskettava kuin potkiminen ja huutaminen, indie-auteur Noah Baumbachin debyytti vuodelta 1995. Juoni-viisas, elokuva ei ole paljon — se on noin ryhmä neljä ystävää, jotka eivät voi aivan lähteä college jälkeen valmistuttuaan-mutta sen loquaciously masentunut (ja affably clueless) hahmot ruumiillistuma eksistentiaalinen staasi, joka voi tarttua nuoria miehiä juuri sillä hetkellä, kun he pitäisi tehdä jotain itsestään elämässä.

tunteellinen osa minua on vakuuttunut siitä, että katsoin tämän erittäin samaistuttavan elokuvan täsmälleen samassa elämänvaiheessa kuin Grover, Max, Otis ja Skippy, sen vastavalmistuneiden hahmojen kvartetti. Todellisuudessa näin sen lähes kolme vuotta Collegen valmistumisen jälkeen, kun olin jumissa henkilökohtaisessa / ammatillisessa umpikujassa ensimmäisen kiertolaismatkani onnistuneen valmistumisen ja lopulta siirtymiseni Koreaan opettamaan englantia (ja pidentämään kiertolaisseikkailujani) välillä.

Kicking and Screaming kertoo osittain valmistumista seuranneesta äkillisestä sosiaalisen statuksen menetyksestä, kun ihminen heitetään pois Collegen pienestä lammikosta ja elämän myllertävään valtamereen-ja jotenkin hahmojen omaehtoinen halvaantuminen ja kärsimys loppuelämän edessä sai oman tilanteeni tuntumaan hieman siedettävämmältä. Kaikki neljä päähenkilöä pukeutuvat urheilutakkeihin – aivan kuin he, kuten Baumbach on todennut, olisivat lapsia, jotka leikkivät aikuisina — ja olin niin otettu tästä teeskentelystä, että ostin urheilutakin käytettäväksi töissä, kun lähdin Koreaan loppuvuodesta 1996.

potkimisen ja huutamisen ylivoimaisesti kypsimmät hahmot ovat päähenkilöiden pitkämielisiä tyttöystäviä, ja elokuvan huippuhetki koittaa, kun Grover (jota näyttelee Josh Hamilton) päättää vihdoin lähteä entisen rakastajattarensa Janen (Olivia d’ Abo) luokse Prahaan. “Siitä tulee hyvä tarina nuoresta aikuiselämästäni”, Grover sanoo psyykkatessaan itseään lentoyhtiön tiskillä. “Kun päätin lähteä Prahaan.””

tätä toiseksi viimeistä (ja lopulta Groverin kannalta ei-aivan-aktualisoitua) lentoaseman lähtökohtausta seuraa yksi kaikkien aikojen suosikkielokuvistani – hillitty takauma, joka kertoo yksityiskohtaisesti hetkistä ennen Groverin ja Janen ensimmäistä suudelmaa monta kuukautta aiemmin. Se kuulostaa korni jopa vain kirjoittamalla sen täällä, mutta jotenkin — hetkellä juuri ennen Johnstonin “huono maine” potkii sisään — Groverin yksinpuhelu Janelle siitä, että he olisivat vanha pari (jota seuraa Janen itsetietoisuus siitä, ottaako hänet pidike) iskee ihanteellinen sävy romanttinen awkwardness.

Led Zeppelinin “Tangerine” lähes kuuluisasta

Cameron Crowen pitkälti omakustanteinen tarina Amerikan matkaamisesta rock-N-roll-kiertuebussin kautta 15-vuotiaana Rolling Stonen toimittajana ei ole yhtä suoranainen kuin muut mainitsemani coming-of-age-Elokuvat, mutta ihan yhtä hauska. Monet elokuvan parhaista hetkistä ovat musiikin varassa – ehkä ei mikään aivan niin hurmiossa kuin se, kun koko näyttelijäkaarti huutaa Elton Johnin “Tiny Dancer” — kappaleen tahtiin Topekan Falloutin (ja reunionin) jälkeen — ja Led Zeppelinin “Tangerine” tarjoaa mukavan coodan hetkelle, jolloin will Miller (Patrick Fugit) ja Russell Hammond (Billy Crudup) lopulta — niin monen kilometrin matkan jälkeen-istuvat Willin kotiin keskustelemaan musiikista avoimin sydämin.

