12 Great Coming-Of-Age Movie Final-Scene Songs

Uno dei progetti di scrittura su cui ho lavorato questo inverno è Last Nine, una sceneggiatura di coming-of-age che ho scheggiato per più di un decennio. Costruito attorno a un singolo incidente che ricordo dalla mia classe di spagnolo del liceo quando avevo 17 anni, Last Nine racconta la storia di un adolescente il cui mondo inizia a cambiare quando fa un nuovo gruppo di amici nelle settimane poco prima che si diplomasse al liceo.

Anche se so che gli sceneggiatori hanno poco controllo sulla colonna sonora una volta che il film è stato prodotto, ho scritto gli ultimi nove con la sensazione che la cover di Woody Guthrie di The Carter Family “Will You Miss Me When I’m Gone”, suonerà come i personaggi si assemblano per l’ultima volta, nella scena finale. Questa canzone popolare cupa e sentimentale darà il giusto tono — o, più precisamente, il giusto senso di giustapposizione ironica-mentre i personaggi escono di casa (nel loro modo di giocare) per la prima volta.

La musica gioca un ruolo importante in tutti i film, ma le singole canzoni hanno sempre avuto una presenza appuntita — e risonanza psichica — nei film di formazione. Alcuni dei miei ricordi più forti come spettatore sono arrivati in quei momenti ineffabili in cui una canzone scelta strategicamente intensifica l’impatto emotivo di un intero film.

Ho elencato qui i miei 12 momenti preferiti della canzone di fine film, insieme ai miei pensieri sul perché queste scelte musicali fossero così efficaci. Mi sono concentrato su canzoni stand-alone piuttosto che su musica da film, che lascia fuori una manciata di film di coming-of-age risonanti che terminano con variazioni sulla musica a tema della storia (come il tema commovente di Maurice Jarre a Dead Poets Society e il leitmotiv straziante di Nicholas Britell da Moonlight). Li ho descritti qui meno per “rango” che per come sono venuto a ricordarli.

“Don’t You (Forget About Me)” dei Simple Minds, dal Breakfast Club

Questa è una quintessenza canzone di fine film, da una quintessenza teen-movie finale-scena, scritto e diretto da quintessenza teen-movie autore John Hughes. Ricordo di aver visto The Breakfast Club su VHS all’età di 15 anni, nel 1986, e di aver pensato che Hughes avesse raggiunto qualcosa di singolare e fedele alla vita adolescenziale.

Anni dopo, sembra che i soliloqui confessionali (e improvvisi accoppiamenti romantici) tra i personaggi disparati del Breakfast Club fossero più idealizzati che realistici. Tuttavia, non c’è dubbio che fosse un film rivoluzionario in termini di come gli adolescenti americani — e le loro paure, speranze e preoccupazioni — fossero ritratti sullo schermo. “Non ti dimenticare di me” sottolinea la posta in gioco (chi sono questi ragazzi, e cosa significheranno l’uno per l’altro dopo oggi?) durante il momento culminante del film di ribellione simbolica: Brian legge il suo saggio “you see us as you want to see us” in una voce fuori campo mentre Bender pompa il pugno in aria e i titoli di coda girano.

È interessante notare che la rock band scozzese Simple Minds era inizialmente resistente alla registrazione della canzone, che era stata composta dal produttore Keith Forsey e dal chitarrista Steve Schiff (Bryan Ferry e Billy Idol avevano già rifiutato l’opportunità). Alla fine cedettero sotto la pressione della loro etichetta discografica, e la band è ora ricordata per questa canzone — e il modo in cui evoca l’immagine finale trionfale del Breakfast Club.

Ben E. “Stand By Me” di King, da Stand By Me

Mentre “Don’t You (Forget About Me)” suonava sia all’inizio che alla fine del Breakfast Club, diverse varianti dell’omonima melodia soul di Ben E. King suonavano in Stand By Me. Avevo 15 anni su 16 quando ho visto per la prima volta questo film, e in qualche modo ho trovato questi quattro personaggi (che avevano 12 anni su 13) profondamente commoventi.

