12 Great Coming-of-Age Movie Final-Scene Songs

um dos projetos de escrita que tenho estado a trabalhar neste inverno é o último Nove, um roteiro de chegada da idade que tenho estado a contribuir há mais de uma década. Construído em torno de um único incidente que eu me lembro da minha turma de espanhol do ensino médio quando eu tinha 17 anos de idade, os últimos nove conta a história de um adolescente cujo mundo começa a mudar quando ele faz um novo grupo de amigos nas semanas pouco antes de se formar do ensino médio.Apesar de eu saber que os roteiristas têm pouco controle sobre a trilha sonora uma vez que o filme foi produzido, eu escrevi o último nove com a sensação de que a capa de Woody Guthrie da família Carter “Will You Miss Me When i’m Gone,” vai jogar como os personagens se reúnem pela última vez, na cena final. Esta canção folclórica sombria e sentimental vai definir apenas o tom certo — ou, mais precisamente, o sentido certo de justaposição irônica-como os personagens saem de casa (em sua própria, forma de baixa parada) pela primeira vez.

A música desempenha um papel importante em todos os filmes, mas as canções individuais sempre tiveram uma presença pontiaguda — e ressonância psíquica — em filmes de vindoura de idade. Algumas das minhas memórias mais fortes como cinegrafista vieram naqueles momentos inefáveis em que uma canção estrategicamente escolhida intensifica o impacto emocional de um filme inteiro.Listei aqui os meus 12 momentos favoritos de fim de filme, juntamente com os meus pensamentos sobre o porquê destas escolhas musicais serem tão eficazes. Eu tenho focado em canções, em vez de filme-pontuação música, o que deixa de fora um punhado de ressonância coming-of-age de filmes que terminam com variações sobre a história da música tema (como Maurice Jarre está mexendo tema para Poetas Mortos da Sociedade, e Nicholas Britell devastador leitmotiv de Luar). Descrevi-os aqui menos por “rank” do que por como me lembrei deles.

Simple Minds ‘” Don’t You (Forget About Me),” from the Breakfast Club

this is a quintessential end-of-movie song, from a quintessential teen-movie end-scene, written and directed by quintessential teen-movie auteur John Hughes. Lembro-me de ver o Breakfast Club em VHS aos 15 anos, em 1986, e pensar que Hughes tinha alcançado algo singular e verdadeiro para a vida adolescente.Anos mais tarde, parece que os soliloquies confessionais (e par romântico repentino) entre os personagens díspares do Breakfast Club foram mais idealizados do que realistas. Ainda assim, não há dúvida de que foi um filme inovador em termos de como adolescentes americanos — e seus medos, esperanças e preocupações — foram retratados na tela. “Don’t You (Forget About Me)” sublinha os riscos (quem são estes miúdos, e o que significarão uns para os outros depois de hoje?) durante o momento climático da rebelião simbólica do filme: Brian lendo seu ensaio “you see us as you want to see us” em uma voice-over como Bender bombeia seu punho para o ar e os créditos rolam.Curiosamente, a banda de rock escocesa Simple Minds foram inicialmente resistentes à gravação da canção, que foi composta pelo produtor Keith Forsey e pelo guitarrista Steve Schiff (Bryan Ferry e Billy Idol já tinham recusado a oportunidade). Eles eventualmente cederam sob pressão de sua gravadora, e a banda agora é lembrada por esta canção — e a maneira como evoca a imagem final triunfante do Breakfast Club.

Ben E. King’s” Stand By Me, “from Stand By Me

Whereas” Don’t You (Forget About Me) ” played at both the beginning and ending of the Breakfast Club, different variations of Ben E. King’s eponymous soul tune play throughout Stand By Me. Eu tinha 15 anos indo em 16 Quando eu vi este filme pela primeira vez, e de alguma forma eu achei esses quatro personagens (que tinham 12 indo em 13) para ser profundamente, moventemente relacionável.

o ensaísta Louis Menand escreveu (no contexto do Catcher de Salinger no Centeio) que a nostalgia está no seu auge quando ainda somos jovens, e ficar ao meu lado deixou o meu desejo de 15 anos pela pessoa que eu tinha aos 12 anos. Este não é um filme particularmente feliz-é, afinal, sobre um grupo de meninos que partem para encontrar um corpo morto — mas algo sobre a forma como os personagens confrontam a morte de sua própria juventude pré-adolescente fez-me perder a minha própria.Não fazia ideia de que estar ao meu lado era baseado numa novela de Stephen King quando a vi pela primeira vez, mas, em retrospectiva, o seu enredo principal — jovens personagens que partem sozinhos, sem adultos, para entrar em aventuras e combater os seus demónios — é muito verdadeiro para o seu maior corpo de trabalho. Uma espécie de nostalgia que perpassa o filme da narrativa, não apenas no fato de que seus pontos turísticos e canções evocam uma pequena cidade da América no final dos anos 1950—, mas também no fato de que a história é narrada pelo adulto, Gordie (Richard Dreyfuss), que está olhando para trás em sua juventude, depois de ler sobre a morte de seu amigo de infância.

