Stockhausen, Duchamp och exit signs – en intervju med Cerith Wyn Evans

Cerith Wyn Evans har fyllt Pirelli HangarBicocca i Milano med sina storskaliga neonskulpturer och andra installationer. Han pratar med Gabrielle Schwarz om sitt intresse för musik och Marcel Duchamps komplicerade inflytande

denna utställning innehåller verk från 1990-talet till idag. Hur har det varit att installera dem bredvid varandra i det kavernösa utrymmet i Pirelli HangarBicocca?

Tja, det här har varit utställningens verkliga utmaning – att inse att det gav mig möjlighet att skapa ett tillfälle. Det är mer som att iscensätta något, det är nästan teatraliskt. Du kan göra en händelse av närvaron av ett antal saker som har uppstått under en period av år, som har en viss enhet, om bara formellt, som kommer från en slags försvagad palett av material. Majoriteten av neonverken, även om de är i olika skalor, kommer från samma plats. De tillverkas bokstavligen av samma personer, och de är nästan jämnt i samma färgtemperatur, 6500 kelvin, och olika diametrar av glasrör, från 8 mm upp till 15 mm. så det är möjligt att underlätta passagen och konversationen mellan olika olika bitar. Även om det känns som en sådan trål av olika saker från olika perioder, kommer den stora majoriteten av showen – jag skulle säga 80 procent – från de senaste två åren.

Neonformer (Efter Noh) (2015-19), Cerith Wyn Evans. Installationsvy av ” Cerith Wyn Evans:” … den lysande gasen ” på Pirelli HangarBicocca, Milano, 2019. Foto: Agostino Osio. Artighet konstnären; vit kub; Marian Goodman Gallery, New York, Paris och London; och Pirelli HangarBicocca

du började din karriär som arbetar i film. Tror du att det är något filmiskt med ditt senaste arbete?

mycket av mitt arbete försöker förhöra optik – att på något sätt sönderfalla den vetenskapliga modellen för optik. Jag tror att om du tar en bok om fysik, en bok om optik, en bok om musikalisk notation, en bok om koreologi, en bok om yoga och kör sina diagram genom varandra, slutar du med några av de former som ligger till grund, konceptuellt och formellt, för många av verken i denna utställning.

människor anser att saker är filmiska om de verkar falla under rubriken för vissa typer av estetik, som i stort sett är förknippade med de stereotypa scopic-regimerna som anses vara filmiska, och det har till stor del att göra med format. Med tanke på att vi lever genom en teknologisk revolution som exploderar dessa format och bryter ner dessa hierarkiska strukturer, går vi in i ett utrymme som förmodligen inte har utforskats av konstnärer under de senaste 100 åren, sedan modernismen och två världskrig kom i vägen och skenande kapitalism kommodifierade allt. Jag tror kanske att jag tittar genom linsen som Duchamp plockade upp för ungefär 100 år sedan, när han började titta på saker som den fjärde dimensionen och tesseract.

referenser till Duchamp körs under hela ditt arbete. Hur skulle du beskriva hans inflytande på dig?

så mycket har skrivits på Duchamp – Duchamp är ett språk, är ett territorium, är en geografi, är en kontinent, är många, många saker, för många människor, och han har använts för att främja en hel del olika positioner och tankar. Jag är som så många andra människor som har fångats upp i den lockelse som Duchamp – som alkemist, som trollkarl, om du vill – kunde kasta över saker och i den ångest som han kunde introducera till mottagandet av något som objektet och hans förhör av bruksvärde inom konstsystemet. hans lätthet av beröring och hans ordspel, och hans vägran att på något sätt bli hörnad och göras för att representera ett slags… för brist på en bättre term, maskulinitet.

installationsvy av Cerith Wyn Evans former i Space…by ljus (i tid), beställd av och först visad på Tate Britain, London, 2017. Foto: Joe Humphreys/ GHz Tate, London 2018; courtesy White Cube; Cerith Cerith Wyn Evans

vad kan du berätta om de nya verken du skapade för den här showen?

det finns några, även om de inte riktigt visas som nya verk. Jag ville producera dem för att skohorn de befintliga verken – en av de stora bitarna var kommissionen för Duveen Galleries i Tate Britain – i ett förhållande till byggnaden . Jag ville producera något som kom ut ur Tate – stycket för att skaka hand med resten av HangarBicocca-byggnaden-särskilt eftersom vi är på väg att falla av kanten av klippan till Brexit.

jag tänker på de nya verken som ett slags coda-som något du skulle lägga till i slutet – för att jag ville fråga: Vad skulle vi hitta i slutet? Skulle vi hitta nuet, här och nu? I viss utsträckning består den av en slags reprise, varigenom några av sökmotiven, teman, löses. Du har det i ett av de stora mästerverken, för mig: Mantra, pianoduetten av Karlheinz Stockhausen. Stockhausen är lätt lika stort inflytande som Duchamp i denna utställning. Kanske detta också för oss nära tanken på att det finns en vädjan från min sida att sträcka sig över media och samarbeta med arkitekter och musiker, alla människor som är intresserade av att utvidga ett experiment socialt, politiskt, känslomässigt, psykologiskt.

det finns också little exit sign , det äldsta arbetet i showen, som också handlar på komisk nivå med början och slut. Detta utgångsskylt kom från att oavsiktligt låsas ur en biograf på Leicester Square på 80-talet. jag ville inte gå igenom biografen för att gå ut ur filmen. Jag gick igenom utgångsdörrarna och jag insåg att dörrarna till gatan var bultade, så jag var tvungen att sitta och titta på resten av filmen från en position där det enda jag kunde se var en back-to-front utgångsskylt.

Mantra (2016), Cerith Wyn Evans. Foto: George Darrell; courtesy White Cube; Bisexuell Cerith Wyn Evans

var kommer ditt intresse för att leka med språk från?

det är svårt att dra ut det utan att känna som om jag på något sätt förråder något som är medfödd. Jag känner inte heller att jag borde säga att arbetet talar för sig själv. När jag var student på Saint Martins, i slutet av 1970-talet, på skulpturen en kurs där, var det något som jag kände var en riktig förolämpning mot min identitet, min varelse. När folk skulle säga, ‘ varför märker du det med alla dessa olika saker, och varför dyker alla dessa små metaberättelser och små loopar och små återkopplingar och små saker upp som slänger dig?’De sa,’ Låt oss kalla en spade för en spade ‘ – Ja, Magritte gjorde det aldrig, och Marcel Broodthaers eller Elaine Sturtevant gjorde det aldrig. Många av de konstnärer som jag håller i högsta avseende alltid haft tvivel i det avseendet. Jag finner ett visst utrymme av äkta integritet i begreppet att tvivla på den materiella världen, att tvivla på uppfattningen.

‘Cerith Wyn Evans: “…den lysande gasen “‘ är på Pirelli HangarBicocca, Milano, fram till 26 juli 2020 (utställningsdatum förlängda).

från november 2019-numret av Apollo. Förhandsgranska och prenumerera här.