12 Great Coming-of-Age Movie Final-Scene Songs

ett av de skrivprojekt jag har arbetat med i vinter är Last Nine, ett kommande åldersmanus som jag har chippat bort i mer än ett decennium nu. Uppbyggd kring en enda incident jag minns från min high school spanska klass när jag var 17 år gammal, Last Nine berättar historien om en tonåring vars värld börjar skifta när han gör en ny grupp vänner i veckorna strax innan han examen från high school.

även om jag vet att manusförfattare har liten kontroll över ljudspåret när filmen har producerats, har jag skrivit Last Nine med den meningen att Woody Guthries omslag av Carter-familjen “kommer du sakna mig när jag är borta” kommer att spela som karaktärerna samlas för sista gången, i slutscenen. Denna dystra, sentimentala folksång kommer att ställa in precis rätt ton-eller, mer exakt, rätt känsla av ironisk sammansättning — när karaktärerna lämnar hemmet (på egen hand, låga insatser) för första gången.

Musik spelar en viktig roll i alla filmer, men enskilda låtar har alltid haft en spetsig närvaro — och psykisk resonans — i kommande åldersfilmer. Några av mina starkaste minnen som filmbesökare har kommit i de ineffektiva ögonblicken när en strategiskt vald låt intensifierar den emotionella effekten av en hel film.

jag har listat mina 12 favoritlåtstunder i slutet av filmen här, tillsammans med mina tankar om varför dessa musikval var så effektiva. Jag har fokuserat på fristående låtar snarare än filmmusik, vilket lämnar ut en handfull resonanta filmer som slutar med variationer på historiens temamusik (som Maurice Jarres rörande tema till Dead Poets Society och Nicholas Britells hjärtskärande sökmotiv från Moonlight). Jag har specificerat dem här mindre av” rang ” än av hur jag har kommit att komma ihåg dem.

Simple Minds “Don’ t You (Forget About Me),” från The Breakfast Club

Detta är en avgörande slut-av-film sång, från en avgörande teen-film slut-scen, skriven och regisserad av kvintessensen teen-film auteur John Hughes. Jag minns att jag tittade på The Breakfast Club på VHS vid 15 års ålder 1986 och tänkte att Hughes hade uppnått något singulärt och sant mot tonårslivet.

år senare känns det som att konfessionella soliloquies (och plötslig romantisk parning) bland de olika karaktärerna i The Breakfast Club var mer idealiserade än realistiska. Ändå är det ingen tvekan om att det var en banbrytande film när det gäller hur amerikanska tonåringar — och deras rädsla, förhoppningar och bekymmer — skildrades på skärmen. “Don’ t You (Forget About Me) ” understryker insatserna (vem är dessa barn, och vad kommer de att betyda för varandra efter idag?) under filmens klimatiska ögonblick av symboliskt uppror: Brian läser sin” Du ser oss som du vill se oss ” uppsats i en voice-over som Bender pumpar näven i luften och krediterna rullar.

intressant nog var det skotska rockbandet Simple Minds ursprungligen motståndskraftigt mot att spela in låten, som komponerades av producenten Keith Forsey och gitarristen Steve Schiff (Bryan Ferry och Billy Idol hade redan avvisat möjligheten). De gav sig så småningom under press från deras skivbolag, och bandet är nu ihågkommen för den här låten — och hur det framkallar den triumferande slutliga bilden av The Breakfast Club.

Ben E. King ‘ s “Stand By Me”, från Stand By Me

medan ” Don ‘t You (Forget About Me)” spelade både i början och slutet av The Breakfast Club, olika varianter av Ben E. Kings självbetitlade soul tune spela hela Stand By Me. Jag var 15 på 16 När jag först såg den här filmen, och på något sätt hittade jag dessa fyra tecken (som var 12 på 13) för att vara djupt, rörande relatable.

Essayist Louis Menand har skrivit (i samband med Salingers Catcher in the Rye) att nostalgi är som bäst när vi fortfarande är unga, och Stand By Me lämnade den 15-årige mig längtan efter den person jag var vid 12 års ålder. Det här är inte en särskilt glad film — det handlar trots allt om en grupp pojkar som sätter sig för att hitta en död kropp — men något om hur karaktärerna konfronterar bortgången av sin egen prepubescent ungdom fick mig att sakna min egen.