Il saggista Louis Menand ha scritto (nel contesto del Catcher in the Rye di Salinger) che la nostalgia è al massimo quando siamo ancora giovani, e Stand By Me ha lasciato il desiderio di 15 anni per la persona che ero all’età di 12. Questo non è un film particolarmente felice-è, dopo tutto, su un gruppo di ragazzi che partono per trovare un cadavere — ma qualcosa sul modo in cui i personaggi affrontano il passaggio della propria giovinezza prepubescente mi ha fatto perdere il mio.

Non avevo idea che Stand By Me fosse basato su una novella di Stephen King quando l’ho visto per la prima volta, ma in retrospettiva la sua trama principale — i giovani personaggi che partono da soli, senza adulti, per entrare in avventure e combattere i loro demoni — si sente molto fedele al suo più grande corpo di lavoro. Una sorta di nostalgia soffoca la narrazione del film, non solo nel fatto che i suoi luoghi e le sue canzoni evocano l’America di piccole città alla fine degli anni ‘ 50-ma anche nel fatto che la storia è narrata dall’adulto Gordie (Richard Dreyfuss), che sta guardando indietro alla sua giovinezza dopo aver letto della morte del suo amico d’infanzia.

come “Don’t You (Forget About Me)”, sottolinea alla tenuità di amicizia in un Club di prima Colazione, la canzone “Stand By Me”, che in definitiva serve a piangere l’evanescenza del legame tra i quattro ragazzi nel film, contribuendo ad articolare il senso di perdita Re cerca di descrivere nelle prime righe del suo racconto:

“Le cose più importanti sono le più difficili da dire. Sono le cose di cui ti vergogni, perché le parole le diminuiscono… Le cose più importanti si trovano troppo vicino a dove è sepolto il tuo cuore segreto, come punti di riferimento per un tesoro che i tuoi nemici vorrebbero rubare. E potresti fare rivelazioni che ti costano caro solo per avere persone che ti guardano in modo divertente, non capendo affatto quello che hai detto, o perché hai pensato che fosse così importante che hai quasi pianto mentre lo stavi dicendo. E ‘ la cosa peggiore, credo. Quando il segreto rimane bloccato all’interno non per mancanza di un cassiere, ma per mancanza di un orecchio comprensione.”

“Slow Ride” di Foghat, da Dazed and Confused

Il passare del tempo è sempre stato un’ossessione tematica per il regista Richard Linklater, dal suo film di breakout Slacker (vedi sotto), alla sua trilogia Before Sunrise/Sunset/Midnight, al suo innovativo progetto pluriennale di formazione Boyhood. Il Dazed and Confused in gran parte privo di trama si svolge nel corso di un singolo periodo di 24 ore in quanto segue diversi gruppi interconnessi di adolescenti del Texas l’ultimo giorno dell’anno scolastico 1976. La musica qui è specifica per il periodo e perfetta, dalla “Sweet Emotion” degli Aerosmith nella scena di apertura, fino all’inebriante inno Foghat che esplode nelle cuffie di Mitch mentre vediamo Wooderson, Pink, Slater e Simone cruise su un’autostrada aperta prima che i titoli di coda rotolino.

Ho visto Stordito e confuso la settimana in cui è uscito, nell’autunno del 1993, quando vivevo a Seattle — e sono uscito dal teatro in una foschia, come se fossi stato trasportato indietro alla mia gioventù del Kansas cinque anni prima. In qualche modo, il fittizio 1976 di Linklater ha perfettamente evocato ciò che il 1988 mi sembrava quando ero nel 1993. Ora — 25 anni dopo-Stordito e confuso evoca per me il 1993 tanto quanto qualsiasi altra cosa, anche se continua a richiamare ricordi del 1988 (e del 1976). Stranamente, il 1993 è stato un anno incredibilmente distintivo per me — avevo 22 anni, mi ero appena laureato e stavo lavorando come paesaggista a Seattle al culmine del grunge-ma parte del modo in cui l’ho vissuto è stato il desiderio di un tempo diverso, più provinciale (e per molti versi meno interessante) della mia vita.

