the Importance of Classical Training in a Contemporary World

By Kristen Stevens

kun ihmiset ajattelevat klassisesti koulutettua laulajaa, mieleen saattaa tulla muutama stereotyyppi: ehkä rääkyvä, neliömäinen, muusikko, jolla on Texasin kokoinen ego? Musiikkipedagogina, joka on käynyt läpi klassisen koulutuksen college-ohjelman kautta, opiskellut erilaisia tyylejä ja lajityyppejä sekä suorittanut suurimman osan niistä; Olen vakuuttunut siitä, että klassinen tekniikka on tapa menestyä missä tahansa genressä. Samaan tapaan kuin klassisesti koulutettu tanssija voi siirtää kehon hallintaansa liikkuakseen nykytanssissa vaaditulla tavalla, huomaamme, että juuri nykytanssija ei voi sitoa suippokenkiä jalkaansa ja suorittaa ballerinalta vaadittavia liikkeitä. Klassisen tanssijan tavoin klassisella laulajalla on kyky siirtää laulutekniikkaansa mihin tahansa genreen tai tyyliin. Klassinen laulaja Kathleen Battle laulaa Gershwinin jazzkappaleen Summertime.

kokemukseni juontaa juurensa sekä nykyaikaiseen että klassiseen perinteeseen. Kun minua pyydetään esiintymään erilaisiin tilaisuuksiin, ääneni on oltava riittävän mukautuva laulamaan oikealla tyylillisellä taivutuksella ja aidolla äänellä, kaikella sillä musiikilla, jota minulta pyydetään; klassisen koulutukseni ansiosta pystyn tähän helposti. Valitettavasti on harvinaista, että nykylaulaja siirtää tekniikkansa klassiseen tyyliin sopivaksi, ja joskus heidän tekniikkansa on niin rajoittunutta, että se voi jopa rajoittaa heidät yhteen musiikkityyliin. Jopa lahjakkaimmat nykyesiintyjät kamppailevat säilyttääkseen tyylillisen korrektiuden yrittäessään laulaa klassiseen tyyliin.

korva pystyy helposti erottamaan, että genrejen välillä on suuria eroja, mutta suurimmalla osalla ihmisistä, jotka eivät ole saaneet muodollista musiikkikoulutusta, on vaikeuksia pukea sanoiksi niitä eroja, jotka korva tunnistaa. Alla näytämme joitakin erilaisia eroja ja myös mennä hieman miksi asiat tehdään niin, että ne ovat.

elektroninen vahvistus ja tehostus

yksi huomattavimmista eroista klassisen laulajan ja nykylaulajan välillä on elektronisten laitteiden käyttö äänen vahvistamiseen ja tehostamiseen. Klassinen laulaja käyttää harvoin mikrofonia tai muita elektronisia tehostimia johtuen harjoittelusta, sijoittamisesta ja tekniikasta, johon he yhdistävät itsensä. Suurimman osan ajasta, jos mikrofoni/ mikrofonit nähdään esityksessä, se on yleensä äänitystarkoituksessa eikä vahvistamista. Esiintymispaikkojen kasvavan koon vuoksi mikrofonin käyttö hyvin suurissa areenoissa ja ulkoilmatapahtumissa alkaa kuitenkin pikkuhiljaa olla hyväksyttävämpää. Se on myös erittäin haastavaa audio insinöörit/ ääni miehistön saada hyvä ääni laulaja, koska musiikki, ooppera tai taide laulu, usein vaatia extreme ja joskus Rivitalo dynamics (nopeat siirtymät erittäin pehmeä ja erittäin kova ääni,) on myös vaikea saavuttaa hyvä ääni ilman laulaja kuulostaa liian röyhkeä tai huomautti. Tällainen ääni on tyypillisesti parhaiten arvostettu, kun on vähintään 20 metrin päässä laulajasta.

Nykylaulajat tukeutuvat usein vahvasti elektroniseen vahvistukseen. Tämä johtuu pääasiassa äänen sijoittelusta ja intonaatiosta, myös täydennettyjen soittimien käyttö lisää tarvetta tasapainoon laulajien ja instrumentalistien välillä. (Ennen kuin teen seuraavan lausunnon, ymmärtäkää, että ymmärrän, että maailmassa on erittäin lahjakkaita nykylaulajia, valitettavasti he ovat harvoin niitä, joita kuullaan radiossa.) Contemporary artists use vocal enhancement and auto virittimet korjata laulu viat, mikä luo studio tallennus, joka sitten puhdistetaan ja käsitellään luoda tuotteen kuulet radiossa tai muu kannettava musiikkilaite. Tämän vuoksi ihmiset voivat joskus pettyä, kun he kuulevat suosikkibändin / artistin esiintyjän live-esityksiä tai akustisia settejä.