jag hade ingen aning om Stand By Me var baserad på en Stephen King novella när jag först såg den, men i efterhand sin kärnplott — unga karaktärer sätter sig på egen hand, utan vuxna, för att komma in i äventyr och slåss mot sina demoner — känns väldigt sant mot hans större arbete. En slags nostalgi räcker till filmens berättelse, inte bara i det faktum att dess sevärdheter och låtar väcker småstad Amerika i slutet av 1950-talet — utan också i det faktum att historien berättas av den vuxna Gordie (Richard Dreyfuss), som ser tillbaka på sin ungdom efter att ha läst om sin barndomsväns död.

precis som “Don’ t You (Forget About Me) “understryker vänskapens tenuousness i The Breakfast Club, tjänar låten” Stand By Me ” i slutändan till att sörja evanescensen av bandet mellan de fyra pojkarna i filmen och hjälper till att formulera känslan av förlust King försöker beskriva i öppningslinjerna i sin novella:

“de viktigaste sakerna är de svåraste att säga. De viktigaste sakerna ligger för nära varhelst ditt hemliga hjärta är begravt, som landmärken till en skatt som dina fiender skulle älska att stjäla bort. Och du kan göra avslöjanden som kostar dig dyrt bara för att få folk att titta på dig på ett roligt sätt, inte förstå vad du har sagt alls, eller varför du tyckte att det var så viktigt att du nästan grät medan du sa det. Det är det värsta, tror jag. När hemligheten förblir låst inom inte för att ha en teller men för att ha ETT förståelse öra.”

Foghats “Slow Ride”, från Dazed and Confused

tidens gång har alltid varit en tematisk besatthet för regissören Richard Linklater, från hans breakout-film Slacker (se nedan), till hans före soluppgång/solnedgång/midnatt trilogi, till hans innovativa fleråriga kommande åldersprojekt Boyhood. Den i stort sett plotfria Dazed and Confused äger rum under en enda 24-timmarsperiod eftersom den följer flera sammanlänkade grupper av Texas-tonåringar den sista dagen i läsåret 1976. Musiken här är periodspecifik och pitch-perfekt, från Aerosmiths “Sweet Emotion” i öppningsscenen, ända upp genom den berusande Foghat-hymnen som spränger i Mitchs hörlurar när vi ser Wooderson, Pink, Slater och Simone kryssning på en öppen motorväg innan krediterna rullar.

jag såg Dazed and Confused veckan det kom ut, hösten 1993, när jag bodde i Seattle — och jag gick ut ur teatern i en dis, som om jag hade transporterats tillbaka till min Kansas Ungdom fem år tidigare. På något sätt framkallade Linklaters fiktiva 1976 perfekt vad 1988 kände mig när jag var 1993. Nu-25 år senare-Dazed and Confused framkallar 1993 för mig så mycket som någonting, även om det fortsätter att framkalla minnen från 1988 (och 1976). Konstigt nog var 1993 ett otroligt distinkt år för mig — jag var 22, Jag hade just examen college och jag arbetade som landscaper i Seattle på toppen av grunge-men en del av det sätt jag upplevde det var genom att längta efter en annan, mer provinsiell (och många sätt mindre intressant) tid i mitt eget liv.

den mest ikoniska linjen i Dazed and Confused kommer från den sedan länge graderade hängaren Wooderson (spelad av en då okänd Matthew McConaughey), som säger: “Det är vad jag älskar om dessa gymnasieflickor, man. Jag blir äldre, de förblir i samma ålder.”Ett kvart århundrade senare kunde samma sak sägas om filmens karaktärer, inklusive Wooderson: barnen jag ser på skärmen åldras inte, vilket bara understryker hur vägen Dazed fortsätter att påminna mig om flera gånger i mitt eget liv — flera, avlägsna stunder av att leva-när jag blir äldre.

som en fotnot här var Foghats “Slow Ride” inte tänkt att vara slutspåret till Dazed and Confused, men Linklater kunde inte säkra rättigheterna till Led Zeppelins “Rock and Roll” (som historien går, gitarrist Jimmy Page var bra med det, men sångaren Robert Plant skulle inte logga ut). Man kan förstå varför Linklater vill ha den här låten till filmen (som själv namngavs efter en Led Zeppelin-låt), men i efterhand är “Slow Ride” ett ganska perfekt sätt att avsluta filmen.

