a klasszikus képzés fontossága a kortárs világban

írta: Kristen Stevens

amikor az emberek egy klasszikusan képzett énekesre gondolnak, néhány sztereó típus juthat eszembe: talán egy squawky, szögletes, zenész, akinek Texas méretű egója van? Mint zenei pedagógus, aki klasszikus képzésen ment keresztül a főiskolai programon keresztül, különböző stílusokat és műfajokat tanult, valamint a legtöbbet elvégezte; Meg vagyok győződve arról, hogy a klasszikus technika minden műfaj sikerének módja. Ugyanúgy, mint a klasszikusan képzett táncos átadhatja a test irányítását, hogy a modern táncban megkövetelt módon mozogjon, azt találjuk, hogy a modern táncos az, aki nem tudja felkötni egy pár pointe cipőt, és végrehajtani a balerinától megkövetelt mozdulatokat. A klasszikus táncoshoz hasonlóan a klasszikus énekes is képes átvinni vokális technikáját bármilyen műfajra vagy stílusra. Klasszikus Énekes Kathleen Battle énekli a jazz darabot, nyár, által Gershwin.

tapasztalataim mind a kortárs, mind a klasszikus hagyományokban gyökereznek. Amikor felkérik, hogy különböző rendezvényekre lépjek fel, a hangomnak elég alakíthatónak kell lennie ahhoz, hogy megfelelő stilisztikai inflexióval és valódi hangzással énekeljen, az összes zenét, amit tőlem kérnek; ezt a klasszikus képzésemnek köszönhetően könnyedén meg tudom csinálni. Sajnos ritka, hogy a kortárs énekes átadja technikáját a klasszikus stílusnak, és néha technikájuk annyira korlátozott, hogy akár egy egyedi zenei stílusra is korlátozhatja őket. Még a legtehetségesebb kortárs előadók is küzdenek a stilisztikai helyesség fenntartásáért, amikor klasszikus stílusban próbálnak énekelni.

a fül könnyen meg tudja különböztetni, hogy a műfajok között jelentős különbségek vannak, azonban a legtöbb ember, aki hivatalosan nem tanult a zenében, nehezen tudja szavakba önteni azokat a különbségeket, amelyeket a fül azonosít. Az alábbiakban bemutatjuk a különböző különbségeket, és egy kicsit megvizsgáljuk, hogy miért történik a dolgok úgy, ahogy vannak.

elektronikus erősítés és javítás

az egyik legszembetűnőbb különbség a klasszikus énekes és a kortárs énekes között az elektronikus berendezések használata a hang hangjának erősítésére és fokozására. A klasszikus énekes ritkán használ mikrofont vagy más elektronikus erősítőt az edzés, az elhelyezés és a technika miatt, amelyhez társulnak. Legtöbbször, ha egy előadáson mikrofont/ mikrofont látnak, az általában rögzítési célokra szolgál, nem pedig erősítésre. Az előadóhelyek növekvő mérete miatt azonban lassan elfogadhatóbbá válik a mikrofon használata nagyon nagy arénákban és szabadtéri rendezvényeken. Az audiomérnökök/ hangstábok számára is nagy kihívást jelent, hogy jó hangot kapjanak az énekes számára, mert a zene, az opera vagy a művészeti dal gyakran extrém és néha teraszos dinamikát igényel (gyors váltás a rendkívül lágy és a rendkívül hangos hang között). Ez a fajta hang általában legjobban értékelik, miközben legalább 20 méterre az énekes.

a kortárs énekesek gyakran erősen támaszkodnak az elektronikus erősítésre. Ez elsősorban a hang elhelyezésének és intonációjának köszönhető, az erősített hangszerek használata is hozzájárul az énekesek és a hangszeresek közötti egyensúly szükségességéhez. (Mielőtt a következő kijelentést tenném, kérem, értse meg, hogy rájöttem, hogy nagyon tehetséges kortárs énekesek vannak a világon, sajnos ritkán hallják őket a rádióban.) A kortárs művészek gyakran használják a vokális javítást és az automatikus hangolókat a vokális hibák kijavítására, így létrehozva a stúdiófelvételt, amelyet ezután megtisztítanak és feldolgoznak, hogy létrehozzák a rádióban vagy más hordozható zenei eszközön hallott terméket. Ez az, amiért az emberek néha csalódott, amikor meghallják a kedvenc zenekar / művész előadóművész élő show vagy akusztikus készletek.

