The Importance of Classical Training in a Contemporary World
By Kristen Stevens
Wenn man an einen klassisch ausgebildeten Sänger denkt, kommen einem vielleicht ein paar Stereo-Typen in den Sinn: Vielleicht ein kreischender, quadratischer Musiker mit einem Ego von der Größe von Texas? Als Musikpädagoge, der eine klassische Ausbildung im Rahmen des College-Programms absolviert hat, studierte verschiedene Stile und Genres, sowie die meisten von ihnen aufgeführt zu haben; Ich bin überzeugt, dass eine klassische Technik der Weg ist, um in jedem Genre erfolgreich zu sein. Ähnlich wie der klassisch ausgebildete Tänzer seine Kontrolle über den Körper übertragen kann, um sich so zu bewegen, wie es im modernen Tanz gefordert wird, Wir stellen fest, dass es der moderne Tänzer ist, der kein Paar Spitzenschuhe anschnallen und die von einer Ballerina geforderten Bewegungen ausführen kann. Wie der klassische Tänzer hat der klassische Sänger die Fähigkeit, seine Gesangstechnik auf das gewünschte Genre oder den gewünschten Stil zu übertragen. Die klassische Sängerin Kathleen Battle singt das Jazzstück Summertime von Gershwin.
Meine Erfahrung ist sowohl in der zeitgenössischen als auch in der klassischen Tradition verwurzelt. Wenn ich gebeten werde, für verschiedene Veranstaltungen aufzutreten, muss meine Stimme formbar genug sein, um mit korrekter stilistischer Beugung und echtem Klang zu singen, all die Musik, die von mir verlangt wird; Ich kann dies aufgrund meiner klassischen Ausbildung mit Leichtigkeit tun. Unglücklicherweise, Es ist selten, dass der zeitgenössische Sänger seine Technik an den klassischen Stil anpasst, und manchmal ist ihre Technik so begrenzt, dass sie sie sogar auf einen einzigartigen Musikstil beschränken kann. Selbst die talentiertesten zeitgenössischen Interpreten haben Schwierigkeiten, stilistische Korrektheit beizubehalten, wenn sie versuchen, im klassischen Stil zu singen.
Das Ohr kann leicht unterscheiden, dass es große Unterschiede zwischen den Genres gibt, aber die meisten Menschen, die nicht formell in Musik ausgebildet wurden, haben Schwierigkeiten, die Unterschiede, die das Ohr identifiziert, in Worte zu fassen. Im Folgenden werden wir einige der verschiedenen Unterschiede probieren und auch in ein wenig gehen, warum die Dinge so gemacht werden, wie sie sind.
Elektronische Verstärkung und Verbesserung
Einer der auffälligsten Unterschiede zwischen dem klassischen Sänger und dem zeitgenössischen Sänger ist die Verwendung elektronischer Geräte zur Verstärkung und Verbesserung des Stimmklangs. Der klassische Sänger verwendet aufgrund des Trainings, der Platzierung und der Technik, mit der er sich verbindet, selten ein Mikrofon oder andere elektronische Verstärker. Die meiste Zeit, wenn ein Mikrofon / Mikrofone bei einer Aufführung gesehen werden, ist es in der Regel für Aufnahmezwecke und nicht für die Verstärkung. Aufgrund der wachsenden Größe von Veranstaltungsorten wird es jedoch langsam akzeptabler, das Mikrofon für sehr große Arenen und Veranstaltungen im Freien zu verwenden. Es ist auch eine große Herausforderung für Toningenieure / Tontechniker, einen guten Klang für den Sänger zu erzielen, da die Musik, Oper oder Kunstlied, oft extreme und manchmal terrassierte Dynamik erfordert (schnelle Verschiebungen zwischen extrem leisem und extrem lautem Klang). Diese Art von Stimme wird normalerweise am besten geschätzt, wenn sie mindestens 20 Fuß vom Sänger entfernt ist.
