vikten av klassisk träning i en samtida Värld
av Kristen Stevens
när människor tänker på en klassiskt utbildad sångare kan några stereotyper komma i åtanke: kanske en squawky, fyrkantig, musiker med ett ego storleken på Texas? Som musikpedagog som har genomgått klassisk utbildning genom college-programmet studerade olika stilar och genrer, samt att ha utfört de flesta av dem; Jag är övertygad om att en klassisk teknik är sättet att lyckas i någon genre. Liksom den klassiskt utbildade dansaren kan överföra sin kontroll över kroppen för att röra sig på det sätt som krävs i modern dans, finner vi att det är den moderna dansaren som inte kan spänna på ett par pointe-skor och utföra de rörelser som krävs av en ballerina. Liksom den klassiska dansaren har den klassiska sångaren förmågan att överföra sin vokalteknik till vilken genre eller stil som helst. Klassisk sångare Kathleen Battle sjunger jazzstycket, sommartid, av Gershwin.
min erfarenhet är rotad i både samtida och klassisk tradition. När jag blir ombedd att uppträda för olika evenemang måste min röst vara formbar nog för att sjunga med korrekt stilistisk böjning och äkta ljud, all musik som begärs av mig; jag kan göra det med lätthet på grund av min klassiska träning. Tyvärr är det sällsynt att den samtida sångaren överför sin teknik för att passa den klassiska stilen, och ibland är deras teknik så begränsad att den till och med kan begränsa dem till en enda musikstil. Även de mest begåvade samtida artisterna kämpar för att upprätthålla stilistisk korrekthet när de försöker sjunga i klassisk stil.
örat kan lätt skilja att det finns stora skillnader mellan genrerna, men de flesta som inte formellt har utbildats i musik har svårt att sätta ord på de skillnader som örat identifierar. Nedan kommer vi att prova några av de olika skillnaderna och också gå in på lite varför saker görs som de är.
elektronisk förstärkning och förbättring
en av de mest märkbara skillnaderna mellan den klassiska sångaren och den samtida sångaren är användningen av elektronisk utrustning för att förstärka och förbättra ljudet av rösten. Den klassiska sångaren använder sällan en mikrofon eller andra elektroniska förstärkare på grund av den träning, placering och teknik som de associerar sig med. För det mesta om en mikrofon/ mikrofoner ses vid en föreställning är det vanligtvis för inspelningsändamål snarare än förstärkning. På grund av den växande storleken på prestationsplatser blir det dock långsamt mer acceptabelt att använda mikrofonen för mycket stora arenor och utomhusevenemang. Det är också mycket utmanande för ljudtekniker / ljudpersonal att få ett bra ljud för sångaren eftersom Musik, opera eller konstsång ofta kräver extrem och ibland terrasserad dynamik (snabba skift mellan extremt mjukt och extremt högt ljud) det är också svårt att uppnå en bra ton utan att sångaren låter för brasig eller spetsig. Denna typ av röst uppskattas vanligtvis bäst samtidigt som den är minst 20 meter från sångaren.
samtida sångare är ofta starkt beroende av elektronisk förstärkning. Detta beror främst på ljudets placering och intonation, även användningen av förstärkta instrument bidrar till behovet av balans mellan sångare och instrumentalister. (Innan jag gör följande uttalande, vänligen förstå att jag inser att det finns mycket begåvade samtida sångare i världen, tyvärr är de sällan de som hörs på radion.) Samtida konstnärer använder ofta vokalförbättring och auto tuners för att korrigera sina vokalfel, vilket skapar studioinspelningen, som sedan städas upp och bearbetas för att skapa den produkt du hör på radion eller annan bärbar musikenhet. Det är därför människor kan ibland besviken när de hör deras favoritband/ artist artist liveshower eller akustiska uppsättningar.
