L’Importanza della Formazione Classica nel Mondo Contemporaneo

Kristen Stevens

Quando la gente pensa di una cantante di formazione classica, un paio di stereo-tipi può venire in mente: forse un squawky, piazza, musicista con un ego delle dimensioni del Texas? Come educatore musicale che ha subito una formazione classica attraverso il programma universitario, ha studiato vari stili e generi, oltre ad aver eseguito la maggior parte di essi; Sono convinto che una tecnica classica sia il modo per avere successo in qualsiasi genere. Proprio come il ballerino di formazione classica può trasferire il loro controllo del corpo per muoversi nel modo che è richiesto nella danza moderna, troviamo che è il ballerino moderno che non può cinghia su un paio di scarpe da punta ed eseguire le mosse richieste di una ballerina. Come il ballerino classico, il cantante classico ha la capacità di trasferire la propria tecnica vocale a qualsiasi genere o stile sia richiesto. La cantante classica Kathleen Battle canta il pezzo jazz, Summertime, di Gershwin.

La mia esperienza è radicata nella tradizione contemporanea e classica. Quando mi viene chiesto di esibirmi per vari eventi, la mia voce deve essere abbastanza malleabile da cantare con corretta inflessione stilistica e suono genuino, tutta la musica che mi viene richiesta; posso farlo con facilità grazie alla mia formazione classica. Sfortunatamente, è raro per il cantante contemporaneo trasferire la loro tecnica per adattarsi allo stile classico, e talvolta la loro tecnica è così limitata che può persino limitarli a uno stile musicale singolare. Anche i più talentuosi artisti contemporanei lottano per mantenere la correttezza stilistica quando tentano di cantare in stile classico.

L’orecchio può facilmente distinguere che ci sono grandi differenze tra i generi, tuttavia la maggior parte delle persone che non sono state formalmente addestrate in musica hanno difficoltà a mettere in parole le differenze che l’orecchio identifica. Qui di seguito ci sarà campione alcune delle varie differenze e anche andare in un po ‘ di perché le cose sono fatte il modo in cui sono.

Amplificazione e valorizzazione elettronica

Una delle differenze più evidenti tra il cantante classico e il cantante contemporaneo è l’uso di apparecchiature elettroniche per amplificare e migliorare il suono della voce. Il cantante classico usa raramente un microfono o qualsiasi altro potenziatore elettronico a causa dell’allenamento, del posizionamento e della tecnica a cui si associano. Il più delle volte se un microfono/ microfoni sono visti in una performance, di solito è per scopi di registrazione piuttosto che di amplificazione. Tuttavia, a causa della crescente dimensione dei luoghi di spettacolo, sta lentamente diventando più accettabile utilizzare il microfono per arene molto grandi ed eventi all’aperto. È anche molto impegnativo per gli ingegneri del suono/ equipaggi del suono ottenere un buon suono per il cantante perché la musica, l’opera o la canzone d’arte, richiederà spesso dinamiche estreme e talvolta a terrazze (rapidi spostamenti tra suoni estremamente morbidi ed estremamente forti) è anche difficile ottenere un buon tono senza che il cantante suoni troppo ottuso o appuntito. Questo tipo di voce è in genere più apprezzato pur essendo almeno 20 piedi dal cantante.

I cantanti contemporanei spesso si affidano molto all’amplificazione elettronica. Ciò è dovuto principalmente al posizionamento e all’intonazione del suono, inoltre l’uso di strumenti amplificati contribuisce alla necessità di equilibrio tra cantanti e strumentisti. (Prima di fare la seguente dichiarazione, ti prego di capire che mi rendo conto che ci sono cantanti contemporanei di grande talento nel mondo, sfortunatamente, raramente sono quelli ascoltati alla radio.) Artisti contemporanei spesso utilizzano miglioramento vocale e sintonizzatori automatici per correggere i loro difetti vocali, creando così la registrazione in studio, che viene poi ripulito ed elaborato per creare il prodotto si sente alla radio o altro dispositivo musicale portatile. Questo è il motivo per cui le persone possono a volte deluso quando sentono la loro band preferita/ artista performer spettacoli dal vivo o set acustici.