Zeitgenössische Sänger verlassen sich oft stark auf elektronische Verstärkung. Dies ist in erster Linie auf die Platzierung und Intonation des Klangs zurückzuführen, auch die Verwendung verstärkter Instrumente trägt zum Gleichgewicht zwischen Sängern und Instrumentalisten bei. (Bevor ich die folgende Aussage mache, haben Sie bitte Verständnis dafür, dass es auf der Welt sehr talentierte zeitgenössische Sänger gibt, die leider selten im Radio zu hören sind.) Zeitgenössische Künstler verwenden häufig Stimmverbesserung und Autotuner, um ihre Stimmfehler zu korrigieren, wodurch die Studioaufnahme erstellt wird, die dann bereinigt und verarbeitet wird, um das Produkt zu erstellen, das Sie im Radio oder auf einem anderen tragbaren Musikgerät hören. Dies ist der Grund, warum Menschen manchmal enttäuscht sein können, wenn sie ihre Lieblingsband / Künstler / Live-Shows oder Akustik-Sets hören.
Diktion
Ein großer Unterschied, den Sie zwischen klassisch und zeitgenössisch feststellen werden, ist die Verwendung der Diktion durch jede Entität. In der zeitgenössischen Musik ist die Sprache häufiger Konversation, im Gegensatz zu klassischen, die oft lange, Legato-Strecken von Wörtern verwendet, die in eine andere laufen, getrennt durch manchmal harte Konsonanten. Die Vokale des zeitgenössischen Sängers werden auch manchmal modifiziert, um einen skurrilen Effekt oder eine Redewendung zu erzeugen, die verwendet wird, um eine Emotion darzustellen (d. H. das Wort “Haar” ausgesprochen “hayyyer”), auch der Übergang zum zweiten Klang des Dipthong (zwei Vokale, die in einer einzigen Silbe auftreten, ungetrennt durch einen Konsonanten) früher als in normalen Gesprächen (d. H. in der Regel in einer Silbe).; das Wort “Leben” ausgesprochen “lieeef”.)
Im klassischen Gesang gibt es, wie bereits erwähnt, typischerweise knackig klingende Konsonanten, was auf die fehlende elektronische Verstärkung zurückzuführen ist. Der Sänger verwendet die Konsonanten, um den Klang des Orchesters oder der begleitenden Instrumente zu durchschneiden, damit die Sprache identifiziert und verstanden werden kann. Der klassische Sänger bemüht sich, eher auf dem Vokal als auf dem Konsonanten zu singen, und verschleppt oft die Phonation des zweiten Klangs des Dipthong; Dies ist der Standard, sofern in der Partitur nichts anderes angegeben ist. Der klassische Sänger liest auch sowohl die Musik als auch das Internationale Phönetische Alphabet (IPA), um die korrekte Aussprache der verschiedenen Sprachen zu gewährleisten, in denen er singen muss.
Sprachen
Es ist erforderlich, dass der klassische Sänger in mehreren Sprachen auftritt, um eine authentische, historische Replikation des ursprünglichen Entwurfs des Komponisten zu ermöglichen. Der Sänger nimmt häufig an Kursen teil, in denen die verschiedenen Symbole erläutert werden, mit denen die Phoneme (die kleinsten Einheiten des Sprachlauts) ausgedrückt werden, denen sie zugeordnet sind (d. H.; ein klassischer Sänger wird in der IPA-Transkription lesen, und für sie bedeutet es, den Vokal “e” wie in “ich” auszusprechen, oder vielleicht werden sie das Symbol lesen und es “uh” wie in “Karamell” aussprechen.”) Neben der korrekten Aussprache muss der Sänger auch die Wort-für-Wort-Übersetzung sowie die poetische Übersetzung recherchieren, um eine korrekte Beugung des Textes zu ermöglichen. Dies ist wahrscheinlich genauso wichtig wie die korrekte Aussprache, da das Publikum die Sprache oft nicht versteht und sich daher darauf verlässt, dass der Künstler die Emotionen des Stücks durch Gesichtsausdruck und körperliche Gesten ausdrückt.