Diction

valtava ero klassisen ja nykyhetken välillä on se, että kukin olio käyttää sanontaa. Nykymusiikissa kieli on useammin keskusteleva, toisin kuin klassisessa, jossa käytetään usein pitkiä, legatomaisia sanajonoja, jotka törmäävät toiseen ja joita erottavat joskus ankarat konsonantit. Contemporary laulajan vokaalit ovat myös joskus muutettu luoda joitakin omituinen vaikutus tai idiomi, jota käytetään kuvaamaan joitakin tunteita (eli; sana “hair” lausutaan “hayyyer”), myös siirtyminen toisen äänen diptong (kaksi vokaali ääniä, jotka esiintyvät yhden tavun, unseparated jonka konsonantti) nopeammin kuin olisi käytetty normaalissa keskustelussa (ts.; sana ” elämä “lausutaan”lieeef”.)

klassisessa laulussa, kuten edellä mainittiin, on tyypillisesti rapealta kuulostavia konsonantteja, mikä johtuu elektronisen vahvistuksen puutteesta. Laulaja käyttää konsonantteja orkesterin tai säestyssoittimien soinnin leikkaamiseen, jotta kieli voidaan tunnistaa sekä ymmärtää. Klassinen laulaja pyrkii laulamaan konsonantin sijaan vokaalilla ja usein viivyttää diptongin toisen äänteen fonaatiota; tämä on standardi, ellei sävelessä toisin määrätä. Klassinen laulaja lukee myös sekä musiikkia että kansainvälistä Foiniittista kirjaimistoa (IPA) varmistaakseen niiden eri kielten oikean ääntämisen, joilla heitä saatetaan vaatia laulamaan.

kielet

klassisen laulajan on esiinnyttävä useilla kielillä, jotta säveltäjän alkuperäinen rakenne olisi autenttinen, periodinen toisinto. Laulaja käy usein kursseja, joissa selitetään erilaisia symboleja, joilla ilmaistaan foneemeja (puheäänen pienimpiä yksiköitä), joihin ne liittyvät (ts.; klassinen laulaja lukee IPA: n transkriptiossa, ja heille se tarkoittaa vokaalin “e” lausumista kuten “minä” tai ehkä he lukevat symbolin ja ääntävät sen “uh” kuten “karamelli.”) Oikean ääntämisen lisäksi laulajan on tutkittava myös sana sanalta-käännöstä sekä runollista käännöstä, jotta teksti taipuisi oikein. Tämä on luultavasti yhtä tärkeää kuin oikea ääntäminen, koska usein yleisö ei ymmärrä kieltä, ja siksi luottaa siihen, että taiteilija ilmaisee teoksen tunteita kasvojen ilmeiden ja ruumiillisten eleiden kautta.

nykyperinteessä laulut lauletaan tyypillisesti kansankielellä, ellei laulu ole tarkoitettu monikulttuuriselle yleisölle, jolloin jotkut laulajat esittävät osan konsertista, albumista jne. tietyssä kielessä, sitten siirtyä toiseen kieleen eri osa joukko. Kansankielellä laulaminen antaa esiintyjälle mahdollisuuden keskittyä enemmän taivutukseen ja vähemmän kieleen. Yhteistä molemmissa tyyleissä on se, että musiikki ja sanat pitää opetella ulkoa ennen julkista esiintymistä.

Vibrato

Vibrato on jatkuvalla sävelkorkeudella tapahtuva värähtely tai tärinä. Sitä kuvaillaan usein tietyn äänen kimmeltäväksi, väriseväksi tai lepattavaksi ominaisuudeksi, ja sitä esiintyy luontaisesti jossain määrin missä tahansa terveessä äänessä. Klassisessa laulussa vibrato puhkeaa heti konsonantin jälkeen ja pysyy yhtenäisenä kauttaaltaan. Poikkeuksena on, jos laulaja esittää renessanssi-tai Barokkikauden teosta, jolloin puhdas sävy voi olla tyylillisesti oikeampi. Vibrato on keskeinen osa intonaation ja yleistä suorituskykyä klassisen laulajan.

nykylaulaja käyttää myös vibratoa, joskin koska musiikki on keskustelevampaa, vibrato on tyypillisesti varattu jatkuvien nuottien lopun koristamiseen. On kuitenkin tilanteita, että nykyaikainen laulaja käyttää vibrato useammin, se on yleensä hyvin hienovarainen ja sitä voidaan käyttää dramaattisesti aikana pehmeämpi osia laulu varmistaa ydin ääni sijaan ilmava ääni säilyttäen haluttu dynaaminen.

tässä videossa ohjaaja Kerri Ho kuvailee tekniikoita, joita usein käytetään yhtenäisen vibraton kehittämiseen.

