the Importance of Classical Training in a Contemporary World

by Kristen Stevens

kiedy ludzie myślą o klasycznie wyszkolonej piosenkarce, nasuwa się na myśl kilka stereofonicznych typów: być może skośny, kwadratowy muzyk z ego wielkości Teksasu? Jako pedagog muzyczny, który przeszedł Klasyczne szkolenie w ramach programu studiów, studiował różne style i gatunki, a także wykonywał większość z nich; Jestem przekonany, że technika klasyczna jest drogą do sukcesu w każdym gatunku. Podobnie jak klasycznie wyszkolony tancerz może przenieść swoją kontrolę nad ciałem, aby poruszać się w sposób, który jest wymagany w tańcu nowoczesnym, odkrywamy, że to nowoczesny tancerz nie może założyć pary butów pointe i wykonać ruchów wymaganych od baleriny. Podobnie jak tancerz klasyczny, śpiewak klasyczny ma możliwość przeniesienia swojej techniki wokalnej do dowolnego gatunku lub stylu. Klasyczna piosenkarka Kathleen Battle śpiewa jazzowy utwór Summertime autorstwa Gershwina.

moje doświadczenie jest zakorzenione zarówno w tradycji współczesnej, jak i klasycznej. Kiedy poproszono mnie o występ na różnych imprezach, mój głos musi być na tyle plastyczny, aby śpiewać z poprawną odmianą stylistyczną i autentycznym dźwiękiem, całą muzyką, o którą prosiłem; mogę to zrobić z łatwością dzięki mojemu klasycznemu szkoleniu. Niestety, rzadko zdarza się współczesnemu śpiewakowi przenieść swoją technikę do stylu klasycznego, a czasami ich technika jest tak ograniczona, że może nawet ograniczyć je do pojedynczego stylu muzycznego. Nawet najbardziej utalentowani współcześni wykonawcy starają się zachować poprawność stylistyczną, próbując śpiewać w stylu klasycznym.

ucho może łatwo odróżnić, że istnieją poważne różnice między gatunkami, jednak większość ludzi, którzy nie zostali formalnie przeszkoleni w muzyce, ma trudności z umieszczeniem w słowach różnic, które identyfikuje ucho. Poniżej spróbujemy niektóre z różnych różnic, a także omówimy, dlaczego rzeczy są robione tak,jak są.

elektroniczne wzmocnienie i wzmocnienie

jedną z najbardziej zauważalnych różnic między śpiewakiem klasycznym a współczesnym jest użycie sprzętu elektronicznego do wzmacniania i wzmacniania dźwięku głosu. Śpiewak klasyczny rzadko używa mikrofonu lub innych elektronicznych wzmacniaczy ze względu na trening, umiejscowienie i technikę, z którą się kojarzy. W większości przypadków, gdy mikrofon / mikrofony są widoczne na występie, zwykle służy do nagrywania, a nie wzmacniania. Jednak ze względu na rosnący rozmiar miejsc występów, powoli staje się bardziej akceptowalne używanie mikrofonu na bardzo dużych arenach i imprezach plenerowych. Jest to również bardzo trudne dla inżynierów dźwięku / ekip dźwiękowych, aby uzyskać dobry dźwięk dla piosenkarza, ponieważ Muzyka, opera lub utwór artystyczny, często wymagają ekstremalnej, a czasem szeregowej dynamiki (gwałtowne przesunięcia między niezwykle miękkim i niezwykle głośnym dźwiękiem), trudno jest również osiągnąć dobry dźwięk bez wokalisty brzmiącego zbyt szorstko lub spiczasto. Ten rodzaj głosu jest zwykle najlepiej doceniany, gdy jest co najmniej 20 stóp od wokalisty.

współcześni wokaliści często polegają w dużej mierze na elektronicznym wzmocnieniu. Wynika to przede wszystkim z umiejscowienia i intonacji dźwięku, również użycie wzmocnionych instrumentów przyczynia się do potrzeby równowagi między wokalistami a instrumentalistami. (Zanim złożę następujące oświadczenie, proszę zrozumieć, że zdaję sobie sprawę, że na świecie są bardzo utalentowani współcześni wokaliści, niestety, rzadko są oni słyszani w radiu.) Współcześni artyści często używają wzmacniaczy głosu i automatycznych tunerów do korygowania wad wokalnych, tworząc w ten sposób nagranie studyjne, które jest następnie czyszczone i przetwarzane w celu stworzenia produktu, który słyszysz w radiu lub innym przenośnym urządzeniu muzycznym. Dlatego ludzie mogą czasami rozczarować się, gdy słyszą ich ulubiony zespół / artysta wykonawca na żywo lub sety akustyczne.