In der zeitgenössischen Tradition werden Lieder typischerweise in der Landessprache gesungen, es sei denn, das Lied ist für ein multikulturelles Publikum gedacht. wechseln Sie dann in einer bestimmten Sprache zu einer anderen Sprache für einen anderen Teil des Satzes. Das Singen in der Umgangssprache ermöglicht es dem Interpreten, sich mehr auf die Beugung und weniger auf die Sprache zu konzentrieren. Beiden Stilen ist gemeinsam, dass die Musik und die Wörter auswendig gelernt werden sollten, bevor eine öffentliche Aufführung verfolgt wird.
Vibrato
Vibrato ist die Schwingung oder Vibration, die einer anhaltenden Tonhöhe überlagert wird. Es wird oft als die glitzernde, zitternde oder flatternde Qualität einer bestimmten Stimme beschrieben und tritt natürlich bis zu einem gewissen Grad in jeder gesunden Stimme auf. Im klassischen Gesang wird das Vibrato unmittelbar nach dem Konsonanten verwendet und bleibt durchgehend konsistent. Die Ausnahme ist, wenn der Sänger ein Renaissance- oder Barockwerk aufführt, in diesem Fall kann ein reiner Ton stilistisch korrekter sein. Vibrato ist eine Schlüsselkomponente der Intonation und Gesamtleistung für den klassischen Sänger.
Der zeitgenössische Sänger verwendet auch das Vibrato, obwohl das Vibrato, da die Musik gesprächiger ist, normalerweise der Verzierung des Endes anhaltender Noten vorbehalten ist. Es ist normalerweise sehr subtil und kann während der weicheren Teile des Songs dramatisch verwendet werden, um einen Kernklang anstelle eines luftigen Klangs zu gewährleisten und gleichzeitig die gewünschte Dynamik beizubehalten.
In diesem Video beschreibt Instructor Kerri Ho Techniken, die häufig verwendet werden, um ein konsistentes Vibrato zu entwickeln.
Register
Im klassischen Gesang muss die Stimme als singuläre Einheit klingen, mit nahtlosen Übergängen zwischen den Registern. Mit unzähligen Stunden Übung und Methodik, die uns durch das Passagio (Übergangspunkt zwischen den Registern) stoßen, ziehen, schieben und Kind-machen, um einen nahtlosen Übergang zu schaffen, strebt der klassische Sänger nach der Singularität des Klangs, die entsteht, wenn die Resonanzräume ausgeglichen sind und es Zugang zu oberen und unteren Registern gibt. Im Wesentlichen bedeutet dies, dass sie sich bemühen, die Stimme so klingen zu lassen, als gehöre sie derselben Person in jedem Register, das sie singen (dh.; klingt nicht wie Idina Minzel in der Bruststimme, klingt dann in der Kopfstimme wie Paris Hilton.)
In der zeitgenössischen Musik wird viel weniger Wert auf ein nahtloses Passagio gelegt, oft wird die Bruststimme bis zum Äußersten getragen und erzeugt den Klang, der als “Gürtel” bezeichnet wird.” Es ist nicht ungewöhnlich, dass ein Sänger eine starke Bruststimme hat, aber dann einen spürbaren Sprung zum leichten, weniger fokussierten Klang der Kopfstimme macht. Wenn jedoch ein zeitgenössischer Sänger sauber durch das Passagio geht, bemerken die Leute, wie talentiert diese Individuen sind, eine so “starke und breite” Bandbreite zu haben. Der “Bruch” (ich hasse diesen Begriff, weil nichts in Ihrer Stimme tatsächlich gebrochen ist, sondern sich eher auf das Ende eines bestimmten Registers bezieht) in den Registern wird manchmal von zeitgenössischen Künstlern verwendet, um dramatische Effekte zu erzielen.
Resonanzräume
Der menschliche Körper enthält seine eigenen Resonanzräume, die es den Schwingungen der Stimmlippe ermöglichen, den erzeugten Klang zu manifestieren und zu verstärken. Der Körper enthält vier Hauptresonanzkammern, die jeder Sänger kennen sollte: Kopf, Mund, Nase und Brust. Diese sollten nicht mit Registern verwechselt werden. Dies sind die Räume, die dazu beitragen, eine bestimmte Lautstärke zu erzeugen, ohne die Stimme zu belasten.