Eddie Vedders “Hard Sun”, från Into The Wild

jag kom sent till Sean Penns filmanpassning av Into the Wild — till stor del för att jag inte trodde att det skulle ha mycket nytt att erbjuda, efter att ha läst och haft Jon Krakauers bok. När jag äntligen tittade på det, påverkade filmens skildring av Alexander Supertramps dömda amerikanska pilgrimsfärd mig på ett sätt som var mycket mer intuitivt och personligt än boken. Det är kraften i filmer, tror jag, åtminstone när de fungerar bra: de fångar känslan på ett sätt som går utöver faktiskt eller intellektuellt innehåll.

det vill säga att medan Krakauers bok var spännande, var filmversionen av Into The Wild relatable på ett sätt som jag inte hade förväntat mig att det skulle vara. På den skriftliga sidan kunde jag se hur Christopher MacCandless liv kan likna min egen (jag var 21 månaden han dog, och hade gått på solo vandringar i Washingtons Olympiska halvön samma sommar), men på skärmen kändes det som hans livsresa var oskiljaktig från samma berusande ideal som skickade mig på min egen vagabonding väg på ungefär samma tid i livet. Liksom Chris hoppade jag tåg och vandrade i det amerikanska västern när jag var i början av tjugoårsåldern och hämtade min inspiration från hundörade volymer av Thoreau och Whitman och Edward Abbey. Liksom Chris var jag beroende av nyhet och möjlighet; jag satte mig igenom otaliga små självinitiativ i vildmarken, och jag hittade något heligt i min gradvisa ackumulering av äventyr.

jag har ofta sagt att Vagabonding, boken som resulterade från mina ungdomliga vandringar, var tänkt som ett slags brev till mitt 17-åriga jag-och efter att ha sett Into The Wild blev jag påmind om hur, när du är ung, det finns två inneboende faror för den ungdomliga lusten för frihet och renhet. En är att du kommer att vara för blyg för att faktiskt bryta sig loss och vandra — men den andra är att du kommer att över romantisera resan när den är igång, vilket kan vara mindre än perfekt för både dig själv och de människor du lämnar bakom. Into The Wild, både boken och filmen, fungera som ett slags varnande berättelse mot denna häftiga, cocksure, själv mytologizing romantik-även som Chris berättelse fortsätter att inspirera en massa pilgrimer och imitatörer.

med tanke på vad som hände med MacCandless/Supertramp, Into The Wild är en bestämd mörk åldershistoria, men på något sätt Eddie Vedders folkliga poäng-och i synnerhet hans själfulla omslag av Gordon Petersons “Hard Sun” i slutscenen-grundar historien med en hoppfull känsla av existentiell längtan.

Freedy Johnstons “Bad Reputation”, från att sparka och skrika

runt början av mitten av 1990-talet gjordes ett antal självmedvetna hipfilmer med “Generation X” ungdomsmarknaden i åtanke-tänk Reality Bites, singlar, Empire Records, etc. – men få var ganska så roliga och gripande som sparkar och skriker, indie auteur Noah Baumbachs debut 1995. Plot-wise, filmen uppgår inte till mycket — det handlar om en grupp av fyra vänner som inte riktigt kan lämna college efter att ha examen — men dess loquaciously deprimerade (och affably clueless) tecken epitomze den existentiella stasis som kan gripa unga män just nu de ska göra något av sig själva i livet.

en sentimental del av mig är övertygad om att jag tittade på den här mycket relatabla filmen i exakt samma livsfas som Grover, Max, Otis och Skippy, dess kvartett av nyligen utexaminerade karaktärer. I själva verket såg jag det nästan tre år efter högskoleexamen, medan jag fastnade i en personlig/professionell dödsplats mellan den framgångsrika slutförandet av min första vagabonding resa och min eventuella flytt till Korea för att undervisa engelska (och förlänga mina vagabonding äventyr).

att sparka och skrika handlar delvis om den plötsliga förlusten i social status som följer med examen, när man kastas ut ur den lilla dammen på college och in i livets kärande hav — och på något sätt karaktärernas självpåtagna förlamning och lidande inför resten av livet gjorde min egen situation lite mer tolerabel. De fyra huvudpersonerna bär alla sportjackor – som om Baumbach har noterat att de är barn som leker på att vara vuxna-och jag blev så tagen av denna påverkan att jag köpte en sportjacka att bära på jobbet när jag slog av för Korea i slutet av 1996.

de överlägset mest mogna karaktärerna i sparking and Screaming är huvudpersonernas långvariga flickvänner, och filmens klimatiska ögonblick kommer när Grover (spelad av Josh Hamilton) äntligen fattar beslutet att gå och gå med i sin tidigare paramour Jane (Olivia D ‘ Abo) i Prag. “Det kommer att göra en bra historia om mitt unga vuxna liv”, säger Grover när han psykar sig upp på flygbolagets räknare. “Du vet, den tid jag valde att åka till Prag.”

denna näst sista (och i slutändan för Grover, inte riktigt aktualiserad) flygplatsavgångsscen följs av en av mina favoritfilmsändningar hela tiden-en diskret flashback som beskriver ögonblicken före Grover och Janes första kyss många månader tidigare. Det låter corny även om du bara skriver det här, men på något sätt — i ögonblicket strax innan Johnstons “dåliga rykte” sparkar in — Grovers soliloquy till Jane om att önska att de var ett gammalt par (följt av Janes självmedvetenhet om huruvida hon ska ta ut sin hållare) slår den idealiska tonen av romantisk obekvämhet.