assim como “não (se Esqueça de Mim)”, enfatiza o tenuousness de amizade no Clube de Café da manhã, a canção “Stand By Me”, em última análise, serve para lamentar o evanescence do vínculo entre os quatro rapazes no filme, ajudando-o a articular o sentimento de perda Rei tenta descrever nas linhas de abertura de sua novela:

“As coisas mais importantes são as mais difíceis de dizer. São as coisas de que te envergonhas, porque as palavras as diminuem… as coisas mais importantes estão muito perto de onde o teu coração secreto está enterrado, como marcos de um tesouro que os teus inimigos adorariam roubar. E você pode fazer revelações que lhe custam caro apenas para que as pessoas olhem para você de uma maneira engraçada, não entendendo o que você disse em tudo, ou por que você pensou que era tão importante que você quase chorou enquanto você estava dizendo isso. Isso é o pior, acho eu. Quando o segredo fica trancado não por falta de um caixa, mas por falta de um ouvido compreensivo.”

a passagem do tempo sempre foi uma obsessão temática para o diretor Richard Linklater, de seu filme Breakout Slacker (ver abaixo), até sua trilogia antes do nascer do sol/Pôr-do-sol/meia-noite, até sua inovação multi-ano vindoura projeto infância. The largely plot-free Dazed and Confused takes place over the course of a single 24-hour period as it follows several interlinked groups of Texas teens on the last day of the 1976 school year. A música aqui é específica do período e perfeita, a partir de “Sweet Emotion” do Aerosmith na cena de abertura, bem acima através do hino Fogh que explode nos auscultadores de Mitch como vemos Wooderson, Pink, Slater, e Simone cruise em uma rodovia aberta antes dos créditos rolar.

I saw Dazed and Confused the week it came out, in The fall of 1993, when I was living in Seattle — and I walked out of the theater in a haze, as if I had been transported back to my Kansas youth five years earlier. De alguma forma, o 1976 fictício de Linklater evocou perfeitamente o que 1988 me pareceu quando eu estava em 1993. Agora, 25 anos depois, evoca-me o ano de 1993 atordoado e confuso, tanto quanto qualquer outra coisa, mesmo que continue a evocar memórias de 1988 (e 1976). Por incrível que pareça, de 1993, era incrivelmente distintas ano para mim — eu tinha 22 anos, tinha acabado de se formar da faculdade, e eu estava trabalhando como um paisagista em Seattle, no auge do grunge — ainda que parte do caminho eu experimentei foi por desejo de ser diferente, mais provinciais (e de muitas maneiras menos interessante) tempo de minha própria vida.

A linha mais icônica em Dazed e confusa vem do longo-desde-graduado hanger-on Wooderson (interpretado por um então desconhecido Matthew McConaughey), que diz, “Isso é o que eu amo sobre essas meninas do ensino médio, homem. Eu envelheço, eles continuam na mesma idade.”Um quarto de século depois, a mesma coisa poderia ser dita para os personagens do filme, incluindo Wooderson: as crianças que eu vejo na tela não envelhecem, o que só ressalta a maneira como o atordoado continua a me lembrar de várias vezes da minha própria vida — múltiplos, momentos distantes de estar vivo-à medida que eu envelheço.

como nota de rodapé aqui, “Slow Ride” de Foghat não era para ser a faixa de encerramento para Dazed e confuso, mas Linklater não poderia garantir os direitos de “Rock and Roll” do Led Zeppelin (como a história vai, o guitarrista Jimmy Page estava bem com isso, mas o cantor Robert Plant não iria assinar). Pode-se entender por que Linklater iria querer esta música para o filme (que em si foi nomeado para uma canção do Led Zeppelin), embora em retrospecto “Slow Ride” é uma maneira muito perfeita de terminar o filme.