In der klassischen Musik geht es darum, möglichst viel Raum im gesamten zur Verfügung stehenden Resonanzraum zu schaffen. Der einzige Raum, der im klassischen Gesang nicht genutzt wird, ist die Mundresonanz, die hauptsächlich auf das Weichgewebe (Kiefer und Zunge) zurückzuführen ist, das als schallabsorbierende Einheit wirkt. Der Akt der Schaffung von Raum wird durch Absenken des Kehlkopfes und Anheben des weichen Gaumens erreicht, um vollen Zugang zu den anderen drei Resonatoren zu haben. Die richtige Nutzung dieser Resonanzräume führt zur Unabhängigkeit des klassischen Sängers von Verstärkern.
Die zeitgenössischen Genres nutzen Resonanzräume jeweils unterschiedlich. In der populären Musik singt der Darsteller oft mit der Mundresonanz oder der Sprechresonanz, weil die Musik dazu neigt, Konversation zu führen. Im Musiktheater liegt die Platzierung tendenziell in der Nasen- / Maskenresonanz und hat einen sehr nach vorne gerichteten Klang. Rock, Alternative, Rhythm and Blues und Jazz verlassen sich alle stark auf das Mikrofon, ebenso wie populäre Musik und in ähnlicher Weise wird die Resonanz nicht so betont, obwohl eine gute Balance wünschenswert ist.
Musiklesen
Musiklesen wird vom klassischen Sänger verlangt, nicht nur Musiklesen (wissend, dass der zweite Raum des Diskant- oder G-Systems ein A ist), sondern es wird erwartet, dass der klassische Sänger in der Lage ist, Musik zu lesen (singen, was die Seite ohne durchlässiges Gehör leitet). Der Grund, warum ich das Lesen von Musik für einen so wichtigen Teil der Ausbildung eines Musikers halte, ist, dass Sie, der Künstler, sich darauf verlassen, dass Sie die Musik erstellen und interpretieren, und sich nicht auf die Interpretation eines anderen verlassen müssen.
Einige zeitgenössische Sänger lesen Musik, dies ist normalerweise das Ergebnis des öffentlichen Schulmusikprogramms oder des Musikstudios, das das Lesen von Musik als Teil seines Lehrplans vorantreibt. Normalerweise verstehen zeitgenössische Sänger die Grundelemente des Musiklesens, es sei denn, sie komponieren ihre eigene Musik, es wird nicht betont und selten wird es geschätzt. Obwohl das Lesen von Musik unerlässlich ist, muss auch die Entwicklung und Praxis des Hörens (oder des inneren Hörens) erlernt werden, da sonst das Lesen von Musik dem Sänger nicht zugute kommt. Manchmal, um den Mangel an Fähigkeiten im Musiklesen auszugleichen, Zeitgenössische Sänger verlassen sich möglicherweise stärker auf das Gehör, um die Musik zu lernen, aber im Allgemeinen kann oft improvisieren und ad lib mit Leichtigkeit.
TECHNIKTRANSFER
Es mag überraschen, dass ich oft zeitgenössische Musik singen muss. Ich muss auch zugeben, dass ich vor dem College-Gesang keine klassische Ausbildung hatte, was die Musikschule viel schwieriger machte. Vor meiner College-Erfahrung hatte ich häufig Gottesdienste für meine Kirche geleitet und ein paar Gigs mit einigen Freunden gemacht, die alternative / Rockmusik sangen, und ja, ich habe ALLES FALSCH gemacht: Ich wusste nicht einmal, dass ich ein oberes Register hatte – es war alles Bruststimme. Unnötig zu erwähnen, dass mein erstes Semester der privaten Stimme ein ziemlicher Kampf war. Nachdem meine Technik jedoch solide war, konnte ich die Konzepte des klassischen Gesangs in meinen zeitgenössischen Musikstil übertragen, und zu meiner Überraschung klang ich viel besser. Für mich manifestierten sich die Vorteile des klassischen Trainings neben dem klassischen Repertoire auch in anderen Genres. Zu den Vorteilen des zeitgenössischen Gesangs gehörten: ein erweiterter Bereich, was bedeutete, dass ich eine größere Vielfalt an Musik singen konnte, korrektes Singen in den verschiedenen Registern für längere Zeit ohne Ermüdung oder Anspannung in meinem Nacken aufgrund fehlerhafter Technik.