dykcja

ogromna różnica, którą zauważysz między klasyczną a współczesną, to użycie dykcji przez każdą jednostkę. W muzyce współczesnej język jest częściej konwersacyjny, w przeciwieństwie do klasycznego, w którym często stosuje się długie, legato ciągi słów biegnące do drugiego, oddzielone niekiedy szorstkimi spółgłoskami. Współczesne samogłoski śpiewaka są czasami modyfikowane, aby stworzyć jakiś dziwaczny efekt lub idiom, który jest używany do zobrazowania pewnych emocji( np. słowo “hair” wymawiane “hayyyer”), a także przejście na drugi dźwięk dipthong (dwie samogłoski, które występują w jednej sylabie, nierozdzielone przez spółgłoskę) wcześniej niż w normalnej rozmowie (np.; słowo ” życie “wymawiane”lieeef”.)

w śpiewie klasycznym, jak już wspomniano, występują zazwyczaj Ostro brzmiące spółgłoski, jest to spowodowane brakiem wzmocnienia elektronicznego. Śpiewak używa spółgłosek do przecięcia dźwięku orkiestry lub instrumentów towarzyszących, aby język mógł być zidentyfikowany i zrozumiany. Śpiewak klasyczny stara się śpiewać na samogłoskę, a nie spółgłoskę, i często zwleka fonacji drugiego dźwięku dipthong; jest to standard, chyba że inaczej pouczone w partyturze muzycznej. Śpiewak klasyczny odczytuje również zarówno muzykę, jak i Międzynarodowy alfabet Fen (IPA) w celu zapewnienia poprawnej wymowy różnych języków, w których mogą być wymagane do śpiewania.

języki

wymagane jest, aby śpiewak klasyczny występował w wielu językach w celu zapewnienia autentycznego, okresowego odwzorowania oryginalnego projektu kompozytora. Śpiewak często bierze udział w kursach wyjaśniających różne symbole używane do wyrażania fonemów (najmniejszych jednostek dźwięku mowy), z którymi są powiązane (tj.; śpiewak klasyczny będzie czytał w transkrypcji IPA, a dla nich oznacza to wymawianie samogłoski ” e “jak w” ja “lub być może odczytają symbol i wymawiają go” uh “jak w” karmel.”), Oprócz poprawnej wymowy, śpiewak musi również badać tłumaczenie słowa na słowo, a także przekład poetycki, aby umożliwić właściwą fleksję tekstu. Jest to prawdopodobnie równie ważne, jak poprawna wymowa, ponieważ często widzowie nie rozumieją języka, a zatem polegają na artyście, który wyraża emocje utworu poprzez wyraz twarzy i gesty cielesne.

we współczesnej tradycji piosenki są zazwyczaj śpiewane w języku ojczystym, chyba że piosenka jest przeznaczona dla wielokulturowej publiczności, w którym to przypadku niektórzy śpiewacy wykonają część koncertu, albumu itp. w danym języku, a następnie przejść do innego języka dla innej części zestawu. Śpiew w języku ojczystym pozwala wykonawcy skupić się bardziej na odmianie, a mniej na języku. To, co jest wspólne w obu stylach, to to, że muzyka i słowa powinny być zapamiętane przed wykonaniem publicznego.

Vibrato

Vibrato to oscylacja lub wibracja nałożona na trwały skok. Jest to często opisywane jako lśniące, Drżące lub trzepotanie jakości danego głosu i naturalnie występuje w pewnym stopniu w każdym zdrowym głosie. W śpiewaniu klasycznym vibrato pojawia się bezpośrednio po spółgłosce i pozostaje spójne przez cały czas. Wyjątkiem jest, jeśli śpiewak wykonuje utwór z okresu renesansu lub baroku, w takim przypadku czysty ton może być bardziej poprawny stylistycznie. Vibrato jest kluczowym składnikiem intonacji i ogólnej wydajności dla śpiewaka klasycznego.

współczesny śpiewak również wykorzystuje vibrato, chociaż ponieważ muzyka jest bardziej konwersacyjna, vibrato jest zwykle zarezerwowane do ozdabiania końca trwałych nut. Są jednak okazje, że współczesny piosenkarz używa vibrato częściej, jest to zwykle bardzo subtelne i może być używane dramatycznie podczas bardziej miękkich części utworu, aby zapewnić dźwięk rdzenia, a nie przewiewny dźwięk, zachowując pożądaną dynamikę.

w tym filmie instruktorka Kerri Ho opisuje techniki często używane do rozwijania spójnego vibrato.