Eddie Vedder, do “Hard Sun”, a partir do Into the Wild

eu vim tarde para Sean Penn filme de adaptação de Into the Wild, em grande parte porque eu não acho que ele teria muito novo para oferecer, já tendo lido e apreciado Jon Krakauer do livro. Quando finalmente o vi, a representação do filme da condenada peregrinação americana de Alexander Supertramp afetou-me de uma forma muito mais intuitiva e pessoal do que o livro. Esse é o poder dos filmes, eu acho, pelo menos quando eles trabalham bem: eles capturam o sentimento de uma forma que vai além do conteúdo factual ou intelectual.

o que quer dizer que, enquanto o livro de Krakauer estava absorvendo, a versão do filme “Into The Wild” era relacionável de uma forma que eu não esperava que fosse. Na página escrita eu pude ver como a vida de Christopher MacCandless poderia ser semelhante à minha (eu tinha 21 anos no mês em que ele morreu, e tinha ido em caminhadas solo na Península Olímpica de Washington naquele mesmo verão), mas na tela parecia que sua jornada de vida era inseparável dos mesmos ideais audaciosos que me enviaram em meu próprio caminho vagaroso em torno da mesma época da vida. Tal como o Chris, saltei de comboio e vagueei pelo Oeste americano quando tinha vinte e poucos anos, inspirando-me nos volumes de Thoreau, Whitman e Edward Abbey. Como Chris, eu era viciado em novidade e possibilidade; eu me coloquei através de inúmeras pequenas auto-iniciativas no deserto, e eu encontrei algo sagrado em minha gradual acumulação de aventuras.Eu disse muitas vezes que Vagabonding, o livro que resultou de minhas andanças juvenis, era uma espécie de carta para o meu eu de 17 anos-e depois de assistir ao Selvagem eu fui lembrado de como, quando você é jovem, há dois perigos inerentes à ânsia juvenil de liberdade e pureza. Uma é que você será muito tímido para realmente se libertar e vaguear-mas a outra é que você vai romantizar a jornada uma vez que ela está em andamento, o que pode ser menos do que ideal para você e para as pessoas que você deixa para trás. Na natureza, tanto o livro quanto o filme, servem como uma espécie de conto de advertência contra este romantismo impetuoso, convencido e auto-mitologizante — mesmo quando a história de Chris continua a inspirar um monte de peregrinos e imitadores.

considerando o que aconteceu com MacCandless / Supertramp, Into The Wild é um conto decididamente escuro, mas de alguma forma a pontuação folky de Eddie Vedder — e, em particular, a sua capa soul de “Hard Sun” de Gordon Peterson na cena final — sustenta a história com um senso esperançoso de anseio existencial.

“Bad Reputation” de Freedy Johnston, de chutando e gritando

por volta do início da década de 1990, uma série de filmes auto-conscientemente hip foram feitos com o mercado da Juventude” Generation X ” em mente — pense em Reality Bites, Singles, Empire Records, etc. – mas poucos eram tão engraçados e comoventes como chutar e gritar, a estreia do auteur Noah Baumbach em 1995. Enredo-wise, o filme não é muito significativa — é sobre um grupo de quatro amigos que não pode deixar a faculdade, depois de ter se formado, mas seus loquaciously deprimido (e afavelmente sem noção) caracteres epitomze existencial estase que pode aperto de homens jovens no momento em que eles deveriam estar fazendo algo de si na vida.

uma parte sentimental de mim está convencida de que eu assisti este filme altamente relacionável na mesma fase da vida que Grover, Max, Otis e Skippy, seu quarteto de personagens graduados recentemente. Na verdade, eu vi isso quase três anos após a graduação da faculdade, enquanto eu estava preso em um ponto morto pessoal/profissional entre a conclusão bem sucedida da minha primeira viagem vagando, e minha eventual mudança para a Coreia para ensinar inglês (e prolongar minhas aventuras vagando).

Chutando e Gritando é, em parte, sobre a súbita perda de status social que acompanha a graduação, quando atiradas para fora da lagoa pequena faculdade e para o agitado mar da vida — e, de alguma forma, os personagens de ” auto-impostas paralisia e sofrimento em face do resto de suas vidas, fez a minha própria situação de se sentir um pouco mais tolerável. Os quatro personagens principais todos usam casacos esportivos — como se, Baumbach observou, eles são crianças jogando em ser adultos — e eu fui tão levado por esta afetação que eu comprei uma jaqueta esportiva para usar no trabalho quando eu parei para a Coreia no final de 1996.

de longe, os personagens mais maduros em chutar e gritar são as namoradas dos protagonistas de longo sofrimento, e o momento climático do filme vem quando Grover (interpretado por Josh Hamilton) finalmente toma a decisão de ir e se juntar a sua antiga amante Jane (Olivia D’abo) em Praga. “Vai ser uma boa história da minha vida de jovem adulto”, diz Grover enquanto ele se empolga no balcão da companhia aérea. “Sabes, aquela vez que escolhi ir para Praga.”

esta penúltima cena de partida do aeroporto é seguida por um dos meus finais favoritos de todos os tempos-um flashback subestimado que detalha os momentos antes do primeiro beijo de Grover e Jane muitos meses antes. Parece piroso até mesmo digitá — lo aqui, mas de alguma forma — no momento pouco antes da “má reputação” de Johnston chuta-Soliloquy de Grover para Jane sobre desejar que eles fossem um velho casal (seguido pela auto-consciência de Jane sobre se deve ou não tirar seu retentor) atinge o tom ideal de constrangimento Romântico.

