12 nagy Coming-of-Age film Final-Scene Songs

az egyik írás projektek már dolgozik ezen a télen az utolsó kilenc, egy coming-of-age forgatókönyv már forgácsolás el több mint egy évtizede. Egyetlen esemény köré épült, amire emlékszem a középiskolai spanyol osztályomból, Amikor voltam 17 éves, Az utolsó kilenc egy tinédzser történetét meséli el, akinek a világa akkor kezd megváltozni, amikor új baráti társaságot hoz létre a középiskolát közvetlenül megelőző hetekben.

bár tudom, hogy a forgatókönyvírók kevés ellenőrzést gyakorolnak a filmzene felett, miután elkészült a film, a Last Nine-et azzal az érzéssel írtam, hogy Woody Guthrie a Carter család “hiányozni fogsz, amikor elmegyek” című borítóját fogja játszani, amikor a karakterek utoljára összegyűlnek, az utolsó jelenetben. Ez a komor, szentimentális népdal csak a megfelelő hangot adja meg — vagy pontosabban az ironikus egymás mellé helyezés megfelelő érzését -, amikor a szereplők először távoznak otthonról (saját, alacsony tétű módon).

A zene fontos szerepet játszik minden filmben, de az egyes dalok mindig éles jelenlétet és pszichikai rezonanciát mutattak a nagykorú filmekben. Filmnézőként a legerősebb emlékeim azokban a kimondhatatlan pillanatokban merültek fel, amikor egy stratégiailag kiválasztott dal fokozza az egész film érzelmi hatását.

itt felsoroltam a 12 kedvenc filmvégi dalomat, valamint a gondolataimat arról, hogy miért voltak ilyen hatékonyak ezek a zenei döntések. A filmzenék helyett az önálló dalokra összpontosítottam, ami egy maroknyi rezonáns nagykorú filmet hagy ki, amelyek a történet témájának variációival zárulnak (például Maurice Jarre keverés témája a Holt Költők Társasága, és Nicholas Britell szívszorító vezérmotívuma a holdfényből). Már tételesen őket itt kevésbé “rang”, mint az, hogyan jöttem, hogy emlékszem rájuk.

Simple Minds “Don’ t You (Forget About Me)” című dala a The Breakfast Club-ból

ez egy filmzáró dal, egy filmzáró jelenetből, amelyet John Hughes írt és rendezett. Emlékszem, hogy 15 évesen, 1986-ban néztem a The Breakfast Club-ot VHS-en, és arra gondoltam, hogy Hughes valami egyedülálló és igaz a tizenéves élethez.

évekkel később úgy tűnik, hogy a reggeli klub különböző karakterei között a gyónási monológok (és a hirtelen romantikus párosítás) inkább idealizáltak, mint realisztikusak voltak. Ennek ellenére nem kérdés, hogy úttörő film volt annak szempontjából, hogy az amerikai tinédzserek — félelmeiket, reményeiket és aggodalmaikat — hogyan ábrázolták a képernyőn. A” Ne felejts el engem ” aláhúzza a tétet (kik ezek a gyerekek, és mit jelentenek majd egymásnak a mai nap után?) a film szimbolikus lázadásának klimatikus pillanatában: Brian felolvassa a” you see us as you want to see us ” esszéjét, miközben Bender ököllel a levegőbe pumpálja a stáblistát.

érdekes módon a skót Simple Minds rockegyüttes kezdetben ellenállt a dal felvételének, amelyet Keith Forsey producer és Steve Schiff gitáros komponált (Bryan Ferry és Billy Idol már elutasította a lehetőséget). Végül megenyhültek a lemezkiadó nyomására, és a zenekarra most emlékeznek erre a dalra — és arra, ahogyan a The Breakfast Club diadalmas végső képét idézi.

Ben E. King “Stand By Me” – je Stand By Me

míg a “Don’ t You (Forget About Me)” mind a The Breakfast Club elején, mind végén játszott, Ben E. King névadó soul tune játékának különböző variációi állj mellettem. 15 éves voltam, 16 éves, amikor először láttam ezt a filmet, és valahogy úgy találtam, hogy ez a négy karakter (akik 12-en voltak a 13-on) mélyen, megindítóan rokonszenves.

