A Importância da Formação Clássica em um Mundo Contemporâneo

Por Kristen Stevens

Quando as pessoas pensam de uma formação clássica cantor, alguns de som-tipos pode vir à mente: talvez um squawky, quadrado, músico com um ego do tamanho do Texas? Como um educador de música que passou por treinamento clássico através do programa universitário, estudou vários estilos e gêneros, bem como tendo realizado a maioria deles; Estou convencido de que uma técnica clássica é a maneira de ter sucesso em qualquer gênero. Muito parecido com o dançarino classicamente treinado pode transferir seu controle do corpo para se mover da maneira que é chamada na dança moderna, descobrimos que é o dançarino moderno que não pode amarrar um par de sapatos pontiagudos e executar os movimentos necessários de uma bailarina. Como o dançarino clássico, o cantor clássico tem a capacidade de transferir sua técnica vocal para qualquer gênero ou estilo é solicitado. A cantora clássica Kathleen Battle canta a peça de jazz, Summertime, de Gershwin.A minha experiência está enraizada na tradição contemporânea e clássica. Quando perguntado para se apresentar para vários eventos, minha voz deve ser maleável o suficiente para cantar com inflexão estilística correta e som genuíno, toda a música que é solicitada de mim; eu posso fazer isso com facilidade devido ao meu treinamento clássico. Infelizmente, é raro para o cantor contemporâneo transferir sua técnica para se adequar ao estilo clássico, e às vezes sua técnica é tão limitada que pode até restringi-los a um estilo singular de música. Mesmo os artistas contemporâneos mais talentosos lutam para manter a correção estilística ao tentar cantar no estilo clássico.

a orelha pode facilmente distinguir que existem grandes diferenças entre os gêneros, no entanto, a maioria das pessoas que não foram formalmente treinados em música têm dificuldade em colocar em palavras as diferenças que a orelha identifica. Abaixo vamos provar algumas das várias diferenças e também entrar em um pouco de por que as coisas são feitas da maneira que são.

amplificação e valorização eletrônica

uma das diferenças mais notáveis entre o cantor clássico e o cantor contemporâneo é o uso de equipamentos eletrônicos para amplificar e melhorar o som da voz. O cantor clássico raramente usa um microfone ou qualquer outro aprimorador eletrônico devido ao treinamento, colocação e técnica a que se associam. Na maioria das vezes, se um microfone/ microfones são vistos em uma performance, geralmente é para fins de gravação ao invés de amplificação. No entanto, devido ao tamanho crescente de locais de desempenho, está lentamente se tornando mais aceitável usar o microfone para arenas muito grandes e Eventos Ao ar livre. É também muito desafiador para engenheiros de áudio / equipes de som para obter um bom som para o cantor, porque a música, ópera ou música de arte, muitas vezes vai chamar por dinâmicas extremas e às vezes em terraços (mudanças rápidas entre o som extremamente suave e extremamente alto,) também é difícil alcançar um bom tom sem o cantor soar muito ousado ou pontiagudo. Este tipo de voz é normalmente melhor apreciado, enquanto estar a pelo menos 6 metros do cantor.

os vocalistas contemporâneos muitas vezes dependem fortemente da amplificação eletrônica. Isto é principalmente devido à colocação e entonação do som, também o uso de instrumentos amplificados contribui para a necessidade de equilíbrio entre vocalistas e instrumentalistas. (Antes de fazer a seguinte declaração, por favor, entenda que eu percebo que há vocalistas contemporâneos muito talentosos no mundo, infelizmente, eles raramente são os ouvidos na rádio. Artistas contemporâneos muitas vezes usam realce vocal e auto Sintonizadores para corrigir suas falhas vocais, criando assim o estúdio de gravação, que é então limpo e processado para criar o produto que você ouve no rádio ou outro dispositivo de música portátil. É por isso que as pessoas às vezes podem se decepcionar quando ouvem seus shows favoritos da banda/ artista ao vivo ou conjuntos acústicos.