The Facesin” Ooh La La ” rushmoresta

on puhuttu paljon ohjaaja Wes Andersonin visuaalisesta tyylistä, mutta hänen musiikilliset valintansa ovat aivan yhtä omaleimaisia — ja Rushmoressa, Andersonin ikonisessa vuoden 1998 toisen vuoden elokuvassa, elokuvan soundtrackissa on yhtä paljon hahmoa kuin Jason Schwartzmanin ylisuorittavassa teinissä Max Fischerissä tai Bill Murrayn keski-ikäisessä mogulissa Herman Blumessa. Johdantomme Maxin liioiteltuihin harrastuksellisiin pyrkimyksiin ei olisi sama ilman vuosikirjan montaasia, joka on asetettu luomakunnan “Making Time”: iin, ja Max-vastaan Herman-kostojakso saavuttaa katkeran huipentumansa The Whon “a Quick One, While He’ s Away.”Rushmoren viimeinen kohtaus löytää täydellisen sävynsä, Kiitos The Facesin vuoden 1973 katkeransuloisen sävelen” Ooh La La.”

the Magnetic Fieldsin “”surullisin tarina koskaan kerrottu,” from the Myth of the American Sleepover

David Robert Mitchellin breakout-elokuva oli karmiva 2014 teiniseksikauhuelokuva nimeltään It Follows — mutta hänen elokuvallinen debyyttinsä tuli kolme vuotta aiemmin, The Myth of the American Sleepover, joka kuvattiin Michiganissa shoestring-budjetilla eikä koskaan mennyt laajaan teatterilevitykseen. Satuin näkemään sen tyhmällä sattumalla Angelika Film Centerissä vieraillessani New Yorkissa kesällä 2011, ja ihastuin siihen, miten tämä hillitty elokuva (täynnä tuntemattomia näyttelijöitä) vangitsi jotain konkreettista ja resonoivaa teinielämästä.

ironista tässä on se, että amerikkalaisten Yökyläilymyytissä on tahallista epämääräisyyttä, koska se ei näytä tapahtuvan minkään tietyn ajanjakson aikana. Se tuntuu hieman nykyaikaiselta, esimerkiksi, mutta kukaan henkilöhahmoista ei käytä matkapuhelimia tai Internetiä — ja loppukesän “yökyläilyt”, joihin otsikko viittaa, tuntuvat vanhanaikaisilta ja anakronistisilta, vaikka hahmojen kokemukset siellä tuntuvat emotionaalisesti erityisiltä ja merkityksellisiltä. Sleepoverilla ei ole loppiaista, kuten Breakfast Clubilla (tai ylenpalttista, kuten Dazedilla ja hämmentyneellä), mutta magneettikenttien “surullisin tarina koskaan kerrottuna” yhdistettynä Balthropin, Alabaman “Love to Love You” – elokuvaan, lyö oikean tunteellisen sävelen tähän yllättävästi vaikuttavaan elokuvaan lopputekstien rullatessa. (Molemmat kappaleet esiintyvät myös elokuvan trailerissa.)

Horst Wende ja Hänen Orkesterinsa “Skokiaan” Slackerista

Richard Linklaterin toinen pitkä elokuva tuskin kelpaa coming-of-age-elokuvaksi, sillä Slackerin kamera viipyy harvoin yhdessä hahmossa kovin pitkään, eikä mikään niistä näytä muuttuvan millään havaittavalla tavalla. Elokuvan viimeisessä jaksossa on silti jotain iloista ja energisoivaa, kun joukko nuorehkoja hahmoja kuvaa itsensä ajamassa (ja sitten kiipeämässä) Bonnell-vuoren huipulle lähellä Austinia. “Skokiaan” on zimbabwelaisen muusikon August Musarurwan popsävelmä vuodelta 1947, ja sen tunnetuin versio lienee Louis Armstrongin versio vuodelta 1954 — mutta saksalaisen yhtyeenjohtaja Horst wenden peppy 1958-cover iskee Slackerin lopullisiin kehyksiin mukavan retrosävelen.

elokuvan DVD-kommenttiraidassa Linklater kertoo, että tämä loppukokonaisuus — joka näyttää enteilevän älypuhelinaikaisten nuorten hyper-dokumentointia omasta elämästään — sai inspiraationsa Bill Danielin lyhytelokuvasta. Linklater oli toivonut saavansa elokuvan pääosan Peggy Leen vuoden 1969 versiosta Leiber ja Stollerin “is That All There Is?”, mutta joutui tyytymään “Skokiaan “ja The Butthole Surferin” Strangers Die Everyday ” – kappaleeseen, kun ei saanut Leen kappaleeseen oikeuksia. Korvaani “Strangers Die Everydayn” kammottavat sävelet tarjoavat paremman tunnerakenteen Velttojen lopputekstien rullatessa, sillä “is That All There Is?”tuntuu hieman nenäkäs noin omituinen elokuva.