rejestry

w śpiewaniu klasycznym głos musi brzmieć jako jednostka pojedyncza, z płynnymi przejściami między rejestrami. Z niezliczonymi godzinami praktyki i metodologii pchania nas, ciągnięcia nas, popychania nas, Julia Child-ing nas przez passagio (transition point between registers), aby stworzyć płynne przejście, klasyczny piosenkarz dąży do osobliwości dźwięku, który pojawia się, gdy przestrzenie rezonansowe są zrównoważone i istnieje dostęp do zarówno górnych, jak i dolnych rejestrów. Zasadniczo oznacza to, że starają się zachować głos brzmiący tak, jakby należał do tej samej osoby w każdym rejestrze, w którym śpiewają (tj.; nie brzmi jak Idina Minzel w głosie klatki piersiowej, a potem brzmi jak Paris Hilton w głosie głowy.)

we współczesności znacznie mniejszy nacisk kładzie się na bezproblemowe passagio, często głos klatki piersiowej jest przenoszony do skrajności tworząc dźwięk określany jako ” belting.”Często zdarza się, że śpiewak ma silny głos w klatce piersiowej, ale potem robi zauważalny skok do lekkiego, mniej skupionego dźwięku głosu głowy. Jednak kiedy współczesny piosenkarz przechodzi przez passagio, ludzie zauważają, jak utalentowane są te osoby, aby mieć tak “silny i szeroki” zasięg. “Break” (nienawidzę tego terminu, bo nic w twoim głosie nie jest tak naprawdę złamane, ale raczej odnosi się do końca pewnego rejestru) w rejestrach jest czasami używany przez współczesnych artystów do tworzenia dramatycznych efektów.

przestrzenie rezonansowe

Ludzkie ciało zawiera własne przestrzenie rezonansowe, które pozwalają wibracjom z fałdu głosowego manifestować i wzmacniać wytwarzany dźwięk. Ciało zawiera cztery główne komory rezonansowe, o których każdy wokalista powinien wiedzieć: głowę, usta, nos i klatkę piersiową. Nie należy ich mylić z rejestrami. Są to przestrzenie, które pomagają w tworzeniu pewnej głośności bez obciążania głosu.

w muzyce klasycznej celem jest stworzenie jak największej ilości przestrzeni w całej dostępnej przestrzeni rezonansowej. Jedyną przestrzenią, która nie jest wykorzystywana w śpiewach klasycznych, jest rezonans ust, przede wszystkim ze względu na tkankę miękką (szczęki i język), która działa jako byt dźwiękochłonny. Akt tworzenia przestrzeni osiąga się poprzez obniżenie krtani i podniesienie podniebienia miękkiego w celu uzyskania pełnego dostępu do pozostałych trzech rezonatorów. Właściwe wykorzystanie tych przestrzeni rezonansowych powoduje niezależność śpiewaka klasycznego od urządzeń wzmacniających.

współczesne gatunki inaczej wykorzystują przestrzenie rezonansowe. W muzyce popularnej wykonawca często śpiewa rezonansem ustnym lub rezonansem mówienia, ponieważ muzyka ma tendencję do konwersacji. W Teatrze Muzycznym umiejscowienie ma tendencję do leżenia w rezonansie nosowo-maskowym i ma dźwięk bardzo wysunięty do przodu. Rock, Muzyka alternatywna, rhythm and blues i jazz w dużej mierze polegają na mikrofonie, podobnie jak muzyka popularna i podobnie rezonans nie jest tak podkreślany, chociaż pożądany jest dobry balans.

czytanie muzyki

czytanie muzyki jest wymagane od klasycznego śpiewaka, nie tylko czytanie muzyki (wiedząc, że druga przestrzeń góry lub G-staff jest A), ale oczekuje się, że klasyczny śpiewak będzie w stanie zobaczyć czytać muzykę (śpiewać to, co strona kieruje bez przepuszczalnego słuchu). Uważam, że czytanie muzyki jest tak ważną częścią szkolenia każdego muzyka, ponieważ ty, artysta, polegasz na sobie, aby stworzyć i zinterpretować muzykę, i nie musisz polegać na czyjejś interpretacji.

niektórzy współcześni śpiewacy czytają muzykę, jest to zwykle wynik programu muzycznego szkoły publicznej lub studia muzycznego, które popycha czytanie muzyki w ramach swojego programu nauczania. Zazwyczaj współcześni śpiewacy rozumieją podstawowe elementy czytania muzyki, jednak o ile nie komponują własnej muzyki, nie jest ona podkreślana i rzadko jest doceniana. Chociaż czytanie muzyki jest niezbędne, rozwój i praktyka słuchu (lub wewnętrznego słuchu) musi być nauczona, jak również lub czytanie muzyki nie przyniesie korzyści śpiewakowi. Czasami, aby zrekompensować brak umiejętności w czytaniu muzyki, współcześni śpiewacy mogą bardziej polegać na słuchu, aby nauczyć się muzyki, ale na ogół często mogą improwizować i Ad lib z łatwością.