dikció

a klasszikus és a kortárs közötti hatalmas különbség az, hogy minden entitás használja a dikciót. Ban ben kortárs zene, a nyelv gyakrabban beszélgető, ellentétben a klasszikussal, amely gyakran hosszú, legato szavak szakaszai futnak egy másikba, néha kemény mássalhangzók választják el egymástól. A kortárs énekes magánhangzóit néha úgy is módosítják, hogy valami furcsa hatást vagy idiómát hozzanak létre, amelyet valamilyen érzelem ábrázolására használnak( azaz a “haj” szót “hayyyer” – nek ejtik), valamint a dipthong második hangjára való áttérést is (két magánhangzó hang, amely egyetlen szótagban fordul elő, mássalhangzóval elválasztva) hamarabb, mint azt a normál beszélgetésben használnák (azaz.; az” élet “szó ejtik”lieeef”.)

a klasszikus éneklésben, mint fentebb említettük, jellemzően éles hangú mássalhangzók vannak, ennek oka az elektronikus erősítés hiánya. Az énekes a mássalhangzókat használja a zenekar vagy a kísérő hangszerek hangjának átvágására annak érdekében, hogy a nyelv azonosítható és érthető legyen. A klasszikus énekes arra törekszik, hogy énekeljen a magánhangzó helyett a mássalhangzó, és gyakran halogatja a fonáció a második hang a dipthong; ez a szabvány, hacsak másként nem utasítják a kotta. A klasszikus énekes mind a zenét, mind a nemzetközi Fönetikus ábécét (IPA) olvassa annak érdekében, hogy biztosítsa a különböző nyelvek helyes kiejtését, amelyeken énekelniük kell.

Nyelvek

szükséges, hogy a klasszikus énekes végre több nyelven annak érdekében, hogy hiteles, időszak replikációja a zeneszerző eredeti design. Az énekes gyakran olyan tanfolyamokon vesz részt, amelyek elmagyarázzák azokat a különféle szimbólumokat, amelyeket a fonémák (a beszédhang legkisebb egységei) kifejezésére használnak, amelyekhez kapcsolódnak (azaz.; egy klasszikus énekes olvasni fog az IPA átírásban, és számukra ez azt jelenti, hogy az “e” magánhangzót kiejtik, mint az “én” – ben, vagy talán elolvassák a szimbólumot, és “uh” – nak ejtik, mint a “karamell” – ben.”) A helyes kiejtés mellett az énekesnek meg kell vizsgálnia a szóról szóra történő fordítást, valamint a költői fordítást is, hogy lehetővé tegye a szöveg megfelelő inflexióját. Ez valószínűleg ugyanolyan fontos, mint a helyes kiejtés, mert a közönség gyakran nem érti a nyelvet, ezért a művészre támaszkodik, hogy kifejezze a darab érzelmeit arckifejezéssel és testi gesztusokkal.

a kortárs hagyományban a dalokat általában népnyelven éneklik, kivéve, ha a dalt multikulturális közönségnek szánják, ebben az esetben néhány énekes előadja a koncert, album stb. egy adott nyelven, majd váltson egy másik nyelv felé a készlet másik részéhez. A népi éneklés lehetővé teszi, hogy az előadó jobban összpontosítson az inflexióra, kevésbé a nyelvre. Mindkét stílusban az a közös, hogy a zenét és a szavakat meg kell jegyezni, mielőtt a nyilvános előadást folytatják.

Vibrato

a Vibrato az a rezgés vagy rezgés, amely egy tartós hangmagasságon helyezkedik el. Gyakran úgy írják le, mint egy adott hang csillogó, remegő vagy csapkodó minőségét, és természetesen bizonyos mértékig bármely egészséges hangban előfordul. A klasszikus éneklésben a vibrato közvetlenül a mássalhangzó után kezdődik, és végig konzisztens marad. Kivételt képez, ha az énekes reneszánsz vagy barokk korabeli művet ad elő, ebben az esetben a tiszta hang stilisztikailag helyesebb lehet. A Vibrato az intonáció és a klasszikus énekes általános teljesítményének kulcsfontosságú eleme.

a kortárs énekes a vibrato használatát is alkalmazza, bár mivel a zene beszélgetőbb, a vibrato általában a tartós hangok végének díszítésére van fenntartva. Vannak azonban olyan esetek, amikor a kortárs énekes gyakrabban használja a vibrato-t, ez általában nagyon finom, és drámai módon használható a dal lágyabb részei alatt, hogy biztosítsa a maghangot, nem pedig a levegős hangot, miközben fenntartja a kívánt dinamikát.

ebben a videóban Kerri Ho oktató leírja a következetes vibrato kifejlesztéséhez gyakran használt technikákat.