Louis Menand esszéíró (Salinger Zabhegyezőjének összefüggésében) azt írta, hogy a nosztalgia a legélesebb, amikor még fiatalok vagyunk, és a Stand By Me elhagyta a 15 éves me-t, aki vágyakozik arra a személyre, aki 12 éves voltam. Ez nem különösebben boldog film — ez, végül, egy fiúcsoportról, aki elindul egy holttest keresésére -, de valami arról, hogy a szereplők hogyan szembesülnek saját pubertás előtti fiatalságuk elmúlásával, hiányolta a sajátomat.

fogalmam sem volt, hogy a Stand By Me egy Stephen King novellán alapul, amikor először láttam, de visszatekintve a fő cselekmény — fiatal karakterek, akik egyedül, felnőttek nélkül indulnak kalandokba és harcolnak a démonokkal — nagyon hűnek érzi magát a nagyobb munkájához. Egyfajta nosztalgia tölti el a film narratíváját, nemcsak abban, hogy látnivalói és dalai az 1950-es évek végi kisvárosi Amerikát idézik, hanem abban is, hogy a történetet a felnőtt Gordie (Richard Dreyfuss) meséli el, aki fiatalkorára tekint vissza, miután gyermekkori barátja haláláról olvasott.

ahogy a” Don ‘t You (Forget About Me)” hangsúlyozza a barátság feszültségét a reggeliző klubban, a “Stand By Me” dal végső soron a film négy fiú közötti kötelék elenyészését szolgálja, segítve a veszteség érzésének megfogalmazását, amelyet King novellájának kezdő soraiban próbál leírni:

“a legfontosabb dolgokat a legnehezebb kimondani. Ezek azok a dolgok, amiket szégyellsz, mert a szavak csökkentik őket… a legfontosabb dolgok túl közel fekszenek ahhoz a helyhez, ahol titkos szíved van eltemetve, mint egy olyan kincs tereptárgyai, amelyet ellenségeid szívesen ellopnának. És lehet, hogy olyan kinyilatkoztatásokat teszel, amelyek drágán kerülnek neked, csak azért, hogy az emberek vicces módon nézzenek rád, egyáltalán nem értve azt, amit mondtál, vagy miért gondoltad annyira fontosnak, hogy majdnem sírtál, miközben mondtad. Ez a legrosszabb, azt hiszem. Amikor a titok bezárva marad, nem egy pénztáros, hanem egy megértő fül hiánya miatt.”

Foghat “Slow Ride”, a Dazed and Confused

az idő múlása mindig is tematikus megszállottság volt Richard Linklater rendező számára, a kitörő filmjétől lazább (lásd alább), a napkelte/napnyugta/éjfél előtt trilógiájáig, az innovatív többéves nagykorú Projektjéig Boyhood. A nagyrészt telekmentes Dazed and Confused egyetlen 24 órás időszak alatt zajlik, mivel az 1976-os tanév utolsó napján több összekapcsolt texasi tizenéves csoportot követ. A zene itt időszakspecifikus és hangmagasság-tökéletes, az Aerosmith “Sweet Emotion” – től a nyitó jelenetben, egészen a mámorító foghat himnuszon keresztül, amely Mitch fejhallgatójában robbant, amikor Wooderson, Pink, Slater és Simone cruise-t látjuk egy nyílt autópályán, mielőtt a kreditek gördülnek.

kábultan és zavartan láttam a héten, amikor megjelent, 1993 őszén, amikor Seattle — ben éltem-és ködben sétáltam ki a színházból, mintha öt évvel korábban visszaküldtek volna kansasi ifjúságomba. Valahogy Linklater kitalált 1976 tökéletesen felidézte azt, amit 1988 érzett nekem, amikor 1993-ban voltam. Most — 25 évvel később-a Dazed and Confused 1993-at idézi fel számomra, mint bármi mást, még akkor is, ha továbbra is felidézi az 1988-as (és 1976-os) emlékeket. Furcsa módon, 1993 hihetetlenül megkülönböztető év volt számomra — 22 éves voltam, éppen főiskolát végeztem, és tereprendezőként dolgoztam Seattle — ben a grunge csúcsán-mégis az a tapasztalatom, hogy egy másik, provinciálisabb (és sok szempontból kevésbé érdekes) időre vágytam.saját életem.