dicção

uma enorme diferença que você vai notar entre clássico e contemporâneo é o uso de cada entidade da dicção. Na música contemporânea, a língua é mais frequentemente conversacional, ao contrário do clássico, que muitas vezes emprega longos períodos legato de palavras correndo em outro, separado por algumas consoantes duras. A cantora Contemporânea vogais, são também por vezes modificado para criar algum efeito peculiar ou a linguagem que é usada para descrever alguma emoção( i.e.; a palavra “cabelo” pronuncia-se “hayyyer”), também a mudança para o segundo som do dipthong (dois sons de vogais que ocorrem em uma única sílaba, unseparated por uma consoante) mais cedo do que seria usado em uma conversação normal (i.e.; a palavra “vida” pronuncia “lieeef”.)

no canto clássico, como mencionado anteriormente, existem tipicamente consoantes de som crisp, isso é devido à falta de amplificação eletrônica. O cantor usa as consoantes para cortar o som da orquestra ou instrumentos de acompanhamento, a fim de que a linguagem possa ser identificada como bem compreendida. O cantor clássico se esforça para cantar na vogal ao invés da consoante, e muitas vezes procrastina a fonação do segundo som do diptongo; este é o padrão, salvo instruções em contrário na partitura musical. O cantor clássico também lê a música e o alfabeto Fenético Internacional (IPA), a fim de garantir a pronúncia correta das várias línguas em que podem ser obrigados a cantar.

línguas

é necessário que o cantor clássico se apresente em várias línguas, a fim de fornecer autêntica, período de replicação do projeto original do compositor. O cantor vai muitas vezes fazer cursos que explicam os vários símbolos que são usados para expressar os fonemas (as menores unidades de som de fala) a que eles estão associados (i.e.; um cantor clássico vai ler na transcrição IPA, e para eles significa pronunciar a vogal “e” como em “me” ou talvez eles vão ler o símbolo e pronunciá-lo “uh” como em “caramelo.”) Além da pronúncia correta, o cantor também deve pesquisar a palavra para tradução de palavras, bem como a tradução poética, a fim de permitir a inflexão adequada do texto. Isso provavelmente é tão crucial quanto a pronúncia correta, porque muitas vezes o público não vai entender a linguagem, e, portanto, contar com o artista para expressar a emoção da peça através da expressão facial e gestos corporais.

na tradição contemporânea, as canções são tipicamente cantadas em vernáculo, a menos que a canção seja destinada a audiências multi-culturais, em que caso, alguns cantores irão executar parte do concerto, álbum, etc. em uma língua particular, em seguida, mudar para outra língua para uma porção diferente do conjunto. Cantar em vernáculo permite que o performer se concentre mais na inflexão e menos na linguagem. O que é comum em ambos os estilos é que a música e as palavras devem ser memorizadas antes do desempenho público é perseguido.Vibrato é a oscilação ou vibração sobreposta em um passo sustentado. É muitas vezes descrito como a qualidade cintilante, tremulante ou oscilante de uma determinada voz, e naturalmente ocorre em alguma medida em qualquer voz saudável. No canto clássico, o vibrato começa imediatamente após a consoante, e permanece consistente por todo o lado. A exceção é que se o cantor está realizando uma obra do período renascentista ou barroco, nesse caso, um tom puro pode ser mais estilisticamente correto. Vibrato é um componente chave da entonação e performance geral para o cantor clássico.

o cantor contemporâneo também emprega o uso de vibrato, embora porque a música é mais conversacional, o vibrato é tipicamente reservado para ornamentação do fim das notas sustentadas. No entanto, há ocasiões em que o cantor contemporâneo usa vibrato com mais frequência, geralmente é muito sutil e pode ser usado dramaticamente durante as partes mais suaves da canção para garantir um som central, ao invés de um som arejado, mantendo a dinâmica desejada.