Dizione

Un’enorme differenza che noterai tra Classico e Contemporaneo è l’uso della dizione di ogni entità. Nella musica contemporanea, il linguaggio è più spesso colloquiale, a differenza della classica che spesso impiega lunghi tratti legati di parole che si scontrano con un’altra, separate da consonanti a volte dure. Le vocali del cantante contemporaneo sono anche a volte modificate per creare un effetto eccentrico o un idioma che viene usato per rappresentare alcune emozioni (cioè la parola “capelli” pronunciata “hayyyer”), anche il passaggio al secondo suono del dipthong (due suoni vocalici che si verificano in una singola sillaba, non separati da una consonante) prima di quanto sarebbe usato nella normale conversazione (cioè; la parola “vita” pronunciato “lieeef”.)

Nel canto classico, come già detto, ci sono tipicamente consonanti dal suono nitido, questo è dovuto alla mancanza di amplificazione elettronica. Il cantante usa le consonanti per tagliare il suono dell’orchestra o degli strumenti di accompagnamento, in modo che la lingua possa essere identificata e compresa. Il cantante classico si sforza di cantare sulla vocale piuttosto che sulla consonante, e spesso procrastina la fonazione del secondo suono del dittongo; questo è lo standard se non diversamente indicato nella partitura musicale. Il cantante classico legge anche sia la musica che l’Alfabeto Fenetico Internazionale (IPA) al fine di garantire una corretta pronuncia delle varie lingue in cui potrebbe essere richiesto di cantare.

Lingue

È necessario che il cantante classico si esibisca in più lingue per fornire una replica autentica e d’epoca del progetto originale del compositore. Il cantante spesso seguire corsi che spiegano i vari simboli che vengono utilizzati per esprimere i fonemi (le unità più piccole del suono discorso) a cui sono associati (cioè.; un cantante classico leggerà nella trascrizione IPA, e per loro significa pronunciare la vocale ” e “come in” me “o forse leggeranno il simbolo e lo pronunceranno” uh “come in” caramel.”) Oltre alla pronuncia corretta, il cantante deve anche ricercare la traduzione parola per parola e la traduzione poetica per consentire una corretta inflessione del testo. Questo è probabilmente altrettanto cruciale quanto la pronuncia corretta, perché spesso il pubblico non capirà la lingua, e quindi si affiderà all’artista per esprimere l’emotività del pezzo attraverso l’espressione facciale e i gesti corporei.

Nella tradizione contemporanea, le canzoni sono tipicamente cantate in vernacolo, a meno che la canzone non sia pensata per un pubblico multiculturale, nel qual caso, alcuni cantanti eseguiranno parte del concerto, dell’album, ecc. in una particolare lingua, quindi passare a un’altra lingua per una porzione diversa del set. Cantare in vernacolo consente all’esecutore di concentrarsi maggiormente sull’inflessione e meno sulla lingua. Ciò che è comune in entrambi gli stili è che la musica e le parole dovrebbero essere memorizzate prima che l’esecuzione pubblica sia perseguita.

Vibrato

Vibrato è l’oscillazione o vibrazione sovrapposta ad un passo sostenuto. È spesso descritto come la qualità scintillante, tremante o svolazzante di una particolare voce e si verifica naturalmente in una certa misura in qualsiasi voce sana. Nel canto classico, il vibrato è esordio subito dopo la consonante, e rimane coerente in tutto. L’eccezione è se il cantante sta eseguendo un lavoro del periodo rinascimentale o barocco, nel qual caso, un tono puro può essere più stilisticamente corretto. Il vibrato è un componente chiave dell’intonazione e delle prestazioni complessive per il cantante classico.

Il cantante contemporaneo utilizza anche l’uso del vibrato, anche se poiché la musica è più colloquiale, il vibrato è tipicamente riservato per ornare la fine di note sostenute. Tuttavia, ci sono occasioni in cui il cantante contemporaneo usa il vibrato più frequentemente, di solito è molto sottile e può essere usato drammaticamente durante le parti più morbide della canzone per garantire un suono core, piuttosto che un suono arioso, pur mantenendo la dinamica desiderata.