a Dazed and Confused legikonikusabb sora a régóta végzett Fogas-on Woodersontól származik (egy akkor még ismeretlen Matthew McConaughey alakítja), aki azt mondja: “ezt szeretem ezekben a középiskolás lányokban, ember. Ha megöregszem, ugyanolyan korúak maradnak.”Negyed évszázaddal később ugyanez mondható el a film szereplőiről, beleértve Woodersont is: a gyerekek, akiket a képernyőn látok, nem öregszenek, ami csak azt hangsúlyozza, ahogyan a Dazed továbbra is többször emlékeztet a saját életemre — az élet többszörös, távoli pillanataira -, ahogy öregszem.

lábjegyzetként itt Foghat “Slow Ride” – ját nem a Dazed and Confused zárószámának szánták, de Linklater nem tudta megszerezni a Led Zeppelin “Rock and Roll” – jának jogait (a történet szerint Jimmy Page gitáros rendben volt vele, de Robert Plant énekes nem írta alá). Meg lehet érteni, hogy Linklater miért akarja ezt a dalt a filmhez (amelyet maga a Led Zeppelin dal), bár visszatekintve a “Slow Ride” elég tökéletes módja a film befejezésének.

Eddie Vedder “Hard Sun” című filmje Az Into The Wild — ból

későn érkeztem Sean Penn Into The Wild című filmjének adaptációjához-nagyrészt azért, mert nem gondoltam, hogy sok újdonságot kínálna, mivel már olvastam és élveztem Jon Krakauer könyvét. Amikor végül megnéztem, a film Alexander Supertramp halálra ítélt amerikai zarándoklatának ábrázolása sokkal intuitívabb és személyesebb volt, mint a könyv. Azt hiszem, ez a filmek ereje, legalábbis akkor, ha jól működnek: olyan módon rögzítik az érzéseket, amely túlmutat a ténybeli vagy szellemi tartalmon.

ami azt jelenti, hogy míg Krakauer könyve magával ragadó volt, az Into The Wild filmváltozata olyan módon viszonyítható volt, amire nem számítottam. Az írott oldalon láthattam, hogy Christopher MacCandless élete hasonló lehet az enyémhez (21 éves voltam a halála hónapjában, és ugyanazon a nyáron egyéni túrákon vettem részt a washingtoni Olimpiai félszigeten), de a képernyőn úgy éreztem, hogy életútja elválaszthatatlan ugyanazoktól a mámorító eszméktől, amelyek az élet körülbelül ugyanabban az időben küldtek el a saját csavargó ösvényemre. Chris-hez hasonlóan én is vonatokra ugrottam, és a húszas éveim elején vándoroltam az amerikai Nyugaton, inspirációmat Thoreau, Whitman és Edward Abbey kutyafülű köteteiből merítettem. Chrishez hasonlóan én is az újdonság és a lehetőség rabja voltam; számtalan apró önkezdeményezésnek tettem ki magam a pusztában, és találtam valami szentet a kalandok fokozatos felhalmozásában.

gyakran mondtam, hogy a Vagabonding, a könyv, amely fiatalos vándorlásaim eredményeként jött létre, egyfajta levél volt a 17 éves önmagamhoz-és miután megnéztem a vadonban, eszembe jutott, hogy amikor fiatal vagy, két eredendő veszély rejlik a szabadság és tisztaság fiatalos vágyában. Az egyik az, hogy túl félénk leszel ahhoz, hogy valóban kiszabadulj és vándorolj — de a másik az, hogy túlságosan romantizálod az utazást, ha már folyamatban van, ami kevésbé lehet ideális mind magának, mind a mögött hagyott embereknek. Az Into The Wild, mind a könyv, mind a film egyfajta figyelmeztető meseként szolgál e lendületes, magabiztos, önmítologizáló romantika ellen-még akkor is, ha Chris története továbbra is zarándokok és utánzók sokaságát inspirálja.

figyelembe véve, mi történt MacCandless/Supertramp, az Into The Wild egy határozottan sötét coming-of-age mese, de valahogy Eddie Vedder népies pontszám — és különösen az ő lelkes borítóján Gordon Peterson “Hard Sun” az utolsó jelenet — alátámasztja a történet reményteljes értelemben egzisztenciális vágy.