regiszterek

a klasszikus éneklésben a hangnak egyedülálló entitásként kell szólnia, zökkenőmentes átmenetekkel a regiszterek között. Számtalan órányi gyakorlattal és módszertannal ösztönöz minket, húz, tol minket, Julia Child átvezet minket a passagio-n (a regiszterek közötti átmeneti pont), hogy zökkenőmentes átmenetet hozzon létre, a klasszikus énekes a hang szingularitására törekszik, amely akkor jön létre, amikor a rezonáns terek kiegyensúlyozottak, és hozzáférés van mind a felső, mind az alsó regiszterekhez. Lényegében ez azt jelenti, hogy arra törekszenek, hogy a hang úgy szóljon, mintha ugyanahhoz a személyhez tartozna bármely nyilvántartásban, amelyet énekelnek (pl.; nem úgy hangzik, mint Idina Minzel, miközben a mellkas hangjában, majd úgy hangzik, mint Paris Hilton a fejhangban.)

a kortárs, sokkal kevesebb hangsúlyt a zökkenőmentes passagio, gyakran a mellkas hangja kerül sor, hogy a szélsőséges létre a hang a továbbiakban: “belting.”Nem ritka, hogy az énekesnek erős mellkasi hangja van, de aztán észrevehető ugrást tesz a fej hangjának könnyű, kevésbé fókuszált hangjához. Azonban, amikor egy kortárs énekes tisztán megy át a passagio-n, az emberek észreveszik, milyen tehetségesek ezek az egyének, hogy ilyen “erős és széles” tartományban vannak. A regiszterek” törését ” (utálom ezt a kifejezést, mert a hangodban valójában semmi sem törött, inkább egy bizonyos regiszter végére utal) a kortárs művészek néha drámai hatás létrehozására használják.

rezonáns terek

az emberi test saját rezonáns tereket tartalmaz, amelyek lehetővé teszik a hangráncból származó rezgések megnyilvánulását és felerősítését. A test négy fő rezonáns kamrát tartalmaz, amelyekről minden énekesnek tudnia kell: fej, száj, orr és mellkas. Ezeket nem szabad összekeverni a nyilvántartásokkal. Ezek azok a terek, amelyek segítenek egy bizonyos hangerő megteremtésében anélkül, hogy megfeszítenék a hangot.

a klasszikus zenében a cél a lehető legtöbb hely létrehozása az összes rendelkezésre álló rezonáns térben. Az egyetlen hely, amelyet nem használnak a klasszikus éneklésben, a szájrezonancia, elsősorban a lágy szövetek (állkapocs és nyelv) miatt, amelyek hangelnyelő entitásként működnek. A tér megteremtését a gége leengedésével és a lágy szájpad felemelésével érik el annak érdekében, hogy teljes hozzáférést biztosítsanak a másik három rezonátorhoz. Ezeknek a rezonáns tereknek a megfelelő használata a klasszikus énekes függetlenségét eredményezi az erősítő eszközöktől.

a kortárs műfajok eltérő módon használják a rezonáns tereket. A népszerű zenében az előadó gyakran a szájrezonanciával vagy a beszélő rezonanciával énekel, mert a zene általában beszélgető. A zenés Színházban az elhelyezés általában az orr/maszk rezonanciájában rejlik,és nagyon előre szól. A Rock, az alternatív, a rhythm and blues és a jazz mind nagymértékben támaszkodik a mikrofonra, csakúgy, mint a populáris zene, és hasonlóképpen, a rezonancia nem olyan hangsúlyos, bár a jó egyensúly kívánatos.

Zeneolvasás

Zeneolvasás szükséges a klasszikus énekes, nem csak a zeneolvasás (tudva, hogy a második tér a magashang, vagy G személyzet egy A), de várható, hogy a klasszikus énekes képes legyen látni olvasni a zenét (énekelni, amit az oldal irányít, anélkül, hogy átható hallás). Azért tartom a zeneolvasást olyan fontos részének minden zenész képzésében, mert te, a művész, önmagadra támaszkodsz a zene megalkotásában és értelmezésében, és nem kell más értelmezésére támaszkodnod.

néhány kortárs énekes zenét olvas, ez általában az állami iskolai zenei program vagy zenei stúdió eredménye, amely a zenei olvasást tantervének részeként tolja. A kortárs énekesek általában megértik a kottaolvasás alapvető elemeit, de ha nem saját zenét komponálnak,akkor ezt nem hangsúlyozzák, és ritkán értékelik. Bár a kottaolvasás elengedhetetlen, az audió (vagy belső hallás) fejlesztését és gyakorlását is meg kell tanulni, különben a kottaolvasás nem lesz előnyös az énekes számára. Néha, annak érdekében, hogy kompenzálja a hiányzó készség a zene olvasás, kortárs énekesek támaszkodhat nagyobb mértékben a tárgyaláson, hogy megtanulják a zenét, de általában gyakran tud improvizálni, és ad lib könnyedén.