Ich dachte auch, ich würde ein paar Wahrheiten einschließen, mit denen sich jeder Sänger, ob klassisch oder zeitgenössisch, abfinden muss, wenn er ein erfolgreicher, unabhängiger Musiker werden will.
- Sie werden (und sollten) nicht wie der Künstler klingen, der Ihr Repertoire berühmt gemacht hat. Sie müssen sich mit Ihrem eigenen einzigartigen Sound wohl genug fühlen, und Sie müssen diesen Sound jedes Mal, wenn Sie singen, so gut wie möglich zum Klingen bringen. Es ist immer eine gute Idee, Ihre Lektionen aufzuzeichnen und sich zu einem früheren Zeitpunkt mit sich selbst zu vergleichen und Ihre Leistung anhand Ihrer eigenen Verbesserung zu bewerten.
- Das Lesen der Noten ist wichtig. Dies ist eine unschätzbare Fähigkeit, weil es Sie zu einem unabhängigen Musiker macht. Haben Sie jemals ein Stück Papier gesehen, das kopiert und neu kopiert wurde? Es wird mit jeder Kopie immer verschwommener – in gewissem Sinne passiert das mit der Musik, wenn wir nicht die musikalischen Daten für uns selbst erhalten – wir hören die Interpretation eines anderen – oder eine Kopie, daher können wir nur hoffen, dadurch ein etwas verzerrteres Bild des Konzepts zu erhalten, das der Komponist ursprünglich vermitteln wollte. In: contemporary music lib. ist akzeptabel, aber bevor Sie eine Variation erstellen, müssen Sie das Thema kennen, und dieses Wissen wird auf der Seite erhalten.
- Sie müssen die stilistischen Merkmale des Genres kennen, das Sie singen. Ich weiß, dass dies wie ein Kinderspiel erscheinen mag, aber hören Sie den Top-Performern des Genres zu und beobachten Sie die Stilmerkmale, die sie zeigen. In welcher Zeit wurde das geschrieben? Machen sie häufige “Läufe” oder ungeschriebene Verzierungen? Haben sie lib. Wenn ja, wann ist es stilistisch angemessen, dies zu tun? Verändern sie ihre Diktion? Verwenden sie Nicht-Wort-Silben? Singen sie oder sprechen sie rhythmisch auf der Tonhöhe? Es ist wichtig, der Musik kritisch zuzuhören, um festzustellen, was das Genre von einem anderen unterscheidet.
Beim Übergang von einem nichtklassischen Hintergrund in die klassische Ausbildung habe ich festgestellt, dass es am vorteilhaftesten ist, die klassische Methode zu erlernen. Wenn Sie sich entscheiden, dass Musik Ihre gewünschte Beschäftigung ist, erfordert das häufigste Musikprogramm, das Sie auf der College-Ebene begegnen werden, ein gewisses Maß an klassischer Ausbildung, die meisten Ihrer Klassenkameraden haben diese Erfahrung in gewissem Maße entweder durch UIL, All-State-Solo-Wettbewerbe, und einige können sogar bei der National Association of Teachers of Singers (NATS) Wettbewerbe konkurrieren. Ich empfehle klassisches Training, weil es den Sänger mit den Grundlagen ausstattet, um auf seiner musikalischen Reise erfolgreich zu sein: Musiklesefähigkeiten, Gehörbildung, vielseitige Technik und vor allem die Unabhängigkeit zu singen, was auch immer sie glücklich macht.