Freedy Johnston “rossz hírneve”, a Kicking and Screaming-től

az 1990-es évek elején — közepén számos öntudatos hip-film készült az “X generáció” ifjúsági piac szem előtt tartásával-gondolj a valóság harapásokra, kislemezekre, Empire Records-ra stb. – de kevesen voltak olyan viccesek és megrendítőek, mint Noah Baumbach indie-író 1995-ös debütálása. A cselekmény szempontjából a film nem sokat jelent — egy négy barátból álló csoportról szól, akik nem tudják elhagyni az egyetemet a diploma megszerzése után -, de a loquaciously depressziós (és barátságosan tanácstalan) karakterei megtestesítik az egzisztenciális stagnálást, amely megragadhatja a fiatal férfiakat abban a pillanatban, amikor állítólag valamit csinálnak magukból az életben.

egy szentimentális részem meg van győződve arról, hogy ezt a nagyon rokonszenves filmet pontosan ugyanabban az életszakaszban néztem, mint Grover, Max, Otis és Skippy, a nemrég végzett karakterek kvartettje. Valójában majdnem három évvel a főiskolai diploma megszerzése után láttam, miközben személyes/szakmai holtpontban ragadtam az első csavargó utazásom sikeres befejezése és az esetleges Koreába költözésem között, hogy angolt tanítsak (és meghosszabbítsam a csavargó kalandjaimat).

a rúgás és sikoltozás részben a társadalmi státusz hirtelen elvesztéséről szól, amely az érettségit kíséri, amikor az embert kidobják a Főiskola Kis tavából az élet kavargó óceánjába — és valahogy a karakterek saját maguk által elkövetett bénulása és szenvedése az életük hátralévő részében egy kicsit elviselhetőbbé tette a saját helyzetemet. A négy főszereplő mind sportdzsekit visel — mintha, Baumbach megjegyezte, gyerekek játszanának felnőttként—, és engem annyira megragadott ez az affektáció, hogy vettem egy sportdzsekit, amelyet a munkahelyemen viseltem, amikor 1996 végén elindultam Koreába.

a Kicking and Screaming messze legérettebb karakterei a főszereplők régóta szenvedő barátnői, és a film csúcspontja akkor jön el, amikor Grover (akit Josh Hamilton alakít) végül úgy dönt, hogy csatlakozik egykori szeretőjéhez, Jane-hez (Olivia D’ Abo) Prágában. “Ez egy jó történet lesz a fiatal felnőtt életemről” – mondja Grover, miközben a légitársaság pultjánál áll. “Tudod, amikor úgy döntöttem, hogy Prágába megyek.”

ezt az utolsó előtti (és végül Grover számára nem egészen aktualizált) repülőtéri indulási jelenetet minden idők egyik kedvenc filmvégződése követi-egy visszafogott visszaemlékezés, amely részletezi Grover és Jane első csókja előtti pillanatokat sok hónappal korábban. Úgy hangzik, elcsépelt még csak gépelés itt, de valahogy — abban a pillanatban, mielőtt Johnston “rossz hírnevét” rúg — Grover monológ Jane arról, hogy bárcsak egy idős pár (majd Jane öntudat-e vagy sem, hogy vegye ki a rögzítője) üt az ideális hang romantikus ügyetlenség.

Led Zeppelin “Tangerine”, a szinte híres

Cameron Crowe nagyrészt autográfiai mese utazás Amerikában keresztül rock-N-roll tour-bus, mint egy 15 éves Rolling Stone újságíró nem olyan közvetlenül relatable, mint a többi coming-of-age filmek már említettem, de ez minden kicsit annyira szórakoztató. A film legjobb pillanatai közül sok a zenén múlik — talán egyik sem annyira eksztatikusan, mint amikor az egész stáb Elton John “Tiny Dancer” – jéhez sikítozik egy zenekar fallout (és újraegyesítés) után Topekában — és a Led Zeppelin “Tangerine” — je egy szép kódát ad arra a pillanatra, amikor will Miller (Patrick Fugit) és Russell Hammond (Billy Crudup) végül — oly sok mérföld után az úton együtt-leülnek Will otthonába, hogy nyitott szívvel megvitassák a zenét.