TECHNIQUE TRANSFER

meglepő lehet, hogy gyakran kortárs zenét kell énekelnem. Azt is be kell vallanom, hogy a kollégiumi éneklés előtt, nem volt klasszikus képzésem, így a zeneiskola sokkal nagyobb kihívást jelentett. A főiskolai tapasztalataim előtt gyakran vezettem istentiszteletet a templomomban, és néhány koncertet csináltam néhány barátommal, akik alternatív/rock zenét énekeltek, és igen, mindent rosszul csináltam: nem is tudtam, hogy van egy felső regiszterem – ez mind mellkasi hang volt. Mondanom sem kell, az első félévem a privát hang volt elég a harc. Miután azonban a technikám szilárd volt, át tudtam helyezni a klasszikus éneklés fogalmát a kortárs zenei stílusomba, és nagy meglepetésemre sokkal jobban hangzottam. Számomra a klasszikus képzés előnyei a klasszikus repertoár mellett más műfajokban is megnyilvánultak. A kortárs éneklés előnyei között szerepelt: kiszélesített tartomány, ami azt jelentette, hogy szélesebb zenei választékot énekelhetek, a helyes éneklés a különböző regiszterekben hosszabb ideig, fáradtság vagy feszültség nélkül a nyakamban a hibás technika eredményeként.

arra is gondoltam, hogy belefoglalok néhány igazságot, amelyekkel minden énekesnek, legyen az Klasszikus vagy kortárs, meg kell birkóznia, ha sikeres, független zenésszé akar válni.

• nem fogsz (és nem is kellene) úgy hangzani, mint az a művész, aki híressé tette repertoárodat. Elég kényelmesnek kell lenned a saját egyedi hangoddal, és ezt a hangot minden alkalommal, amikor énekelsz, a legjobb képességeid szerint kell megvalósítanod. Mindig jó ötlet, hogy rögzítse a leckéket, és hasonlítsa össze magát önmagával egy korábbi szakaszban, és értékelje teljesítményét a saját fejlesztése alapján.
• fontos a kották olvasása. Ez felbecsülhetetlen képesség, mert független zenészré tesz. Láttál már olyan papírt, amit lemásoltak és újra lemásoltak? Minden másolattal egyre homályosabbá válik – bizonyos értelemben ez történik a zenével, ha nem magunknak kapjuk meg a zenei adatokat – valaki más interpretációját hallgatjuk -, vagy egy példányt, ezért csak egy kissé torzabb képet remélhetünk arról a koncepcióról, amelyet a zeneszerző eredetileg közvetíteni próbált. A kortárs zene lib. elfogadható, de mielőtt ravaszkodó egy variáció, meg kell tudni, hogy a téma, és hogy a tudás nyert az oldalon.
• ismernie kell az énekelt műfaj stílusjegyeit. Tudom, hogy ez úgy tűnik, mint egy nem-agy, de hallgatni a top előadók a műfaj, és figyelje meg a stílus vonások, hogy megjelenjen. Melyik időszakban írták ezt? Gyakran “futnak” vagy íratlan díszítést végeznek? Ők lib., ha igen, mikor stílusosan helyénvaló ezt megtenni? Megváltoztatják a dikciójukat? Nem szótagokat használnak? Énekelnek, vagy ritmikusan beszélnek a pályán? Fontos kritikusan hallgatni a zenét, hogy meghatározzuk, mi különbözteti meg a műfajt a másiktól.

áttérve a nem klasszikus háttérről a klasszikus képzésre, úgy találtam, hogy a legelőnyösebb a klasszikus módszer elsajátítása. Ha úgy dönt, hogy a zene a kívánt foglalkozás, akkor a leggyakoribb zenei program, amellyel kollégiumi szinten találkozhat, bizonyos fokú klasszikus képzést igényel, osztálytársainak többsége bizonyos mértékig megtapasztalta ezt a tapasztalatot akár UIL, all-state solo versenyek révén, és egyesek akár az Országos Énekesek tanárainak Szövetségén (NATS) is versenyezhetnek.versenyek. Ajánlom a klasszikus képzést, mert ez biztosítja az énekes számára a zenei utazás sikerének alapvető elemeit: zenei olvasási készség, fülképzés, sokoldalú technika, és ami a legfontosabb, az éneklés függetlensége, ami boldoggá teszi őket.