TRANSFER techniki

dziwi mnie, że często muszę śpiewać muzykę współczesną. Muszę też przyznać, że przed śpiewaniem w kolegiacie nie miałem żadnego wykształcenia klasycznego, co czyni szkołę muzyczną o wiele trudniejszą. Przed moim doświadczeniem w college ‘ u, często prowadziłem uwielbienie dla Mojego Kościoła i zrobiłem kilka koncertów z przyjaciółmi śpiewającymi muzykę alternatywną/rockową, i tak, zrobiłem wszystko źle: nawet nie wiedziałem, że mam górny rejestr – to wszystko był głos klatki piersiowej. Nie trzeba dodawać, że mój pierwszy semestr private voice był dość trudny. Jednak po tym, jak moja technika była solidna, udało mi się przenieść koncepcje klasycznego śpiewu wokalnego do mojego współczesnego stylu muzycznego i ku mojemu zaskoczeniu zagrałem znacznie lepiej. Dla mnie korzyści z klasycznego treningu przejawiały się w innych gatunkach oprócz klasycznego repertuaru. Zalety współczesnego śpiewu obejmowały: poszerzony zakres, co oznaczało, że mogłem śpiewać szerszą gamę muzyki, prawidłowe śpiewanie w różnych rejestrach przez dłuższy czas bez zmęczenia i napięcia w szyi w wyniku wadliwej techniki.

pomyślałem też, że dołączę kilka prawd, z którymi każdy wokalista, klasyczny czy współczesny, musi się pogodzić, jeśli ma zostać odnoszącym sukcesy, niezależnym muzykiem.

• nie będziesz (i nie powinieneś) brzmieć jak artysta, który rozsławił Twój repertuar. Musisz być wystarczająco wygodny ze swoim własnym, niepowtarzalnym dźwiękiem, i musisz sprawić, że dźwięk stanie się najlepszy z Twoich możliwości za każdym razem, gdy śpiewasz. Zawsze dobrym pomysłem jest nagrywanie lekcji i porównywanie siebie z sobą na wcześniejszym etapie oraz ocena swoich wyników w oparciu o własne ulepszenia.
• czytanie nut jest ważne. Jest to nieoceniona umiejętność, ponieważ czyni cię niezależnym muzykiem. Czy kiedykolwiek widziałeś kawałek papieru, który został skopiowany i ponownie skopiowany? Z każdą kopią staje się ona coraz bardziej zamazana – w pewnym sensie tak dzieje się z muzyką, gdy nie pozyskujemy dla siebie Danych muzycznych – słuchamy cudzej interpretacji – czy kopii, dlatego możemy mieć nadzieję, że dzięki temu osiągniemy nieco bardziej zniekształcony obraz koncepcji, którą kompozytor początkowo starał się przekazać. W muzyce współczesnej lib. jest dopuszczalne, ale zanim stworzysz odmianę, musisz znać temat, a ta wiedza jest uzyskiwana na stronie.
• musisz znać cechy stylistyczne gatunku, który śpiewasz. Wiem, że może się to wydawać bezmyślne, ale słuchaj najlepszych wykonawców tego gatunku i obserwuj cechy stylu, które wyświetlają. W jakim okresie to zostało napisane? Czy często “biega” czy niepisane ozdoby? Czy oni lib., jeśli tak, to kiedy jest to stylistycznie właściwe? Czy zmieniają swoją dykcję? Czy używają sylab nie-słownych? Czy śpiewają, czy mówią rytmicznie na boisku? Ważne jest, aby słuchać krytycznie muzyki, aby określić, co sprawia, że gatunek różni się od innych.

przechodząc od nieklasycznego tła do klasycznego treningu, odkryłem, że najbardziej korzystne jest poznanie metody klasycznej. Jeśli zdecydujesz, że muzyka jest Twoim pożądanym zajęciem, najczęstszy Program muzyczny, który napotkasz na poziomie kolegialnym, wymaga pewnego stopnia klasycznego szkolenia, większość twoich kolegów z klasy będzie miała to doświadczenie w pewnym stopniu poprzez UIL, wszystkie konkursy solowe, a niektóre mogą nawet konkurować w krajowym Stowarzyszeniu nauczycieli śpiewaków (NATS) konkursy. Polecam klasyczne szkolenia, ponieważ wyposaża wokalistę w podstawowe elementy, aby odnieść sukces w ich muzycznej podróży poprzez zapewnienie: umiejętności czytania muzyki, kształcenia słuchu, wszechstronna technika, a co najważniejsze, niezależność śpiewać cokolwiek ich uszczęśliwić.