neste vídeo, O instrutor Kerri Ho descreve técnicas frequentemente utilizadas para desenvolver vibrato consistente.

registra

no canto clássico, a voz deve soar como uma entidade singular, com transições sem emenda entre os registradores. Com muitas horas de prática e metodologia de estímulos nós, puxando-nos, empurrando-nos, Julia Child-ing-nos através do passagio (ponto de transição entre registradores) para criar uma transição suave, a cantora de música clássica esforça-se para a singularidade do som que vem quando a ressonância espaços são equilibrados e não há acesso para superior e inferior registradores. Essencialmente isso significa que eles se esforçam para manter a voz soando como se pertencesse à mesma pessoa em qualquer registro que eles estão cantando (i.e.; não soando como Idina Minzel enquanto na voz do peito, em seguida, soando como Paris Hilton na voz da cabeça.)

na época, há muito menos ênfase em um passágio sem emenda, muitas vezes a voz do peito é levada ao extremo criando o som referido como “belting”.”Não é incomum para um cantor ter uma voz forte no peito, mas, em seguida, dar um salto perceptível para a luz, som menos focado da voz da cabeça. No entanto, quando um cantor contemporâneo passa limpo pelo passagio, as pessoas notam o quão talentosos estes indivíduos são para ter uma gama tão “forte e ampla”. O “break” (odeio este termo porque nada em sua voz é realmente quebrado, mas se refere ao fim de um determinado registro) nos registros é às vezes usado por artistas contemporâneos para criar efeito dramático.

espaços ressonantes

o corpo humano contém os seus próprios espaços ressonantes que permitem que as vibrações da prega vocal manifestem e amplifiquem o som produzido. O corpo contém quatro câmaras ressonantes principais que cada cantor deve conhecer: cabeça, boca, nasal e peito. Estes não devem ser confundidos com registos. Estes são os espaços que ajudam a criar uma certa intensidade sem forçar a voz.

na música clássica, o objetivo é criar o máximo de espaço possível em todo o espaço ressonante disponível. O único espaço que não é usado no canto clássico é a ressonância da boca, principalmente devido ao tecido mole (mandíbulas e língua) que atua como uma entidade absorvente de som. O ato de criar espaço é alcançado baixando a laringe e elevando o palato macio, a fim de ter pleno acesso aos outros três ressonadores. O uso adequado destes espaços ressonantes resulta na independência do cantor clássico dos dispositivos de amplificação.

os gêneros contemporâneos usam espaços ressonantes de forma diferente. Na música popular, o artista muitas vezes canta com a ressonância da boca, ou a ressonância da fala, porque a música tende a ser conversacional. No teatro musical, a colocação tende a estar na ressonância nasal / máscara, e tem um som muito avançado. Rock, alternative, rhythm and blues, and jazz all rely heavily on the microphone, as does popular music and similarly, resonation is not as emphasised, although a good balance is desirable.

a leitura da música

a leitura da música é necessária ao cantor clássico, não apenas a leitura da música (sabendo que o segundo espaço do treble, ou G staff é um a), mas espera-se que o cantor clássico seja capaz de ver a leitura da música (cantar o que a página dirige sem uma audição prévia). A razão pela qual considero a leitura de música uma parte tão importante do treinamento de qualquer músico, é porque você, o artista, confia em si mesmo para criar e interpretar a música, e não tem que confiar na interpretação de outra pessoa.

alguns cantores contemporâneos lêem música, este é geralmente o resultado do programa de música da Escola Pública ou Estúdio de música que empurra a leitura da música como parte de seu currículo. Geralmente os cantores contemporâneos entendem os elementos básicos da leitura da Música, no entanto, a menos que estejam compondo sua própria música, ela não é estressada e raramente é apreciada. Embora a leitura da música seja essencial, o desenvolvimento e a prática da audição (ou audição interior) devem ser aprendidos também ou a leitura da música não vai beneficiar o cantor. Às vezes, a fim de compensar a falta de habilidade na leitura da música, os cantores contemporâneos podem confiar mais na audição para aprender a música, mas geralmente podem improvisar e improvisar com facilidade.