Led Zeppelins “Tangerine”, från nästan känd

Cameron Crowe är i stort sett autografisk berättelse om att resa Amerika via rock-N-roll tour-bus som en 15-årig Rolling Stone-journalist är inte lika direkt relaterad som de andra kommande åldersfilmerna jag har nämnt, men det är lika roligt. Många av filmens bästa stunder hänger på musik – kanske ingen så extatiskt som när hela casten skriker till Elton Johns ” Tiny Dancer “efter ett bandfall (och återförening) i Topeka — och Led Zeppelins” Tangerine ” ger en trevlig coda till det ögonblick som Will Miller (Patrick Fugit) och Russell Hammond (Billy Crudup) äntligen — efter så många mil på vägen tillsammans — sitta ner i Wills hem för att diskutera Musik på ett öppet hjärta sätt.

The Faces “Ooh La La” från Rushmore

mycket har sagts om regissören Wes Andersons visuella stil, men hans musikaliska val är lika distinkta — och i Rushmore, Andersons ikoniska 1998 sophomore ansträngning, är filmens soundtrack lika mycket av en karaktär som Jason Schwartzmans överpresterande Tonåring Max Fischer, eller Bill Murrays medelålders mogul Herman Blume. Vår introduktion till Maxs överblåsta extracurricular ambitioner skulle inte vara detsamma utan årsboksmontage inställd på skapelsens “Making Time,” och Max-versus-Herman revenge-sekvensen uppnår sin bittera kulmination till tonerna av The Who ‘ s “a Quick One, medan han är borta.”Rushmores sista scen finner sin fulländade ton tack vare Faces bittersweet 1973-melodi” Ooh La La.”

magnetfälten “” Saddest Story Ever Told”, från myten om den amerikanska sömnen

David Robert Mitchells breakout-film var en läskig 2014 teen — sex skräckfilm som heter It Follows-men hans filmdebut kom tre år tidigare, med frisläppandet av myten om den amerikanska sömnen, som sköts i Michigan på en liten budget och aldrig gick in i en bred teaterfrisättning. Jag råkade se det av dum chans på Angelika Film Center när jag besökte New York sommaren 2011, och jag blev enamored av hur denna diskreta film (full av okända skådespelare) fångade något konkret och resonant om tonårslivet.

ironin här är att det finns en avsiktlig vaghet mot myten om den amerikanska sömnen, eftersom den inte verkar äga rum under någon viss tidsperiod. Det känns något samtida, till exempel, men ingen av karaktärerna använder mobiltelefoner eller Internet — och sensommaren “sleepovers” som antyds av titeln känns pittoreska och anakronistiska, även om de erfarenheter karaktärerna har där känner sig känslomässigt specifika och relevanta. Sleepover har inte en epifanisk slut som The Breakfast Club (eller en ebullient som Dazed and Confused), men magnetfältets “sorgligaste historia någonsin berättat”, tillsammans med Balthrop, Alabama’ s “Love to Love You”, slår rätt känslomässig anteckning till denna överraskande påverkande film när krediterna rullar. (Båda låtarna finns också i filmens trailer.)

Horst Wende och hans Orkesters “Skokiaan”, från Slacker

Richard Linklaters andra funktion kvalificerar sig knappt som en åldrande film, eftersom Slackers kamera sällan dröjer på en karaktär mycket länge, och ingen av dem verkar förvandlas på något märkbart sätt. Ändå finns det något glatt och energigivande om filmens slutliga sekvens, när en grupp ungdomliga karaktärer filmar sig själva som kör (och sedan klättrar) till toppen av Mount Bonnell nära Austin. “Skokiaan” är en poplåt från 1947 av Zimbabwisk musiker August Musarurwa, och den mest kända återgivningen är förmodligen Louis Armstrongs 1954 — version-men den tyska bandledaren Horst Wende ‘ s peppy 1958-omslag slår en fin retroton för de sista ramarna av Slacker.