rekisterit

klassisessa laulussa äänen on kuuluttava yksiköllisenä kokonaisuutena, jossa rekisterien väliset siirtymät ovat saumattomia. Lukemattomia tunteja käytännön ja menetelmien yllyttää meitä, vetää meitä, työntää meitä, Julia lapsi-ing meille läpi passagio (siirtymäpiste rekisterien välillä) luoda saumaton siirtyminen, klassinen laulaja pyrkii singulariteetti ääni, joka tulee, kun kaikuva tilat ovat tasapainossa ja on pääsy sekä ylä-ja alarekisterit. Pohjimmiltaan tämä tarkoittaa sitä, että he pyrkivät pitämään äänen kuulostava kuin se kuuluisi samalle henkilölle missä tahansa rekisterissä, että he laulavat (ts.; ei kuulosta Idina Minzeliltä rintaäänellä, sitten Paris Hiltonilta päääänellä.)

aikalaisissa painotetaan paljon vähemmän saumatonta passagiota, usein rintaääni viedään äärimmilleen luoden äänen, johon viitataan nimellä “belting.”Ei ole harvinaista, että laulajalla on vahva rintaääni, mutta hän tekee sitten huomattavan loikan päääänen kevyeen, vähemmän keskittyneeseen ääneen. Kuitenkin, kun nykylaulaja menee puhtaasti läpi passagio, ihmiset huomaavat, kuinka lahjakkaita nämä yksilöt ovat niin “vahva ja laaja” valikoima. “Tauko” (vihaan tätä termiä, koska mikään äänessäsi ei ole oikeasti rikki, vaan viittaa tietyn rekisterin loppuun) rekistereissä on joskus käytetty nykytaiteilijoiden luoda dramaattinen vaikutus.

Resonanssitilat

ihmiskehossa on omat resonanssitilansa, joiden avulla laulupoimun värähtelyt ilmentävät ja vahvistavat tuotettua ääntä. Kehossa on neljä pääasiallista resonanssikammiota, joista jokaisen laulajan tulisi tietää: Pää, suu, nenä ja rinta. Näitä ei pidä sekoittaa rekistereihin. Nämä ovat tiloja, jotka auttavat luomaan tietty äänekkyys rasittamatta ääntä.

klassisessa musiikissa pyritään luomaan mahdollisimman paljon tilaa kaikkeen käytettävissä olevaan resonanssitilaan. Ainoa tila, jota ei käytetä klassisessa laulussa, on suun resonanssi, joka johtuu pääasiassa ääntä vaimentavana kokonaisuutena toimivasta pehmytkudoksesta (leuat ja kieli). Tilan luominen tapahtuu alentamalla kurkunpäätä ja nostamalla pehmeää suulakea, jotta kolme muuta resonaattoria olisivat täysin käytettävissä. Näiden kaikuvien tilojen oikea käyttö johtaa klassisen laulajan riippumattomuuteen vahvistinlaitteista.

aikalaisgenret käyttävät kukin resonanssitiloja eri tavalla. Populaarimusiikissa esittäjä laulaa usein suuresonanssilla eli puheresonanssilla, koska musiikki on yleensä keskustelevaa. Musiikkiteatterissa sijoittelu on yleensä nenän / naamion resonanssissa, ja siinä on hyvin eteenpäin menevä ääni. Rock, alternative, rhythm and blues ja jazz ovat kaikki vahvasti mikrofonin varassa, samoin populaarimusiikki ja vastaavasti resonointi ei ole yhtä korostunutta, vaikka hyvä tasapaino on toivottavaa.

Nuottilukemista

nuottien lukemista vaaditaan klassiselta laulajalta, ei ainoastaan nuottien lukemista (tietäen, että diskantin toinen tila eli G-sauva on A), vaan klassisen laulajan odotetaan kykenevän näkemään nuottien lukemista (laulavan mitä sivu ohjaa ilman pervoa kuuloa). Syy, miksi pidän musiikin lukemista niin tärkeänä osana muusikon koulutusta, on se, että sinä, artisti, luotat itse luoda ja tulkita musiikkia, eikä sinun tarvitse luottaa jonkun toisen tulkintaan.

jotkut nykylaulajat lukevat nuotteja, tämä on yleensä seurausta kansakoulun musiikkiohjelmasta tai musiikkistudiosta, joka työntää nuottien lukemista osaksi opetussuunnitelmaansa. Yleensä nykylaulajat ymmärtävät nuotinlukemisen peruselementit, mutta elleivät he sävellä omaa musiikkiaan, sitä ei stressata ja harvoin sitä arvostetaan. Vaikka nuottien lukeminen on välttämätöntä, myös audioinnin (tai sisäisen kuulemisen) kehittäminen ja harjoittelu on opittava tai nuottien lukeminen ei hyödytä laulajaa. Toisinaan nykylaulajat saattavat nuotinlukutaitojen puutteen korvaamiseksi turvautua voimakkaammin kuuloon oppiakseen musiikin, mutta yleensä he voivat usein improvisoida ja improvisoida helposti.