transferência de técnica

pode vir como uma surpresa que muitas vezes sou obrigado a cantar música contemporânea. Eu também devo admitir que antes de cantar Colegial, Eu não tinha tido qualquer treinamento clássico, tornando a escola de música muito mais desafiador. Antes de minha experiência universitária, eu frequentemente liderava a adoração para a minha igreja e fazia alguns shows com alguns amigos cantando alguma Música Alternativa/rock, e sim, eu fiz tudo errado: eu nem sabia que tinha um registro superior – era só voz do peito. Escusado será dizer que o meu primeiro semestre de voz privada foi uma grande luta. No entanto, depois que minha técnica foi sólida, eu fui capaz de transferir os conceitos de canto vocal clássico para o meu estilo contemporâneo de música, e muito para minha surpresa, eu soava muito melhor. Para mim, os benefícios do treinamento clássico se manifestaram em outros gêneros, além do repertório clássico. Os benefícios do canto contemporâneo incluíam: uma faixa alargada, o que significava que eu poderia cantar uma variedade mais ampla de música, canto correto em todos os diferentes registros por longos períodos de tempo, sem fadiga ou tensão no meu pescoço, como resultado de técnica defeituosa.Também pensei que incluiria algumas verdades com as quais todos os cantores, clássicos ou contemporâneos, têm de aceitar, se quiserem tornar-se um músico independente e bem sucedido.

• você não vai (e não deve) soar como o artista que fez seu repertório famoso. Você precisa estar confortável o suficiente com o seu próprio som único, e você precisa fazer esse som acontecer ao melhor de sua capacidade cada vez que você canta. É sempre uma boa ideia gravar as suas lições e comparar-se a si próprio numa fase anterior, e avaliar o seu desempenho com base na sua própria melhoria.
• ler a partitura é importante. Esta é uma habilidade inestimável porque faz de você um músico independente. Você já viu um pedaço de papel que foi copiado e copiado novamente? Fica cada vez mais desfocado com cada cópia – em certo sentido, é o que acontece com a música quando não obtemos os dados musicais para nós mesmos – ouvimos a interpretação de outra pessoa – ou uma cópia, portanto tudo o que podemos esperar alcançar por isso é uma imagem ligeiramente mais distorcida do conceito que o compositor estava originalmente tentando transmitir. In contemporary music lib. é aceitável, mas antes de elaborar uma variação, você precisa conhecer o tema, e esse conhecimento é obtido na página.Você deve conhecer os traços estilísticos do gênero que está cantando. Sei que isto pode parecer fácil, mas ouçam os melhores artistas do género e observem os traços de estilo que exibem. Em que período de tempo isso foi escrito? Fazem “runs” frequentes ou ornamentos não escritos? Eles liberam., em caso afirmativo, quando é estilisticamente apropriado fazê-lo? Alteram a dicção? Usam sílabas que não sejam palavras? Eles cantam, ou falam ritmicamente em campo? É importante ouvir criticamente a música para determinar o que torna o gênero diferente de outro.

transitando de um fundo não-clássico para o treinamento clássico, eu descobri que é mais benéfico aprender o método clássico. Se você decidir que a música é sua pretendida profissão, a música mais comuns que você vai encontrar no nível colegial requer algum grau de formação clássica, a maioria dos seus colegas irão ter tido esta experiência, em certa medida, quer através de UIL, todos os estados-solo competições, e alguns podem até competir na Associação Nacional de Professores de Cantores (NATS) competições. Eu recomendo treinamento clássico porque ele equipa o cantor com o essencial para ser bem sucedido em sua jornada musical, fornecendo: habilidades de leitura de música, treinamento de ouvido, técnica versátil, e mais importante, a independência de cantar o que quer que os faça felizes.