i DVD — kommentarspåret till filmen säger Linklater att den här sista sekvensen-som verkar förutse hur ungdomar i smartphone — åldern Hyper-dokumenterar sina egna liv-inspirerades av en Bill Daniel kortfilm. Linklater hade hoppats att täcka filmen med Peggy Lees 1969-återgivning av Leiber och Stoller “är det allt som finns?”men var tvungen att nöja sig med” Skokiaan “och Butthole Surfer ‘s” Strangers Die Everyday ” när han inte kunde säkra rättigheterna till Lee-låten. Till mitt öra, de läskiga stammarna av “främlingar dör varje dag” ger en bättre känslomässig struktur när Slacker-krediterna rullar, eftersom ” är det allt som finns?”känns lite på näsan för en sådan knäppa film.

Third Eye Blind ‘ s “Semi-Charmed Life” från American Pie

även om Paul och Chris Weitz ‘ s teen-sex comedy American Pie kom ut 1999, känns det väldigt mycket som en 1980 — film-och det var förmodligen sista gången jag tittade på en tonårsfilm med en svagt tonårig känsla. Den sannaste hyllningen till det amerikanska tonårslivet som kom ut 1999 var inte en film — det var TV-showen Freaks and Geeks (som enligt min mening var den sannaste på skärmen evokation av mellanamerikanska ungdomar som någonsin gjorts). Men medan de komiska hyperbolerna i American Pie inte ringer lika sant som Freaks and Geeks, var det en härligt underhållande kommande ålder-genom att försöka-förlora-din-virginity-film.

jag hade backpackat runt Asien och Östeuropa under större delen av 1999, och medan jag förmodligen var lite för gammal uppskattade jag ordentligt ljudspåret, låtarna som finns i filmens sista scen — Third Eye Blind’ s “Semi-Charmed Life” och Bare Naked Ladies “One Week” — ta mig tillbaka till det året jag tillbringade i öst (liksom andra one-hit underverk från ungefär samma tid, som Fatboy Slims “The Rockafeller Skank”, Blink-182 ‘s “All the Small Things,” Chumbawamba’ s “tubthumping,” Smash Mouth ‘ s “Walkin’ on the Sun,” och Verves “Bitter Sweet Symphony.”

Yello ‘s” Oh Yeah ” från Ferris Buellers Day Off

jag älskade positivt Ferris Buellers Day Off när den kom ut 1986, och det är fortfarande en av mina favorit tonårsfilmer. Människor har i efterhand nedvärderat Ferris Bueller-karaktären som en bit av en privilegierad snot — men det var klart för mig även som Tonåring att Ferris Buellers lediga dag var mindre en realistisk kommentar till tonårslivet än en nyckfull fantasiefilm som bestämde sig för att ha så mycket kul som möjligt med sin premiss.

dessutom är det lätt i efterhand att glömma hur singular en karaktär Ferris var: i en tid då tonårsfilmer i generationer hade karaktäriserat huvudpersoner när det gäller klickdrivna stereotyper var Ferris unik för sig själv-en smart, knäppa, hyperartikulerad (och inte nödvändigtvis atletisk eller hypermaskulin) vän — till-alla som gick genom världen på den irrepressibla styrkan i sin egen karisma. “Åh ja,” Yellos singularly weird instrumental spår, satte den perfekta slutet av filmtexturen när krediterna rullade och rektor Rooney fick sin uppkomst (och Ferris själv sköt oss ut ur teatern).

David Bowies “Heroes”, från Perks of Being a Wallflower

av skäl som jag inte helt kan förklara upptäckte jag och läste (och älskade) Stephen Chboskys 1999 YA-market roman The Perks of Being a Wallflower när jag var i slutet av trettiotalet. På en logisk nivå är historien inte riktigt meningsfull-huvudpersonen är en freshman misfit som sömlöst faller in med en massa hip seniorer (och på något sätt har övermänsklig fysisk styrka). Än, konstigt, på en känslomässig nivå historien är spot-on i sin anspelning på ungdomar längtan, särskilt som uttrycks genom låtar som Smiths “sover.”

filmversionen av Wallflower, som regisserades av Chbosky själv, fungerade inte riktigt för mig — men den sista scenen (när Charlie tävlar genom Pittsburghs Fort Pitt Tunnel på baksidan av en pickup och förklarar, i voice-over, att “vi är oändliga”) ger ett bra slut. I boken sker denna scen till Fleetwood Macs “jordskred”; i filmen byts låten ut med David Bowies” Heroes ” — och det är ett val som slår den perfekta tonen när filmen skär till krediter.