La linea più iconica in Dazed and Confused proviene dal lungo laureato hanger-on Wooderson (interpretato da un allora sconosciuto Matthew McConaughey), che dice: “Questo è quello che amo di queste ragazze delle scuole superiori, amico. Io invecchio, loro hanno la stessa età.”Un quarto di secolo dopo, la stessa cosa si potrebbe dire per i personaggi del film, Wooderson incluso: I bambini che vedo sullo schermo non invecchiano, il che sottolinea solo il modo in cui Dazed continua a ricordarmi più volte della mia vita — più momenti lontani di essere vivo-mentre invecchio.

Come nota a piè di pagina, “Slow Ride” di Foghat non doveva essere la traccia di chiusura di Dazed and Confused, ma Linklater non poteva garantire i diritti di “Rock and Roll” dei Led Zeppelin (come dice la storia, il chitarrista Jimmy Page andava bene, ma il cantante Robert Plant non voleva firmare). Si può capire perché Linklater vorrebbe questa canzone per il film (che a sua volta è stato chiamato per una canzone dei Led Zeppelin), anche se in retrospettiva “Slow Ride” è un modo abbastanza perfetto per terminare il film.

“Hard Sun” di Eddie Vedder, da Into the Wild

Sono arrivato tardi all’adattamento cinematografico di Sean Penn di Into the Wild — in gran parte perché non pensavo che avrebbe avuto molto di nuovo da offrire, avendo già letto e apprezzato il libro di Jon Krakauer. Quando finalmente l’ho visto, la rappresentazione del film del condannato pellegrinaggio americano di Alexander Supertramp mi ha colpito in un modo molto più intuitivo e personale del libro. Questo è il potere dei film, penso, almeno quando funzionano bene: catturano il sentimento in un modo che va oltre il contenuto fattuale o intellettuale.

Vale a dire che, mentre il libro di Krakauer era avvincente, la versione cinematografica di Into the Wild era riconoscibile in un modo che non mi aspettavo che fosse. Sulla pagina scritta ho potuto vedere come la vita di Christopher MacCandless potrebbe essere simile alla mia (avevo 21 anni il mese in cui è morto, ed era andato in trekking da solo nella penisola olimpica di Washington quella stessa estate), ma sullo schermo si sentiva come la sua vita-viaggio era inseparabile dagli stessi ideali inebrianti che mi ha mandato fuori sul mio percorso vagabondo a circa lo stesso tempo nella vita. Come Chris, ho saltato i treni e vagato per il West americano quando ero nei miei primi anni venti, traendo ispirazione dai volumi dalle orecchie di cane di Thoreau e Whitman e Edward Abbey. Come Chris, ero dipendente dalla novità e dalla possibilità; mi sono messo attraverso innumerevoli piccole auto-iniziative nel deserto, e ho trovato qualcosa di sacro nel mio graduale accumulo di avventure.

Ho spesso detto che Vagabonding, il libro che è il risultato dei miei vagabondaggi giovanili, è stato inteso come una sorta di lettera al mio 17-year-old sé — e dopo aver visto Into the Wild mi è stato ricordato di come, quando sei giovane, ci sono due pericoli intrinseci alla voglia giovanile di libertà e purezza. Uno è che sarai troppo timido per liberarti e vagare, ma l’altro è che romanzerai eccessivamente il viaggio una volta che è in corso, il che può essere meno che ideale sia per te stesso che per le persone che lasci alle spalle. Into the Wild, sia il libro che il film, servono come una sorta di ammonimento contro questo impetuoso, cocksure, romanticismo auto-mitizzante — anche se la storia di Chris continua a ispirare una sfilza di pellegrini e imitatori.

Considerando quello che è successo a MacCandless/Supertramp, Into the Wild è un racconto di coming-of-age decisamente oscuro, ma in qualche modo la partitura folky di Eddie Vedder — e, in particolare, la sua cover soul di “Hard Sun” di Gordon Peterson nella scena finale — sostiene la storia con un senso di speranza di desiderio esistenziale.