az arcok “Ooh La La” a Rushmore — ból

sokat mondtak Wes Anderson rendező vizuális stílusáról, de zenei választásai ugyanolyan jellegzetesek-és Rushmore-ban, Anderson ikonikus 1998-as másodéves erőfeszítésében a film filmzenéje ugyanolyan karakteres, mint Jason Schwartzman túlteljesítő Tini Max Fischer, vagy Bill Murray középkorú mogulja, Herman Blume. Bevezetésünk Max túlfújt tanórán kívüli ambícióihoz nem lenne ugyanaz az évkönyv Montázs nélkül, amely a teremtés “időt készít”, és a Max-versus-Herman bosszúsorozat keserű csúcspontját éri el a Who “gyors, amíg távol van.”Rushmore utolsó jelenete az arcok keserédes 1973-as dallamának köszönhetően megtalálja tökéletes hangját” Ooh La La.

The Magnetic Fields’ “Sadest Story Ever Telled,” from the Myth of the American Sleepover

David Robert Mitchell kitörő filmje egy hátborzongató 2014-es tini — szex horrorfilm volt, az it Follows címmel-de mozifilmes debütálása három évvel korábban történt, a The Myth of the American Sleepover kiadásával, amelyet Michiganben forgattak egy cipős költségvetésből, és soha nem került széles színházi kiadásba. Véletlenül láttam a dumb chance-ben az Angelika Film Centerben, amikor 2011 nyarán New Yorkba látogattam, és beleszerettem, ahogy ez az alulértékelt film (tele ismeretlen színészekkel) valami kézzelfoghatót és rezonanciát rögzített a tizenéves életről.

az irónia itt az, hogy van egy szándékos homályosság, hogy a mítosz Az Amerikai Sleepover, mivel úgy tűnik, hogy nem kerül sor egy adott időszakban. Úgy érzi, kissé kortárs, például, de egyik karakter sem használja a mobiltelefonokat vagy az internetet — és a késő nyári “sleepovers”, amelyet a cím tartalmaz, furcsa és anakronisztikus, még akkor is, ha a karakterek tapasztalatai érzelmileg specifikusak és relevánsak. A Sleepover-nek nincs olyan epifánikus vége, mint a The Breakfast Club (vagy egy olyan lelkes, mint a Dazed and Confused), de a mágneses mezők “legszomorúbb története”, balthrop, Alabama “Love to Love You” – jával párosulva, a megfelelő érzelmi megjegyzést ehhez a meglepően befolyásoló filmhez, amint a kreditek gördülnek. (Mindkét dal szerepel a film előzetesében is.)

Horst Wende és zenekara “Skokiaan” című filmje, a Slacker

Richard Linklater második játékfilmje alig minősül nagykorú filmnek, mivel a Slacker kamerája ritkán marad sokáig egy karakteren, és úgy tűnik, hogy egyik sem változik meg észrevehető módon. Mégis, van valami örömteli és energikus a film utolsó sorozatában, amikor egy csapat fiatal karakter filmezi magát, hogy az Austin melletti Mount Bonnell tetejére vezet (majd felmászik). A” Skokiaan ” egy zimbabwei zenész, August Musarurwa 1947-es pop dallama, leghíresebb kiadása valószínűleg Louis Armstrong 1954-es verziója — de a német zenekarvezető, Horst Wende pörgős 1958-as borítója szép retro hangot ad a Slacker utolsó képkockáinak.

a film DVD — kommentárjában Linklater azt mondja, hogy ezt az utolsó sorozatot-amely úgy tűnik, hogy előrevetíti azt, ahogyan az okostelefon — korú fiatalok hiperdokumentálják saját életüket-egy Bill Daniel rövidfilm ihlette. Linklater azt remélte, hogy Peggy Lee 1969-es Leiber és Stoller ” is that All There Is?”de meg kellett elégednie a “Skokiaan” – val és a Segglyuk szörfös “Strangers Die Everyday” – jével, amikor nem tudta megszerezni a Lee dal jogait. Fülemhez, az “idegenek mindennap meghalnak” hátborzongató törzsei jobb érzelmi textúrát nyújtanak,amikor a lazább kreditek gördülnek, mivel ” ennyi van?”kicsit orron érzi magát egy ilyen furcsa film miatt.