In questo video, l’istruttore Kerri Ho descrive le tecniche frequentemente utilizzate per sviluppare vibrato coerente.

Registri

Nel canto classico, la voce deve suonare come un’entità singolare, con transizioni senza soluzione di continuità tra i registri. Con innumerevoli ore di pratica e metodologia che ci spingono, ci spingono, ci spingono, Julia Child – ing attraverso il passagio (punto di transizione tra i registri)per creare una transizione senza soluzione di continuità, la cantante classica si sforza per la singolarità del suono che viene quando gli spazi risonanti sono bilanciati e c’è accesso sia ai registri superiori che inferiori. Essenzialmente questo significa che si sforzano di mantenere la voce che suona come se appartenesse alla stessa persona in qualsiasi registro che stanno cantando (cioè; non suona come Idina Minzel mentre nella voce petto, poi suona come Paris Hilton nella voce testa.)

Nel contemporaneo, c’è molta meno enfasi su un passagio senza soluzione di continuità, spesso la voce del petto viene portata all’estremo creando il suono denominato “belting.”Non è raro che un cantante abbia una forte voce toracica, ma poi faccia un notevole salto fino al suono leggero e meno focalizzato della voce principale. Tuttavia, quando un cantante contemporaneo passa in modo pulito attraverso il passagio, le persone notano quanto talento questi individui debbano avere una gamma così “forte e ampia”. La “pausa” (odio questo termine perché nulla nella tua voce è effettivamente rotto, ma piuttosto si riferisce alla fine di un certo registro) nei registri è talvolta usata dagli artisti contemporanei per creare effetti drammatici.

Spazi risonanti

Il corpo umano contiene i propri spazi risonanti che permettono alle vibrazioni della piega vocale di manifestare e amplificare il suono prodotto. Il corpo contiene quattro camere risonanti principali che ogni cantante dovrebbe conoscere: testa, bocca, nasale e torace. Questi non devono essere confusi con i registri. Questi sono gli spazi che aiutano a creare un certo volume senza sforzare la voce.

Nella musica classica, l’obiettivo è quello di creare più spazio possibile in tutto lo spazio risonante disponibile. L’unico spazio che non viene utilizzato nel canto classico è la risonanza della bocca, dovuta principalmente al tessuto molle (mascelle e lingua) che funge da entità fonoassorbente. L’atto di creare spazio si ottiene abbassando la laringe e sollevando il palato molle per avere pieno accesso agli altri tre risonatori. L’uso corretto di questi spazi risonanti determina l’indipendenza del cantante classico dai dispositivi di amplificazione.

I generi contemporanei utilizzano spazi risonanti in modo diverso. Nella musica popolare, l’esecutore canta spesso con la risonanza della bocca, o la risonanza parlante, perché la musica tende ad essere colloquiale. Nel teatro musicale, il posizionamento tende a trovarsi nella risonanza nasale/maschera e ha un suono molto avanti. Rock, alternative, rhythm and blues e jazz si basano tutti pesantemente sul microfono, così come la musica popolare e allo stesso modo, la risonanza non è così enfatizzata, anche se un buon equilibrio è auspicabile.

Lettura della musica

La lettura della musica è richiesta al cantante classico, non solo la lettura della musica (sapendo che il secondo spazio degli acuti, o il rigo G è un A), ma si prevede che il cantante classico sia in grado di leggere la musica (cantare ciò che la pagina dirige senza un udito perverso). La ragione per cui trovo che la lettura musicale sia una parte così importante della formazione di qualsiasi musicista, è perché tu, l’artista, fai affidamento su te stesso per creare e interpretare la musica, e non devi fare affidamento sull’interpretazione di qualcun altro.

Alcuni cantanti contemporanei leggono musica, questo di solito è il risultato del programma di musica della scuola pubblica o dello studio musicale che spinge la lettura della musica come parte del suo curriculum. Di solito i cantanti contemporanei comprendono gli elementi di base della lettura musicale, tuttavia, a meno che non stiano componendo la propria musica, non è stressata e raramente è apprezzata. Anche se la lettura della musica è essenziale, lo sviluppo e la pratica dell’audizione (o dell’udito interiore) devono essere apprese o la lettura della musica non andrà a beneficio del cantante. A volte, al fine di compensare la mancanza di abilità nella lettura di musica, cantanti contemporanei possono contare più pesantemente sull’udito per imparare la musica, ma in genere può spesso può improvvisare e ad lib con facilità.