Led Zeppelin “Tangerina,” Quase Famosos

Cameron Crowe em grande parte autográfica conto de viajar a América através rock-n-roll tour em ônibus com 15 anos, Rolling Stone, o jornalista não é tão directamente relacionáveis como os outros coming-of-age de filmes que mencionei, mas é tão divertido muito. Muitos do filme os melhores momentos da dobradiça em música — talvez nenhum tão em êxtase quando todo o elenco grita junto a Elton John “Tiny Dancer”, depois de uma banda de precipitação (reunião) em Topeka — e Led Zeppelin “Tangerina” fornece um bom coda para o momento Vai Miller (Patrick Fugit) e Russell Hammond (Billy Crudup), finalmente — depois de tantos quilômetros na estrada juntos, sente — se à Vontade para discutir música com um coração aberto caminho.

Os Caras “Ooh La La” a partir de Rushmore

Muito tem sido dito sobre o diretor Wes Anderson estilo visual, mas suas escolhas musicais são tão distintas e no Rushmore, Anderson icônico de 1998, segundo esforço, o filme a trilha sonora é tanto de um personagem como Jason Schwartzman do overachieving adolescente Max Fischer, Bill Murray meia-idade magnata Herman Blume. A nossa introdução às ambições extracurriculares exageradas de Max não seria a mesma sem a montagem do anuário definida para a criação “Making Time”, e a sequência de vingança Max-versus-Herman atinge o seu culminar amargo na melodia da Who’s “a Quick One, While He’s Away. A cena final de Rushmore encontra seu tom consumado graças à canção bittersweet 1973 dos Faces “Ooh La La.”

Os Campos Magnéticos’ “mais triste da História Já Contada”, A partir do Mito de Americana, festa do Pijama

David Robert Mitchell fugia filme foi um assustador 2014 adolescente-o sexo filme de terror chamado Segue — mas sua estréia cinematográfica veio três anos anteriores, com o lançamento de O Mito de Americana, festa do Pijama, que foi filmado em Michigan em um orçamento apertado e nunca foi para o grande lançamento no cinema. Eu vi-o por acaso no centro de cinema Angelika enquanto visitava Nova Iorque no verão de 2011, e fiquei enamorado pela forma como este filme discreto (cheio de atores desconhecidos) capturou algo tangível e ressonante sobre a vida adolescente.

A ironia aqui é que há uma indefinição deliberada para o mito da dormida Americana, uma vez que não parece ocorrer durante qualquer período de tempo específico. Ele se sente um pouco contemporâneo, por exemplo, mas nenhum dos personagens usa telefones celulares ou a Internet — e as “dormidas” do final do verão implícitas pelo título se sentem pitorescas e anacrônicas, mesmo quando as experiências que os personagens têm lá se sentem emocionalmente específicas e relevantes. Dorminhoco não tem um final epifânico como o Breakfast Club (ou um ebuliente como Dazed e confuso), mas a “história mais triste já contada” dos campos magnéticos, juntamente com Balthrop, Alabama “Love to Love You”, marcar a nota emocional certa para este filme surpreendentemente afetando uma vez que os créditos rolam. (Ambas as músicas também aparecem no trailer do filme.)

Horst Wende e Sua Orquestra “Skokiaan,” a partir de Preguiçoso

Richard Linklater segunda característica quase não se qualifica como uma coming-of-age de filme, desde o Preguiçoso a câmera raramente persiste em um personagem por muito tempo, e nenhum deles aparecem para transformar em qualquer forma perceptível. Ainda assim, há algo alegre e energizante sobre a sequência final do filme, quando um grupo de personagens jovens se filmam dirigindo (e, em seguida, subir) para o topo do Monte Bonnell, perto de Austin. “Skokiaan” é uma canção pop de 1947 do músico zimbabuense August Musarurwa, e sua versão mais famosa é provavelmente a versão de 1954 de Louis Armstrong — mas a capa do líder da banda alemã Horst Wende em 1958 bate um tom retro agradável para os quadros finais de Slacker.