Diction
en enorm skillnad som du kommer att märka mellan klassisk och samtida är varje enhets användning av diktion. I samtida musik, språket är oftare konversation, till skillnad från klassisk som ofta använder långa, legato sträckor av ord som löper in i en annan, åtskilda av ibland hårda konsonanter. Den samtida sångarens vokaler modifieras också ibland för att skapa någon udda effekt eller idiom som används för att skildra vissa känslor( dvs. ordet “hår” uttalas “hayyyer”), också att flytta till det andra ljudet av dipthong (två vokalljud som förekommer i en enda stavelse, oseparerad av en konsonant) tidigare än vad som skulle användas i normal konversation (dvs.; ordet ” liv “uttalas ” lögnef”.)
i klassisk sång, som tidigare nämnts, finns det vanligtvis skarpa ljudkonsonanter, detta beror på bristen på elektronisk förstärkning. Sångaren använder konsonanterna för att skära igenom ljudet från orkestern eller medföljande instrument, för att språket kan identifieras såväl som förstås. Den klassiska sångaren strävar efter att sjunga på vokalen snarare än konsonanten, och fördröjer ofta fonationen av det andra ljudet av dipthong; detta är standarden om inte annat anges i musikpartituren. Den klassiska sångaren läser också både musiken och det internationella Fenetiska alfabetet (IPA) för att säkerställa korrekt uttal av de olika språk som de kan behöva sjunga på.
språk
det krävs att den klassiska sångaren uppträder på flera språk för att ge autentisk, periodreplikering av kompositörens ursprungliga design. Sångaren tar ofta kurser som förklarar de olika symbolerna som används för att uttrycka fonem (de minsta enheterna av talljud) som de är associerade med (dvs.; en Klassisk sångare kommer att läsa i IPA-transkriptionen, och för dem betyder det att uttala vokalen “e” som i “mig” eller kanske kommer de att läsa symbolen och uttala den “uh” som i “karamell.”) Förutom korrekt uttal måste sångaren också undersöka ord för ord översättning såväl som den poetiska översättningen för att möjliggöra korrekt böjning av texten. Detta är förmodligen lika viktigt som det korrekta uttalet, för ofta förstår publiken inte språket och förlitar sig därför på konstnären för att uttrycka det känslomässiga av stycket genom ansiktsuttryck och kroppsliga gester.
i den samtida traditionen sjungs Sånger vanligtvis i folkmun, såvida inte låten är avsedd för multikulturell publik, i vilket fall vissa sångare kommer att utföra en del av konserten, albumet etc. på ett visst språk, skift sedan mot ett annat språk för en annan del av uppsättningen. Att sjunga i folkmun gör det möjligt för artisten att fokusera mer på böjningen och mindre på språket. Det som är vanligt i båda stilarna är att musiken och orden ska memoreras innan offentliga prestationer bedrivs.
Vibrato
Vibrato är oscillationen eller vibrationen överlagd på en hållbar stigning. Det beskrivs ofta som den glittrande, darrande eller fladdrande kvaliteten hos en viss röst och förekommer naturligtvis i viss utsträckning i någon hälsosam röst. I klassisk sång börjar vibrato omedelbart efter konsonanten och förblir konsekvent hela tiden. Undantaget är om sångaren utför ett renässans-eller Barockperiodarbete, i vilket fall en ren ton kan vara mer stilistiskt korrekt. Vibrato är en nyckelkomponent i intonation och övergripande prestanda för den klassiska sångaren.
den samtida sångaren använder också användningen av vibrato, men eftersom musiken är mer konversationell är vibrato vanligtvis reserverad för att pryda slutet på ihållande toner. Det finns dock tillfällen att den samtida sångaren använder vibrato oftare, den är vanligtvis mycket subtil och kan användas dramatiskt under de mjukare delarna av låten för att säkerställa ett kärnljud snarare än ett luftigt ljud, samtidigt som den önskade dynamiken bibehålls.
i den här videon beskriver instruktören Kerri Ho tekniker som ofta används för att utveckla konsekvent vibrato.