TRASFERIMENTO DI TECNICA

Può essere una sorpresa che spesso mi venga richiesto di cantare musica contemporanea. Devo anche ammettere che prima di canto collegiale, non avevo avuto alcuna formazione classica, rendendo scuola di musica che molto più impegnativo. Prima della mia esperienza universitaria, avevo spesso guidato il culto per la mia chiesa e fatto alcuni concerti con alcuni amici che cantavano musica alternativa/rock, e sì, ho fatto TUTTO SBAGLIATO: non sapevo nemmeno di avere un registro superiore – era tutta la voce del petto. Inutile dire che, il mio primo semestre di voce privata è stata piuttosto la lotta. Tuttavia, dopo che la mia tecnica era solida, sono stato in grado di trasferire i concetti del canto vocale classico nel mio stile di musica contemporanea, e con mia grande sorpresa, suonavo molto meglio. Per me, i benefici della formazione classica si sono manifestati in altri generi oltre al repertorio classico. I benefici del canto contemporaneo includevano: una gamma ampliata, il che significava che potevo cantare una più ampia varietà di musica, correggere il canto attraverso i diversi registri per lunghi periodi di tempo senza affaticamento o tensione al collo a causa di una tecnica difettosa.

Ho anche pensato di includere alcune verità con cui ogni cantante, classico o contemporaneo, deve fare i conti, se vuole diventare un musicista indipendente di successo.

• Non suonerai (e non dovresti) come l’artista che ha reso famoso il tuo repertorio. Hai bisogno di essere abbastanza confortevole con il proprio suono unico, e avete bisogno di fare quel suono accadere al meglio delle vostre capacità ogni volta che si canta. È sempre una buona idea registrare le tue lezioni e confrontarti con te stesso in una fase precedente e valutare le tue prestazioni in base al tuo miglioramento.
• Leggere lo spartito è importante. Questa è un’abilità inestimabile da avere perché ti rende un musicista indipendente. Avete mai visto un pezzo di carta che è stato copiato, e ri-copiato? Diventa sempre più sfocato con ogni copia-in un certo senso, questo è ciò che accade alla musica quando non otteniamo i dati musicali per noi stessi – ascoltiamo l’interpretazione di qualcun altro – o una copia, quindi tutto ciò che possiamo sperare di ottenere da questo è un’immagine leggermente più distorta del concetto che il compositore stava originariamente cercando di trasmettere. Nella musica contemporanea lib. è accettabile, ma prima di creare una variazione, è necessario conoscere il tema e che la conoscenza sia ottenuta sulla pagina.
• Devi conoscere i tratti stilistici del genere che stai cantando. So che questo può sembrare un gioco da ragazzi, ma ascoltare i migliori interpreti del genere e osservare i tratti di stile che mostrano. In che periodo di tempo è stato scritto questo? Fanno frequenti “corse” o ornamenti non scritti? Fanno lib., se sì, quando è stilisticamente appropriato farlo? Alterano la loro dizione? Usano sillabe senza parole? Cantano o parlano ritmicamente in campo? È importante ascoltare criticamente la musica per determinare cosa rende il genere diverso da un altro.

Passando da uno sfondo non classico alla formazione classica, ho scoperto che è più vantaggioso imparare il metodo classico. Se decidi che la musica è la tua occupazione desiderata, il programma musicale più comune che incontrerai a livello collegiale richiede un certo grado di formazione classica, la maggior parte dei tuoi compagni di classe avrà avuto questa esperienza in una certa misura attraverso le competizioni UIL, all-state solo, e alcuni potrebbero persino competere alle competizioni NATS (National Association of Teachers of Singers). Raccomando l’allenamento classico perché equipaggia il cantante con gli elementi essenziali per avere successo nel loro viaggio musicale fornendo: capacità di lettura della musica, allenamento dell’orecchio, tecnica versatile e, soprattutto, l’indipendenza di cantare qualsiasi cosa li renda felici.