La “cattiva reputazione” di Freedy Johnston, da Calci e urla

Intorno alla prima metà degli anni 1990, un certo numero di film alla moda autocoscientemente sono stati realizzati con il mercato giovanile” Generation X ” in mente — pensa a Reality Bites, Singles, Empire Records, ecc. – ma pochi erano così divertenti e struggenti come Kicking and Screaming, il debutto dell’autore indie Noah Baumbach del 1995. Dal punto di vista della trama, il film non equivale a molto-si tratta di un gruppo di quattro amici che non riescono a lasciare il college dopo essersi laureati — ma i suoi personaggi loquacemente depressi (e affabilmente incapaci) incarnano la stasi esistenziale che può afferrare i giovani nel momento stesso in cui dovrebbero fare qualcosa di se stessi nella vita.

Una parte sentimentale di me è convinta di aver visto questo film altamente riconoscibile nella stessa identica fase della vita di Grover, Max, Otis e Skippy, il suo quartetto di personaggi recentemente laureati. In verità, l’ho visto quasi tre anni dopo la laurea, mentre ero bloccato in un punto morto personale/professionale tra il completamento con successo del mio primo viaggio vagabondo e il mio eventuale trasferimento in Corea per insegnare l’inglese (e prolungare le mie avventure vagabonde).

Calci e urla è in parte l’improvvisa perdita di status sociale che accompagna la laurea, quando si è gettati fuori dal piccolo stagno del college e nell’oceano ribollente della vita — e in qualche modo la paralisi autoimposta dei personaggi e la sofferenza di fronte al resto della loro vita hanno reso la mia situazione un po’ più tollerabile. I quattro personaggi principali indossano tutti giacche sportive – come se, ha notato Baumbach, fossero bambini che giocano ad essere adulti — e sono stato così preso da questo affetto che ho comprato una giacca sportiva da indossare al lavoro quando sono partito per la Corea alla fine del 1996.

Di gran lunga i personaggi più maturi di Kicking and Screaming sono le longanime fidanzate dei protagonisti, e il momento culminante del film arriva quando Grover (interpretato da Josh Hamilton) prende finalmente la decisione di andare a raggiungere la sua ex amante Jane (Olivia D’Abo) a Praga. “Farà una buona storia della mia vita da giovane adulto”, dice Grover mentre si presenta al banco della compagnia aerea. “Sai, il tempo che ho scelto di andare a Praga.”

Questa penultima (e in definitiva, per Grover, non del tutto attualizzata) scena di partenza dell’aeroporto è seguita da uno dei miei film preferiti di tutti i tempi-un flashback sobrio che descrive i momenti prima del primo bacio di Grover e Jane molti mesi prima. Sembra banale anche solo digitandolo qui, ma in qualche modo – nel momento appena prima della “Cattiva reputazione” di Johnston-Il soliloquio di Grover a Jane sul desiderio che fossero una vecchia coppia (seguita dall’autocoscienza di Jane sull’opportunità o meno di togliere il suo fermo) colpisce il tono ideale di imbarazzo romantico.

“Tangerine” dei Led Zeppelin, dal quasi famoso

Il racconto in gran parte autografico di Cameron Crowe di viaggiare in America attraverso il tour-bus rock-n-roll come giornalista di Rolling Stone di 15 anni non è così direttamente riconoscibile come gli altri film di formazione che ho menzionato, ma è altrettanto divertente. Molti dei film migliori momenti cardine della musica — forse nessuno così estaticamente come quando l’intero cast urla insieme a Elton John “Tiny Dancer” dopo che una banda di fallout (e reunion) in Topeka — e Led Zeppelin “Tangerine” fornisce una bella coda per il momento Miller (Patrick Fugit) e Russell Hammond (Billy Crudup), finalmente dopo tanti chilometri su strada, insieme sedersi a Volontà a casa per discutere di musica a cuore aperto modo.