register
i klassisk sång måste rösten låta som en singulär enhet med sömlösa övergångar mellan registren. Med otaliga timmars övning och metodik som driver oss, drar oss, driver oss, Julia barnar oss genom passagio (övergångspunkten mellan register) för att skapa en sömlös övergång, strävar den klassiska sångaren efter den singularitet av ljud som kommer när resonansrummen är balanserade och det finns tillgång till både övre och nedre register. I huvudsak innebär detta att de strävar efter att hålla rösten låter som det tillhör samma person i alla register som de sjunger (dvs.; inte låter som Idina Minzel medan i bröstet röst, sedan låter som Paris Hilton i huvudet röst.)
i samtida är det mycket mindre betoning på en sömlös passagio, ofta bärs bröströsten till det yttersta och skapar ljudet som kallas “belting.”Det är inte ovanligt att en sångare har en stark bröströst, men gör sedan ett märkbart språng upp till det ljusa, mindre fokuserade ljudet från huvudrösten. Men när en samtida sångare går rent genom passagio märker människor hur begåvade dessa individer ska ha ett så “starkt och brett” sortiment. “Break” (jag hatar den här termen eftersom ingenting i din röst faktiskt bryts, utan snarare hänvisar till slutet av ett visst register) i registren används ibland av samtida konstnärer för att skapa dramatisk effekt.
Resonansrum
människokroppen innehåller sina egna resonansrum som gör att vibrationerna från vokalvecken kan manifestera och förstärka det producerade ljudet. Kroppen innehåller fyra huvudresonanskamrar som varje sångare borde veta om: huvud, mun, näsa och bröst. Dessa bör inte förväxlas med register. Det här är de utrymmen som hjälper till att skapa en viss ljudstyrka utan att anstränga rösten.
i klassisk musik är målet att skapa så mycket utrymme som möjligt i allt tillgängligt resonansutrymme. Det enda utrymme som inte används i klassisk sång är munresonansen, främst på grund av mjukvävnaden (käkar och tunga) som fungerar som en ljudabsorberande enhet. Handlingen att skapa utrymme uppnås genom att sänka struphuvudet och höja den mjuka gommen för att få full tillgång till de andra tre resonatorerna. Korrekt användning av dessa resonansrum resulterar i den klassiska sångarens oberoende från förstärkningsanordningar.
de samtida genrerna använder resonansutrymmen olika. I populärmusik sjunger artisten ofta med munresonans eller talande resonans, eftersom musiken tenderar att vara konversation. I musikteatern tenderar placeringen att ligga i nasal / maskresonansen och har ett mycket framåtriktat ljud. Rock, alternativ, rytm och blues, och jazz alla är starkt beroende av mikrofonen, liksom populärmusik och på liknande sätt, resonation är inte som betonas, även om en bra balans är önskvärt.
Musikläsning
Musikläsning krävs av den klassiska sångaren, inte bara musikläsning (med vetskap om att diskantens andra utrymme eller g-personal är en A), men det förväntas att den klassiska sångaren kan synläsa musik (sjunga vad sidan leder utan en genomtränglig hörsel). Anledningen till att jag tycker att musikläsning är en så viktig del av någon musikers träning är att du, konstnären, litar på dig själv för att skapa och tolka musiken och inte behöver lita på någon annans Tolkning.
vissa samtida sångare läser musik, Detta är vanligtvis resultatet av det offentliga skolmusikprogrammet eller musikstudion som driver musikläsning som en del av läroplanen. Vanligtvis förstår samtida sångare de grundläggande elementen i musikläsning, men såvida de inte komponerar sin egen musik är det inte stressat och sällan uppskattas det. Även om musikläsning är väsentlig, måste utveckling och övning av audiation (eller inre hörsel) läras också, annars kommer musikläsningen inte att gynna sångaren. Ibland, för att kompensera för brist på skicklighet i musikläsning, samtida sångare kan lita mer på hörseln för att lära sig musiken, men i allmänhet kan ofta improvisera och ad lib med lätthet.