Third Eye Blindin “Semi-Lumottu elämä” American Pie

vaikka Paulin ja Chris Weitzin teiniseksikomedia American Pie ilmestyi vuonna 1999, se tuntuu hyvin paljon 1980-luvun elokuvalta — ja se oli luultavasti viimeinen kerta, kun katsoin teinileffaa, jossa oli heikosti teinimäistä herkkyyttä. Aidoin kunnianosoitus amerikkalaiselle teinielämälle, joka ilmestyi vuonna 1999, ei ollut elokuva — se oli TV-ohjelma Freaks and Geeks (joka oli mielestäni aidoin valkokankaalla koskaan tehty mielleyhtymä Keskiamerikkalaisesta nuoruudesta). Vaikka American Pie – elokuvan koomiset hyperbolit eivät kuulosta aivan yhtä todelta kuin friikit ja nörtit, se oli ilahduttavan viihdyttävä coming-of-age-by-trying-to-lose-your-virginity-elokuva.

olin ollut reppureissaamassa ympäri Aasiaa ja Itä — Eurooppaa suurimman osan vuodesta 1999, ja vaikka olin ehkä hieman liian vanha, arvostin soundtrackia, elokuvan loppukohtauksessa esiintyviä kappaleita-Third Eye Blindin “Semi — Charmed Life” ja Bare Naked Ladiesin “one Week”-take me back to that year I spended wandering the East (kuten muutkin yhden hitin ihmeet samoihin aikoihin, kuten Fatboy Slimin “The Rockafeller Skank,” Blink-182: n “All the Small Things,” chumbawamban “tubthumping,” Smash Mouthin “Walkin’ on the sun” ja The Verven “Bitter Sweet Symphony.”

Yellon “Oh Yeah”, Ferris Buellerin vapaapäivän

rakastin positiivisesti Ferris Buellerin vapaapäivää, kun se ilmestyi vuonna 1986, ja se on edelleen yksi suosikkiteinileffoistani. Ihmiset ovat jälkikäteen väheksyneet Ferris Buellerin hahmoa hieman etuoikeutetuksi räkänokaksi-mutta minulle oli jo teini-ikäisenä selvää, että Ferris Buellerin vapaapäivä oli vähemmän realistinen kommentointi teinielämästä kuin oikukas fantasiaelokuva, joka pyrki pitämään lähtökohtanaan mahdollisimman hauskaa.

sitä paitsi jälkikäteen on helppo unohtaa, kuinka ainutlaatuinen hahmo Ferris oli: aikana, jolloin teinielokuvat olivat sukupolvien ajan luonnehtineet päähenkilöitä kuppikuntaisilla stereotypioilla, Ferris oli ainutlaatuinen itselleen-älykäs, omituinen, hyper — artikuloitu (eikä-välttämättä urheilullinen tai hyper-maskuliininen) ystävä kaikille, jotka kulkivat maailman läpi oman karismansa lannistumattomalla voimalla. “Oh Yeah”, Yellon omituinen instrumentaaliraita, asetti täydellisen elokuvan lopun tekstuurin lopputekstien vieriessä ja rehtori Rooney sai comeuppancensa (ja Ferris itse ajoi meidät ulos teatterista).

David Bowien “Heroes,” From the Perks of Being a Wallflower

For reasons I can ‘t fully explain, I discovered and read (and loved) Stephen Chbosky’ s 1999 YA-market novel The Perks of Being a Wallflower when I was in my late thirties. Loogisella tasolla tarina itsessään ei ole aivan järkevää — päähenkilö on fuksi sopeutumaton, joka saumattomasti osuu joukko hip Seniorit (ja jotenkin on yli-inhimilliset fyysiset voimat). Kumma kyllä, tunneperäisellä tasolla tarina on osuva siinä, että se tuo mieleen nuorten kaipaukset, varsinkin kun se ilmenee The Smithsin “Asleep” – kappaleen kaltaisten laulujen kautta.”

Chboskyn itsensä ohjaama elokuvaversio Wallflowerista ei oikein toiminut minulle — vaikka loppukohtaus (kun Charlie kaahaa Pittsburghin Fort Pittin tunnelin läpi pickup-auton takaosassa julistaen voice-over-kappaleessa, että “olemme äärettömiä”) saakin hienon lopun. Kirjassa tämä kohtaus tapahtuu Fleetwood Macin “Landslide” — kappaleeseen; elokuvassa kappale on vaihdettu David Bowien “Heroes” – kappaleeseen-ja se on valinta, joka osuu täydelliseen sävyyn elokuvan leikatessa lopputekstejä.