“Ooh La La” dei The Faces di Rushmore

Molto è stato detto sullo stile visivo del regista Wes Anderson, ma le sue scelte musicali sono altrettanto distintive — e in Rushmore, l’iconica fatica del secondo anno di Anderson del 1998, la colonna sonora del film è tanto un personaggio quanto l’adolescente overachieving di Jason Schwartzman Max Fischer, o il magnate di La nostra introduzione alle esagerate ambizioni extrascolastiche di Max non sarebbe la stessa senza il montaggio dell’annuario impostato su “Making Time” di Creation, e la sequenza di vendetta di Max-versus-Herman raggiunge il suo culmine amaro per la melodia di The Who “Un rapido, mentre è lontano.”La scena finale di Rushmore trova il suo tono consumato grazie alla melodia agrodolce dei The Faces del 1973″ Ooh La La.”

La “storia più triste mai raccontata” di The Myth of the American Sleepover

Il film breakout di David Robert Mitchell è stato un raccapricciante film horror per adolescenti del 2014 chiamato It Follows-ma il suo debutto cinematografico è arrivato tre anni prima, con l’uscita di The Myth of the American Sleepover, che è stato girato in Michigan con un budget ridotto e non è mai Mi è capitato di vederlo per caso all’Angelika Film Center mentre visitavo New York nell’estate del 2011, e sono rimasto affascinato dal modo in cui questo film sobrio (pieno di attori sconosciuti) ha catturato qualcosa di tangibile e risonante sulla vita adolescenziale.

L’ironia qui è che c’è una deliberata vaghezza nel mito del pigiama party americano, dal momento che non sembra aver luogo durante un determinato periodo di tempo. Sembra un po ‘ contemporaneo, ad esempio, ma nessuno dei personaggi usa i telefoni cellulari o Internet — e gli “sleepovers” di fine estate implicati dal titolo si sentono pittoreschi e anacronistici, anche se le esperienze che i personaggi hanno lì si sentono emotivamente specifici e rilevanti. Sleepover non ha un finale epifanico come The Breakfast Club (o uno esuberante come Dazed and Confused), ma la “storia più triste mai raccontata” di The Magnetic Fields, insieme a “Love to Love You” di Balthrop, Alabama, colpisce la giusta nota emotiva a questo film che colpisce sorprendentemente una volta che i titoli di coda girano. (Entrambe le canzoni sono presenti anche nel trailer del film.)

“Skokiaan” di Horst Wende e della sua Orchestra, tratto da Slacker

Il secondo lungometraggio di Richard Linklater si qualifica a malapena come un film di formazione, dal momento che la macchina da presa di Slacker raramente indugia su un personaggio per molto tempo, e nessuno di loro sembra trasformarsi in modo visibile. Tuttavia, c’è qualcosa di gioioso ed energizzante nella sequenza finale del film, quando un gruppo di personaggi giovanili si filmano guidando (e poi salendo) fino alla cima del Monte Bonnell vicino ad Austin. “Skokiaan” è un brano pop del 1947 del musicista dello Zimbabwe August Musarurwa, e la sua versione più famosa è probabilmente la versione del 1954 di Louis Armstrong, ma la copertina del 1958 del leader tedesco Horst Wende colpisce un bel tono retrò per i fotogrammi finali di Slacker.

Nella traccia di commento DVD al film, Linklater dice che questa sequenza finale — che sembra presagire il modo in cui i giovani nell’era degli smartphone iper-documentano la propria vita — è stata ispirata da un cortometraggio di Bill Daniel. Linklater aveva sperato di coronare il film con l’interpretazione di Peggy Lee del 1969 di Leiber e Stoller ” Is That All There Is?”ma ha dovuto accontentarsi di “Skokiaan” e “Strangers Die Everyday” del Butthole Surfer quando non è riuscito a garantire i diritti sulla canzone di Lee. Al mio orecchio, i ceppi raccapriccianti di “Strangers Die Everyday” forniscono una migliore consistenza emotiva mentre i crediti Fannulloni rotolano, dal momento che ” È tutto quello che c’è?”si sente un po’ sul naso per un film così eccentrico.