na faixa de comentário do DVD para o filme, Linklater diz que esta sequência final — que parece presenciar a forma como os jovens na era do smartphone hyper-documentar suas próprias vidas — foi inspirado por um curta-metragem de Bill Daniel. Linklater esperava completar o filme com a versão de 1969 de Peggy Lee de Leiber e Stoller De ” Is That All There Is?”mas teve que se contentar com “Skokiaan” e “Strangers Die Everyday” do Butthole Surfer, quando ele não conseguiu garantir direitos para a canção de Lee. Para o meu ouvido, as estirpes assustadoras de “Strangers Die Everyday” fornecem uma textura emocional melhor como os créditos preguiçosos rolam, já que ” é tudo o que há?”parece um pouco no nariz para um filme tão bizarro.

Terceiro Olho dos Cegos “Semi-Charmed Life”, de American Pie

Apesar de Paul e Chris Weitz do adolescente-o sexo a comédia American Pie, em 1999, ele se sente muito parecido com um filme de 1980 — e foi, provavelmente, a última vez que eu assisti um filme teen com um pouco adolescente sensibilidade. A verdadeira homenagem à vida adolescente americana que saiu em 1999 não foi um filme — foi o programa de TV Freaks e Geeks (que, a meu ver, foi a mais verdadeira evocação na tela da adolescência americana média já feita). No entanto, embora as hipérboles cômicas da torta americana não soem tão verdadeiras como aberrações e Geeks, foi um filme divertido de chegada-de-idade-tentando-perder-sua-virgindade.

eu tinha sido a mochila ao redor da Ásia e da Europa Oriental para a maioria de 1999, e enquanto eu provavelmente estava um pouco velho demais o apreciam devidamente a trilha sonora, as músicas que aparecem no filme a última cena do filme — o Terceiro Olho dos Cegos “Semi-Charmed Life” e Bare Naked Ladies’ “Uma Semana” — leve-me de volta para que eu passei a vaguear Oriente (como outras one-hit wonders de todo o tempo que o mesmo, como Fatboy Slim “The Rockafeller Skank,”Blink-182 “a Pequenas Coisas, A” Chumbawamba ‘s “Tubthumping,” Smash Boca “Walkin’ On The Sun”, e A Verve de “Bitter Sweet Symphony.”

Yello’s” Oh Yeah, ” from Ferris Bueller’s Day Off

I positively loved Ferris Bueller’s Day Off when It came out in 1986, and it remains one of my favorite teen movies. As pessoas, em retrospectiva, menosprezaram o personagem Ferris Bueller como um pouco de um ranho privilegiado — mas ficou claro para mim, mesmo quando adolescente, que o dia de folga de Ferris Bueller era menos um comentário realista sobre a vida adolescente do que um filme de fantasia caprichoso que se pretendia divertir tanto quanto possível com a sua premissa.

Além disso, é fácil, em retrospecto, para esquecer o quão singular de um personagem Ferris foi: Em um momento teen filmes, por muitas gerações, foi caracterizar os protagonistas em termos de grupo orientado por estereótipos, Ele era único para ele mesmo — um smart, peculiar, hyper-articular (e não necessariamente atlético ou o hyper-masculino) de amigo para todos que andou pelo mundo a irreprimível força de seu próprio carisma. “Oh Yeah”, a faixa instrumental singularmente estranha de Yello, definiu a textura perfeita de fim de filme como os créditos rolados e Diretor Rooney teve sua comutação (e o próprio Ferris atirou-nos para fora do Teatro).

David Bowie “Heróis” das Vantagens de Ser um chá de cadeira

Por razões que eu não posso explicar, eu descobri e li (e amado) Stephen Chbosky, de 1999, YA-mercado romance As Vantagens de Ser um chá de cadeira quando eu estava em meus trinta e tantos anos. Em um nível lógico, a história em si não faz muito sentido — o protagonista é um calouro inadaptado que cai perfeitamente com um monte de idosos hip (e de alguma forma tem força física sobre-humana). No entanto, estranhamente, em um nível emocional, a história é spot-on em sua evocação de anseios Adolescentes, particularmente como expresso através de canções como o “sono dos Smiths”.”

a versão cinematográfica de Wallflower, que foi dirigido pelo próprio Chbosky, não funcionou muito bem para mim — embora a cena final (quando Charlie corre através do túnel Fort Pitt de Pittsburgh na parte de trás de uma pickup, declarando, em voz alta, que “nós somos infinitos”) faz um grande final. No livro esta cena ocorre para “Landslide” de Fleetwood Mac; no filme a canção é trocada com “Heroes” de David Bowie — e é uma escolha que atinge o tom perfeito como o filme corta para os créditos.