tekniköverföring
det kan komma som en överraskning att jag ofta måste sjunga samtida musik. Jag måste också erkänna att jag före kollegial sång inte hade haft någon klassisk träning, vilket gjorde musikskolan så mycket mer utmanande. Före min collegeupplevelse hade jag ofta lett tillbedjan för min kyrka och gjort några spelningar med några vänner som sjöng lite alternativ/rockmusik, och ja, jag gjorde allt fel: jag visste inte ens att jag hade ett övre register – det var allt bröströst. Naturligtvis, min första termin av private voice var ganska kampen. Men efter min teknik var fast, jag kunde överföra begreppen klassisk sång sång i min samtida musikstil, och mycket till min förvåning, Jag lät mycket bättre. För mig manifesterade fördelarna med klassisk träning sig i andra genrer utöver den klassiska repertoaren. De samtida sångfördelarna inkluderade: ett utökat sortiment, vilket innebar att jag kunde sjunga ett bredare utbud av musik, korrigera sång i de olika registren under längre perioder utan trötthet eller spänning i nacken till följd av felaktig teknik.
jag trodde också att jag skulle inkludera några sanningar som varje sångare, klassisk eller samtida, måste komma överens med, om de ska bli en framgångsrik, oberoende musiker.
- du kommer inte (och borde inte) låta som artisten som har gjort din repertoar berömd. Du måste vara bekväm nog med ditt eget unika ljud, och du måste göra det ljudet till det bästa av din förmåga varje gång du sjunger. Det är alltid bra att spela in dina lektioner och jämföra dig själv i ett tidigare skede och bedöma din prestation utifrån din egen förbättring.
- att läsa noterna är viktigt. Detta är en ovärderlig färdighet att ha eftersom det gör dig till en oberoende musiker. Har du någonsin sett ett papper som har kopierats och kopierats igen? Det blir mer och mer suddigt med varje kopia – på sätt och vis, det är vad som händer med musik när vi inte får musikdata för oss själva – vi lyssnar på någon annans tolkning-eller en kopia, därför är allt vi kan hoppas uppnå med detta en något mer förvrängd bild av konceptet som kompositören ursprungligen försökte förmedla. I samtida musik lib. är acceptabelt, men innan du skapar en variation måste du känna till temat, och den kunskapen erhålls på sidan.
- du måste känna till de stilistiska egenskaperna hos den genre du sjunger. Jag vet att det här kan verka som en no-brainer, men lyssna på de bästa artisterna i genren och observera de stilegenskaper som de visar. Under vilken tidsperiod skrevs detta? Gör de ofta “körningar” eller oskriven prydnad? Gör de lib., om så är fallet, när är det stilistiskt lämpligt att göra det? Ändrar de sin diktion? Använder de stavelser som inte är ord? Sjunger de, eller talar rytmiskt på planen? Det är viktigt att lyssna kritiskt på musiken för att avgöra vad som gör genren annorlunda än en annan.
övergång från en icke-klassisk bakgrund till den klassiska träningen har jag funnit att det är mest fördelaktigt att lära sig den klassiska metoden. Om du bestämmer dig för att musik är ditt önskade yrke, kräver det vanligaste musikprogrammet som du kommer att stöta på på kollegial nivå en viss grad av klassisk träning, de flesta av dina klasskamrater har haft denna erfarenhet till viss del antingen genom UIL, all-state solo tävlingar, och vissa kan till och med tävla vid National Association of Teachers of Singers (NATS) tävlingar. Jag rekommenderar klassisk träning eftersom den utrustar sångaren med det väsentliga för att lyckas på sin musikaliska resa genom att tillhandahålla: musikläsningsförmåga, gehör, mångsidig teknik och viktigast av allt, självständigheten att sjunga vad som helst som gör dem lyckliga.