TEKNIIKKASIIRTO

voi tulla yllätyksenä, että joudun usein laulamaan nykymusiikkia. Täytyy myös myöntää, että ennen collegiate singingiä minulla ei ollut ollut mitään klassista koulutusta, mikä teki musiikkikoulusta sen verran haastavampaa. Ennen college kokemus, olin usein johtanut jumalanpalvelus minun kirkon ja tehnyt muutamia keikkoja joidenkin ystävien laulaa vaihtoehtoista / rock-musiikkia, ja kyllä, tein kaiken väärin: en edes tiennyt minulla oli ylärekisteri-se oli kaikki rinnassa ääni. On sanomattakin selvää, että ensimmäinen lukukausi yksityisäänenä oli melkoinen kamppailu. Mutta kun tekniikkani oli vakaa, pystyin siirtämään klassisen laululaulun käsitteet nykyaikaiseen musiikkityyliini, ja suureksi yllätyksekseni kuulostin paljon paremmalta. Minulle klassisen harjoittelun hyödyt näkyivät muissakin genreissä klassisen repertuaarin lisäksi. Nykylaulun etuihin kuului: laajempi valikoima, mikä tarkoitti sitä, että pystyin laulamaan laajempaa musiikkivalikoimaa, oikeanlaista laulamista eri rekistereissä pitkiä aikoja ilman, että väsyin tai niskani jännittyi viallisen tekniikan vuoksi.

ajattelin myös sisällyttää muutamia totuuksia, jotka jokaisen laulajan, klassisen tai aikalaisen, on hyväksyttävä, jos he aikovat tulla menestyväksi, itsenäiseksi muusikoksi.

• et tule (eikä pitäisikään) kuulostamaan artistilta, joka on tehnyt repertuaarisi kuuluisaksi. Sinun täytyy olla tarpeeksi mukava oma ainutlaatuinen ääni, ja sinun täytyy tehdä, että ääni tapahtuu parhaan kykysi joka kerta laulaa. On aina hyvä idea tallentaa oppitunnit ja verrata itseäsi aiemmin, ja arvioida suorituskykyä perustuu oman parantamisen.
• nuottien lukeminen on tärkeää. Tämä on korvaamaton taito, koska se tekee sinusta itsenäisen muusikon. Oletko koskaan nähnyt paperinpalaa, joka on kopioitu ja kopioitu uudelleen? Se muuttuu yhä sumeammaksi jokaisen kappaleen kohdalla-tavallaan näin tapahtuu musiikille, kun emme saa musiikillista tietoa itsellemme – kuuntelemme jonkun toisen tulkintaa-tai kopiota, joten voimme vain toivoa saavuttavamme tällä hieman vääristyneemmän kuvan käsitteestä, jota säveltäjä alun perin yritti välittää. Nykymusiikissa lib. on hyväksyttävää, mutta ennen askartelua muunnelma, sinun täytyy tietää teema, ja että tietoa saadaan sivulla.
• sinun täytyy tuntea laulamasi genren tyylilliset piirteet. Tiedän, että tämä voi tuntua ei-brainer, mutta kuuntele genren huippuesiintyjiä ja tarkkaile tyylipiirteitä, joita he näyttävät. Minä ajanjaksona tämä kirjoitettiin? Tekevätkö he usein “juoksuja” tai kirjoittamattomia koristeita? He valehtelevat., jos on, niin milloin se on tyylillisesti sopivaa tehdä? Muuttavatko he tyyliään? Käyttävätkö he muita kuin sanoja? Laulavatko he vai puhuvatko he rytmikkäästi kentällä? On tärkeää kuunnella musiikkia kriittisesti sen määrittämiseksi, mikä tekee genrestä erilaisen kuin toinen.

siirryttyäni ei-klassisesta taustasta klassiseen harjoitteluun olen huomannut, että on hyödyllisintä opetella klassinen menetelmä. Jos päätät, että musiikki on haluamasi ammatti, yleisin Musiikkiohjelma, jonka kohtaat kollegiaalisella tasolla, vaatii jonkinasteista klassista koulutusta, useimmat luokkatoverisi ovat saaneet tämän kokemuksen jossain määrin joko UIL: n, all-state solo-kilpailujen kautta, ja jotkut saattavat jopa kilpailla National Association of Teachers of Singers (NATS) – kilpailuissa. Suosittelen klassista koulutusta, koska se varustaa laulaja olennaiseen menestyä musiikillisen matkan tarjoamalla: musiikin lukutaito, korva koulutus, monipuolinen tekniikka, ja mikä tärkeintä, riippumattomuus laulaa mitä tehdä heidät onnelliseksi.