Third Eye Blind ‘ s “Semi-Charmed Life”, Az American Pie-től

bár Paul és Chris Weitz tini — szex vígjátéka, Az American Pie 1999-ben jelent meg, nagyon hasonlít egy 1980-as évekbeli filmre-és valószínűleg ez volt az utolsó alkalom, hogy egy tini filmet néztem halványan tinédzser érzékenységgel. Az amerikai tizenéves élet legigazabb tisztelgése, amely 1999 — ben jelent meg, nem film volt, hanem a Freaks and Geeks tévéműsor (amely véleményem szerint a közép-amerikai serdülőkor valaha készült legigazabb képernyőn történő felidézése volt). Mégis, míg az American Pie komikus hiperbolái nem csengenek annyira igazak, mint a Freaks and Geeks, ez egy elragadóan szórakoztató, nagykorúvá váló film volt, amely megpróbálta elveszíteni a szüzességét.

1999 nagy részében Ázsiában és Kelet — Európában hátizsákkal utaztam, és bár valószínűleg egy kicsit túl öreg voltam, a filmzenét megfelelően értékeltem, a dalok, amelyek a film utolsó jelenetében szerepelnek-harmadik szem vak “félig elbűvölt Élet” és csupasz meztelen hölgyek “egy hét” — Vigyél vissza abba az évbe, amelyet Keleten vándoroltam (akárcsak más egy slágeres csodák, mint például Fatboy Slim “The Rockafeller Skank”, Blink-182 “All the Small Things,” Chumbawamba’ s tubthumping, “Smash Mouth ‘s” Walkin’ on the sun”, és a Verve” Bitter Sweet Symphony.”

Yello “Oh Yeah” című filmje Ferris Bueller Szabadnapjáról

pozitívan szerettem Ferris Bueller szabadnapját, amikor 1986-ban megjelent, és továbbra is az egyik kedvenc Tini filmem. Az emberek utólag becsmérelték a Ferris Bueller karaktert, mint egy kicsit kiváltságos taknyot-de még tinédzserként is egyértelmű volt számomra, hogy Ferris Bueller szabadnapja kevésbé volt reális kommentár a tizenéves életről, mint egy szeszélyes fantasy film, amely a lehető legszórakoztatóbbnak tűnt a feltevésével.

ráadásul utólag könnyű elfelejteni, hogy Ferris milyen egyedi karakter volt: abban az időben, amikor a tini filmek generációkon át jellemezték a főszereplőket a Klikk által vezérelt sztereotípiák szempontjából, Ferris egyedülálló volt-okos, mókás, hiper — artikulált (és nem feltétlenül sportos vagy hiper-férfias) Barát-mindenkinek, aki saját karizmájának helyrehozhatatlan erejével járta be a világot. “Oh Yeah”, Yello egyedülállóan furcsa instrumentális dala tökéletes filmvégi textúrát hozott létre, ahogy a kreditek gördültek, és Rooney igazgató megkapta a comeuppance-t (és Ferris maga lőtt ki minket a színházból).

David Bowie “Hősök” című könyvéből, a The Perks of Being a Wallflower-ből

olyan okok miatt, amelyeket nem tudok teljesen megmagyarázni, felfedeztem és olvastam (és szerettem) Stephen Chbosky 1999 YA-market regényét, a The Perks of Being a Wallflower-t, amikor harmincas éveim végén voltam. Logikai szinten maga a történet nem egészen értelme — a főszereplő egy gólya misfit, aki zökkenőmentesen beleesik egy csomó csípő idősek (és valahogy emberfeletti fizikai erő). Még, furcsán, érzelmi szinten a történet helyszínen van a serdülőkori vágyakozások felidézésében, különösen olyan dalokon keresztül kifejezve, mint a The Smiths “alszik.”

a Wallflower filmváltozata, amelyet maga Chbosky rendezett, nem igazán működött számomra — bár az utolsó jelenet (amikor Charlie a Pittsburgh-i Fort Pitt alagúton keresztül versenyez egy pickup hátulján, hangosan kijelentve, hogy “végtelenek vagyunk”) nagyszerű befejezést eredményez. A könyvben ez a jelenet Fleetwood Mac “földcsuszamlás” című filmjére játszódik; a filmben a dalt David Bowie “Heroes” — jével cserélik ki-és ez egy olyan választás, amely tökéletes hangot ad, amikor a film kreditekre vág.