“Semi-Charmed Life” di Third Eye Blind, da American Pie

Anche se la commedia teen-sex di Paul e Chris Weitz American Pie è uscita nel 1999, sembra molto simile a un film degli anni ‘ 80 — ed è stata probabilmente l’ultima volta che ho visto un film per adolescenti con una sensibilità vagamente adolescenziale. L’omaggio più vero alla vita adolescenziale americana che è uscito nel 1999 non era un film — era lo show televisivo Freaks and Geeks (che, a mio avviso, era la più vera evocazione sullo schermo dell’adolescenza medio americana mai fatta). Eppure, mentre le iperboli comiche di American Pie non suonano così vere come Freaks e Geek, è stato un film di coming-of-age-by-trying-to-lose-your-virginity deliziosamente divertente.

ho avuto lo zaino in spalla in giro per l’Asia e l’Europa Orientale per la maggior parte del 1999, e mentre ero forse un po ‘ troppo vecchio e apprezzare correttamente la colonna sonora, le canzoni che presentano nel film la scena finale del Terzo Occhio Cieco del “Semi-Charmed Life” e Nuda Naked Ladies’ “Una Settimana” — mi riportano a quell’anno ho trascorso girovagando Est (come altre one-hit wonders da questo stesso periodo di tempo, come Fatboy Slim “The Rockafeller Skank,”Blink-182 “Tutte Le Piccole Cose,” Chumbawamba ‘s “Tubthumping,” Smash Bocca “Walkin’ On The Sun” e La Verve Bitter Sweet Symphony.”

” Oh Yeah ” di Yello, da Ferris Bueller’s Day Off

Ho amato positivamente Ferris Bueller’s Day Off quando è uscito nel 1986, e rimane uno dei miei film per adolescenti preferiti. Le persone hanno, in retrospettiva, denigrato il personaggio di Ferris Bueller come un moccio privilegiato, ma mi è stato chiaro anche da adolescente che il giorno libero di Ferris Bueller era meno un commento realistico sulla vita adolescenziale di un film fantasy stravagante che si proponeva di divertirsi il più possibile con la sua premessa.

Inoltre, è facile a posteriori dimenticare quanto fosse singolare un personaggio Ferris: in un’epoca in cui i teen movies caratterizzavano da generazioni i protagonisti in termini di stereotipi basati sulla cricca, Ferris era unico per se stesso-un amico intelligente, eccentrico, iper — articolato (e non necessariamente atletico o iper-maschile) di tutti coloro che camminavano per il mondo sulla forza irrefrenabile del proprio carisma. “Oh Yeah”, la traccia strumentale singolarmente strana di Yello, ha impostato la trama perfetta di fine film mentre i titoli di coda rotolavano e il preside Rooney ha ottenuto il suo comeuppance (e Ferris stesso ci ha sparato fuori dal teatro).

“Heroes” di David Bowie, da The Perks of Being a Wallflower

Per ragioni che non posso spiegare completamente, ho scoperto e letto (e amato) il romanzo YA-market di Stephen Chbosky del 1999 The Perks of Being a Wallflower quando avevo trent’anni. A livello logico la storia in sé non ha abbastanza senso-il protagonista è un disadattato matricola che cade senza soluzione di continuità con un gruppo di anziani dell’anca (e in qualche modo ha una forza fisica sovrumana). Eppure, stranamente, a livello emotivo la storia è azzeccata nella sua evocazione dei desideri adolescenziali, in particolare espressa attraverso canzoni come “Asleep” degli Smiths.”

La versione cinematografica di Wallflower, che è stata diretta dallo stesso Chbosky, non ha funzionato per me — anche se la scena finale (quando Charlie attraversa il Fort Pitt Tunnel di Pittsburgh nella parte posteriore di un pick-up, dichiarando, in voice-over, che “we are infinite”) è un grande finale. Nel libro questa scena si svolge in “Landslide” di Fleetwood Mac; nel film la canzone viene scambiata con “Heroes” di David Bowie — ed è una scelta che colpisce il tono perfetto mentre il film taglia i crediti.